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We'll always have Paris

 


¿Qué más se puede decir de una película que ha sido analizada a diestra y siniestra desde el momento de su estreno? Junto con “Citizen Kane”, “Persona” debe ser una de las películas más estudiadas en la historia del cine. Tanto actores como directores la citan como una de las cintas que han influenciado su carrera o que marcó algún momento de sus vidas; existen innumerables ensayos y pasajes de libros dedicados a analizar la técnica de Ingmar Bergman o los temas que se tratan en esta película, por lo que una opinión más es casi irrelevante.

Es tan grande la reputación de “Persona” que es de esas películas que no pueden faltar en la lista de cualquier persona que disfrute del cine, ya que todo el mundo se ha encargado de darle un estatus de icónica. A pesar de no ser mi primera película de Bergman, este sí era mi segundo intento de ver “Persona” sin morir de aburrimiento en el intento. Entiendo que el director sea un director respetado y que su estilo sea único, pero es inevitable pensar que es uno de aquellos directores que sólo presentan una trama y un estilo que parecen complejos, el cual al final no termina diciendo mucho; sigue en mi menta la idea de que su dirección no es más que otro intento de presentar algo complicado para hacerlo pasar como algo intelectual.

De todos modos, esta vez pude ver “Persona” sin interrupciones y pude llegar hasta el final. Más allá de un par de imágenes iniciales que no parecen tener conexión con nada, la película comienza contándonos la historia de Elisabet Vogler (Liv Ullmann), una actriz de teatro que ha dejado de hablar y de moverse, y de Alma (Bibi Andersson), la enfermera que está a cargo de su cuidado. El doctor de Elisabet recomienda que la actriz continúe su proceso de recuperación cerca del mar, por lo que ella y Alma se mudan a una pequeña cabaña en la costa. Sin mucho qué hacer, Alma se desahoga con Elisabet y le cuenta varias anécdotas acerca de su vida que le dan un carácter mucho más interesante a la película.

Más allá de tratar de analizar los temas filmográficos de “Persona”, siempre será mucho más entretenido analizar los temas valóricos que ambos personajes nos presentan. Ingmar Bergman dijo una vez que prefería que la película no fuese tan analizada, sino que más bien fuese sentida y que cada uno sacáramos nuestras propias conclusiones. Siguiendo aquella línea, las temáticas de la maternidad y el aborto deben ser las más interesantes de comprender; tanto Alma como Elisabet tienen distintas miradas respecto al tema, pero a cada una la idea de la maternidad las marcó para siempre. Es un logro que, para la época, “Persona” haya podido retratar ambos temas con tanta libertad y quizás sea lo que más rescato de la experiencia de haber visto esta película.

También es destacable todo ese ambiente de thriller psicológico que rodea a la segunda parte de “Persona”, cuando el silencio se transforma en un elemento de desconfianza entre Alma y Elisabet; no sólo eso, la trama también bordea el tema de una posible psicosis o esquizofrenia que ataca a uno de los personajes, lo cual explicaría el problema de su trauma más presente. La relación entre Alma y Elisabet es otro de los puntos interesantes, ya que su relación pasa por distintas etapas durante la película; comienza casi como una amistad, la cual crece durante sus momentos en la cabaña, hasta llegar a una especie de resentimiento, rencor y confusión que termina revelando mucho de ambas.

En varios de los análisis que he leído sobre “Persona”, la atención sólo se concentraba en la cinematografía y en los elementos que siempre se han destacado en el cine de Ingmar Bergman, pero poco leí sobre los temas que me llamaron la atención. Prefiero mucho más quedarme con estos que comenzar un repetitivo y aburrido análisis de todo lo que ya se ha analizado. “Persona” es, claramente, una película experimental, pero que trata temas muchos más interesantes que la decisión de interponer imágenes engorrosas o grabar una historia en blanco y negro sólo porque sí.
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Al momento de leer toda la información que puedes sobre “Blow Out”, película de la entrada anterior, es inevitable leer comparaciones con otra película de nombre similar, “Blow-Up”, cinta dirigida por Michelangelo Antonioni. Tienen tramas muy parecidas, pero una no es tan intensa como la otra.

En “Blow-Up”, el protagonista es Thomas (David Hemmings), un fotógrafo bastante superficial y solitario. Cierto día, mientras pasea por el parque Maryon, Thomas ve a una pareja discutiendo y les toma un par de fotografías. La mujer, llamada Jane (Vanessa Redgrave) lo encara y le pide el rollo de la cámara, pero Thomas no se deja y ella se marcha, enfurecida.

Más tarde, mientras Thomas revela las fotografías que tomó en el parque, se da cuenta de la presencia de un extraño hombre que estaba cerca de la pareja que discutía; este hombre los apuntaba con una pistola. Thomas cree que pudo haber sido testigo de un asesinato y, siguiendo el juego de convertirse en detective, decide volver al parque, sólo para encontrar el cadáver de un hombre justo en el lugar en donde la pareja discutía.

No dudo que Brian de Palma haya tomado inspiración en “Blow-Up” para crear “Blow Out”, pero la diferencia entre ambas películas es que esta última utiliza mucho más las técnicas del suspenso que la primera. En honor a aquellas películas italianas de la época, “Blow-Up” se toma su tiempo para contarnos las cosas y es mucho más existencialista que “Blow Out”.

El protagonista no sólo debe lidiar con un posible asesinato, sino que también con su percepción de la realidad, percepción que también nos hace dudar a nosotros, la audiencia, sobre lo que de verdad Thomas está viendo o pudo haber visto. Menos suspenso, pero mucho misterio también.
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La trama de “Sedmikrásky” es una muy particular de digerir, ya que no es una trama como cualquier otra a la que estamos acostumbrados; de hecho, creo que la película ni siquiera tiene una trama principal y sólo relata las aventuras de dos jóvenes bastante rebeldes a su propia manera.

Dirigida por Věra Chytilová, “Sedmikrásky” fue una película que revolucionó al cine checo de la época, ya que rompe con varios esquemas narrativos que recuerdan a aquellos de la nouvelle vague francesa. A través de varias secuencias, escenas que cambian del blanco y negro a imágenes a color, sin ningún orden cronológico, la película cuenta las travesuras de Marie I (Jitka Cerhová) y Marie II (Ivana Karbanová).

Ambas amigas se comportan de una manera infantil, disfrutan de la comida y la bebida, de costosas cenas, se visten de una manera muy femenina y, básicamente, hacen lo que quieren. Los personajes son la imagen contraria de lo que se esperaba de las mujeres en esos años, por lo que los aires rebeldes de “Sedmikrásky” se sienten en cada escena. Además de la rebeldía, también se siente un poco feminismo en el aire, ya que la actitud de poder hacer lo que queramos, sin que nos importe la opinión de los demás, es bastante liberadora.

“Sedmikrásky” estuvo censurada varios años e, incluso, en varios países estuvo prohibida debido a estas temáticas y a escenas como las de ambas amigas desperdiciando comida, por ejemplo. Sin embargo, no deja de ser una película importante en la historia del cine, un experimento feminista adelantado para su época.

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"Who's Afraid of Virginia Woolf?" cuenta los sucesos que ocurren durante toda una noche en New England. Los personajes principales son parte del matrimonio compuesto por Martha (Elizabeth Taylor) y George (Richard Burton), quienes han estado juntos desde hace ya mucho años. Él es profesor y jefe del departamento de Historia de una pequeña universidad, mientras que ella es la hija del decano de aquella institución. 

La historia comienza cuando Martha y George regresan a su hogar luego de haber estado en una fiesta. Mientras George se prepara para dormir, Martha le cuenta que tienen invitados: se trata del joven matrimonio conformado por Nick (George Segal) y Honey (Sandy Dennis); él es un ambicioso profesor de Biología, mientras que ella es una inocente ama de casa. Nick y Honey de inmediato sienten algo de tensión en el ambiente; Martha y George no se soportan, se dedican claras indirectas, no disimulan su odio por el otro y pasan toda la noche criticándose entre sí.

Pensaba que la actuación de Bette Davis en "All About Eve" era la mejor actuación que había visto en una película clásica, pero la interpretación de Elizabeth Taylor en "Who's Afraid of Virginia Woolf?" está a punto de llevarse el primer lugar. Es una actuación completamente seca, llevada por la rabia y el odio, que se toma espacio para la locura y la diversión también, siempre incomodando, nunca sabiendo qué es lo que Martha hará o dirá. Es una impredecible maravilla.

Leí que uno de mis capítulos favoritos de "The Office", Dinner Party, había tomado suficiente inspiración de la trama de "Who's Afraid of Virgina Woolf?". Se nota y se agradece.
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Todavía recuerdo la existencia de este blog, pero no he podido actualizarlo sólo porque estoy estudiando para mi examen final de Interpretación. Hace casi un mes atrás vi “Django”. Tuve ganas de verla cuando aún estaba haciendo 365mm y decidí ver “Django Unchained”. Leí todo lo que pude sobre la última película de Quentin Tarantino y me enteré de que el nombre del personaje principal era en honor a aquel western, del mismo nombre, estrenado en 1966. Nunca supe mucho sobre esa película, así que le pregunté al semi experto en películas del viejo oeste: mi papá. 

Para mi sorpresa, mi papá sí conocía a Franco Nero, el actor que yo sólo había visto en cierta escena de "Django Unchained". Después me contó la trama del western y también me dijo que a Nero lo conocía hasta por "Die Hard 2". Mi papá sonaba como yo. En momentos como esos, pienso que quizás no debieron haberme adoptado como siempre dicen que lo hicieron.

Los westerns para mí siempre han significado un solo contexto: tardes-noches de invierno, lluvia, días nublados, sopaipillas y papá. Si habré visto algunos durante la infancia, fue sólo gracias a él; que no pueda recordarlos, debe ser culpa mía. Apenas empecé a ver “Django”, recordé todo ese contexto y me dio mucha nostalgia, a pesar de que la película no tiene nada de nostálgica en sí.

Django (Franco Nero) en un solitario forajido que va de lugar en lugar arrastrando un ataúd. Luego de salvar a una joven llamada María (Loredana Nusciak) de un grupo de hombres que querían azotarla, Django regresa con ella hasta una posada. Allí descubre que en la zona hay una semi guerra entre dos bandos: aquel liderado por el mayor Jackson (Eduardo Fajardo), un gringo racista, y el otro al mando de Hugo Rodríguez (José Bódalo), un revolucionario mexicano. Django toma el lado de este último para dar un gran golpe que les dejará mucho oro a ambos, pero el forajido es ambicioso y arma todo un plan para marcharse con la recompensa. Claro, Django no contaba con la astucia de los mexicanos.

No soy experta en westerns, pero si tuviera que juzgar por lo que he visto, Django me pareció el más entretenido, rápido y también el más corto de todos. Es una película muy interesante si nos ponemos a buscar todas las referencias que Tarantino utilizó para hacer su propio homenaje; al principio, claro, comparaba detalles entre y otra película, pero después van pasando, porque la película consigue atraparte y porque, en realidad, no hay mucha comparación que hacer.

Si tuviera que elegir ciertas cosas, diría que la intro de “Django Unchained” es parecida a la de “Django” sólo por un asunto de canción y tipografía. También está el tema de la venganza, pero no se da tanto como en Unchained, o como en el resto de las películas de Tarantino. Me llamó la atención la escena en que a un personaje le cortan una de sus orejas, porque me llevó a recordar de inmediato a "Reservoir Dogs", por supuesto. Más allá de eso, de verdad que no hay mucha comparación que hacer.

A veces, me encantaría poder entrar a la mente de Tarantino y ver cuáles fueron esas películas que tanto le gustaron cuando era chico como para empezar a hacer las suyas. Creo que ya partí con “Django”; veamos hasta dónde llego.
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