We'll always have Paris

En The Mastermind, Reichardt retoma ese ritmo para contar una historia sobre robos de arte y, de manera más profunda, una historia sobre la frustración y el fracaso durante la época de los setenta en Estados Unidos. JB Mooney (Josh O’Connor) es un hombre casado y desempleado que planifica el robo de tres cuadros del pintor Arthur Dove en un museo de Massachusetts; no lo hace por dinero, ya que viene de una familia acomodada, sino que lo hace más por un tema de orgullo, tratando de probar que su vida es mucho más que la monótona rutina en la que se ha convertido y que su persona vale mucho más de lo que su padre cree.

Más allá de ser una película sobre un robo perfectamente planificado, al estilo de otras películas como Ocean’s Eleven o Inside Man, Reichardt desarrolla la historia alrededor de las consecuencias del robo; desde el principio, las cosas se complican para JB, pero gracias a su privilegio, es capaz de evadir cosas que sus compañeros de robo no pueden. JB no va a la cárcel, pero puede esconderse; JB no enfrenta un juicio, sino que enfrenta la realidad de su fracaso y la frustración que conlleva no haber logrado el único propósito que tenía. No podemos esperar que The Mastermind se transforme en un thriller lleno de acción o de misterio, pero sí podemos esperar una historia que solo gire alrededor de su personaje principal.

Durante un contexto en el que la guerra de Vietnam está fuertemente presente, podemos ver imágenes en las calles o escuchar noticias en la televisión, el personaje de JB puede darse el lujo de ignorar la realidad, utilizar su privilegio para escapar de sus responsabilidades y rebelarse contra la aburrida vida de la clase media. Reichardt explicó que quiso retratar también la idea de poder separarse de lo que está pasando alrededor; JB puede, demostrando su egoísmo e individualismo al mismo tiempo. Puede ser una historia de hace más de treinta años, pero personajes como el de JB existen hasta el día de hoy.

La película gira en torno a una joven (Jessie Buckley) que decide viajar a conocer a los padres de su novio, Jake (Jesse Plemons), a pesar de que está pensando en terminar su relación con él. Durante el viaje, escuchamos el monólogo interno de la protagonista: a pesar de que siempre es interrumpido por Jake, de todas maneras, podemos observar la dinámica de la pareja; no se trata de una relación tóxica ni de una complicada, se trata solo de que la protagonista se siente completamente aburrida e insatisfecha con la presencia de Jake.

Una vez que los protagonistas llegan a la casa de los padres de Jake, las cosas se van poniendo bastante intensas e incómodas y la realidad se va mezclando con la fantasía, muy al estilo de su director, Charlie Kaufman. La trama principal se va mezclando con escenas sobre un conserje, con personajes envejeciendo cada vez más, con cambios de nombre de Lucy a Louisa y también con cambios a la historia de cómo los protagonistas se conocieron. Entiendo que este elemento sea la técnica de Kaufman, pero su estilo no es para mí.

El año pasado, vi Synecdoche, New York y, a pesar de que todo partió bien, desde la mitad de la película en adelante mi interés murió y terminar la cinta se convirtió en un trámite; solo las actuaciones te pueden ayudar a alivianar la carga, pero una película no puede sobrevivir solamente gracias a ese recurso. Lo mismo pasó ahora con I’m Thinking of Ending Things: comienza muy bien, luego todo se convierte en una confusión muy aburrida y las actuaciones la mantienen a penas a flote.

Hay una escena en True Romance en la que Alabama y Clarence van a comer pie después de haber visto una película en el cine. Metas. Y cuando estaba viendo Sometimes I Think About Dying no pude evitar pensar en aquella escena cuando los personajes de Fran (Daisy Ridley) y Robert (Dave Merheje) hacen lo mismo después de lo que parece ser una primera cita. Por supuesto, el contexto es diferente: Alabama y Clarence vivían rodeados de crimen, mientras que Fran y Robert son dos compañeros de oficina en un trabajo muy normal y aburrido.

Sometimes I Think About Dying, dirigida por Rachel Lambert, nos muestra una ciudad gris y fría en donde Fran vive tranquilamente; de inmediato podemos ver que es una joven solitaria, tranquila y apegada a la rutina de su trabajo y de su tiempo libre, uno en donde disfruta de comer queso cottage y jugar sudoku, pero también aprendemos que a Fran le gusta perderse en sus pensamientos y en sus ideas sobre la muerte. Más que imaginar eventos trágicos, Fran solo se imagina ya fallecida en distintos contextos o situaciones que podrían llevarla a la muerte, siendo uno de sus favoritas la imagen de la grúa que está frente a una de las ventanas de su trabajo.

La rutina de Fran es interrumpida cuando aparece Robert, un nuevo compañero de trabajo que brilla por sus habilidades sociales y por su amor por el cine. No hay más fácil que hacer amigos a través de las películas. Gracias al personaje de Robert, vamos aprendiendo más de Fran, ya que la película, hasta ese momento, no nos muestra mucho más allá de su personalidad, pero es exactamente porque Fran es así: le cuesta abrirse con los demás, y hablar de su vida o de sus sentimientos. No es que sea completamente asocial, ya que sus compañeros de trabajo no la consideran ni rara ni mal educada; no es que ella esté incómoda junto a su soledad, pero sí se nota un dejo de insatisfacción frente a su vida en el que tampoco podremos indagar, porque ni la película ni Fran nos contarán.

Alrededor de la tristeza que puede embargar a Fran y alrededor del ambiente gris del lugar, Sometimes I Think About Dying se las arregla para también mostrar una calidez tanto en las interacciones de sus personajes como en la idea de una realidad más esperanzadora para la protagonista. Pensé que me encontraría con una historia mucho más melancólica o depresiva según lo que sugería su título, pero Sometimes I Think About Dying es una película adorable que habla de lo difícil que puede ser vulnerable, pero también de lo reconfortante que es encontrar a otras personas.

Hay una escena en Looking for Mr. Goodbar en la que el personaje de Theresa Dunn, interpretado por Diane Keaton, va a un bar, pide una copa de vino, prende un cigarro y se pone a leer El Padrino. Ahí iba una distinta, pero aquel easter egg solo podía verse así de genial de la mano de Diane Keaton: totalmente natural, chic, interesante y hermosa. Metas. 

Aquella era una de las rutinas con las que Theresa disfrutaba de su vida en la gran ciudad durante los años setenta, una época de exploración y revolución sexual, decorada con drogas y mucha música disco. Basada en el libro del mismo nombre, escrito por Judith Rossner, Looking for Mr. Goodbar muestra las experiencias de la joven Theresa mientras comienza su vida de manera independiente. Durante el día, Theresa es profesora de niños sordos, una profesora empática y dulce, mientras que, por las noches, disfruta de nuevas aventuras con distintos hombres en distintos entornos. Theresa es uno de esos personajes complejos que tienen varios matices, uno que era difícil de encontrar en aquella época en donde las mujeres solo podrían interpretar madres o prostitutas, todo blanco y negro, nada en el medio.

Para su padre, Theresa era un caso perdido; para sus alumnos, Theresa era una profesora amable y preocupada; para los hombres con los que salía, Theresa era otra aventura más y, para ella misma, Theresa era una mujer más, sobreviviendo el día a día y disfrutando de su independencia y juventud. Diane Keaton interpreta cada capa del personaje de manera genuina y hasta aspiracional, a pesar de que la historia castiga a su protagonista, pero eso se debe al contexto en el que se da la historia: si una mujer era demasiado libre, era un mal ejemplo y había que restringirla de alguna manera para que las niñas no siguieran aquel camino de perdición. Theresa había crecido como una de esas niñas, pero se rebeló desde siempre, desde que estuvo en contra de los regaños de su padre hasta los arrebatos del último hombre al que conoció.

Theresa Dunn es un personaje increíble y que, por suerte, Diane Keaton encontró y convirtió en una prueba más de su gran talento y de que, en la década de los setenta, su trabajo fue mucho más que The Godfather u otras películas con el innombrable.

Casos así son difíciles de abordar o de conversar, pero para eso están las películas y la historia sirvió de inspiración para May December, película dirigida por Todd Haynes. Como su título lo sugiere, la cinta habla de la diferencia de edad en una relación, pero la diferencia es tan grande que la primera interacción entre Gracie (Julianne Moore) y Joe (Charles Melton) parece la de una madre con su hijo. Luego vamos aprendiendo que ambos son una pareja bastante establecida y vamos aprendiendo al mismo tiempo que Elizabeth Berry (Natalie Portman), una famosa actriz que interpretará a Gracie en una nueva película sobre su particular caso.

A través de las incómodas conversaciones e interacciones que Natalie mantiene con la familia Atherton-Yoo y otros involucrados, nos enteramos que Gracie tenía 36 años cuando abusó de Joe, quien tenía trece años y estaba en el mismo curso que el hijo mayor de su ahora esposa. Gracie fue a la cárcel, en donde dio a luz a la primera hija de ambos, para luego salir en libertad, retomar su relación con Joe y tener dos hijos más, los gemelos Mary (Elizabeth Yu) y Charlie (Gabriel Chung), y vivir en una comunidad de Savannah casi como si nada hubiera pasado. Grace es considerada, por algunos, como una parte esencial de la comunidad, mientras que al mismo tiempo todavía recibe cajas con excremento en la entrada de su casa. Joe, por su parte, parece vivir en su propio mundo y se ve siempre tímido, tenso y nervioso, como si se hubiera quedado en aquella turbulenta etapa de su niñez. 

Pronto las intenciones de Elizabeth sobrepasan el morbo y el prejuicio y es increíble ver cómo el personaje se va hasta mimetizando con el personaje de Gracie: comienza a copiar sus manierismos, su tono de voz e incluso intenta a acercarse a Joe de la manera en que ella cree que Gracie lo hubiera hecho; la película nos muestra cómo algunas líneas se van borrando durante las interacciones entre los protagonistas, tal y como lo define Elizabeth en algún momento, ya que puede ser difícil diferenciar entre la realidad y el deseo. Y da gusto ver un desarrollo así en el cine, uno complejo, sin sentencias y que nos de el espacio para analizar un tema que, en la vida real, no siempre se puede analizar con la misma libertad. 

May December me cautivó desde el principio hasta el final; las actuaciones son increíbles y la dirección de Todd Haynes califica de inmediato que su película gira en torno a un abuso específico, pero también le permite a cada uno de los personajes principales abarcar aquel tema de una manera directa, confrontacional y a veces dolorosa. La escena de “¿quién estaba a cargo?” se quedará conmigo por un largo tiempo.

Burning Bridges fue dirigida en 1996 y significó el debut de Pedro en el cine, durante una época en la que usaba el nombre de Pedro Balmaceda. La película cuenta la historia de Jeremy (Pascal), un adolescente de buen corazón, pero muy rebelde, quien es expulsado del internado al que asiste; su familia es privilegiada, pero sus padres se odian y apenas le dedican atención a su hijo, razones por las cuales Jeremy es de la manera que es. Aquel día en el que es expulsado, Jeremy conoce a Kara (Sarah Graham Hayes), una joven ama de casa que sufre los abusos de su marido alcohólico; tratando de ayudarla, Jeremy se ve involucrado en toda esa tóxica situación.

A pesar de ser un cortometraje, Burning Bridges cubre y muestra lo suficiente como para darse cuenta de lo talentoso que Pedro Pascal siempre ha sido; no es porque sea mi compatriota, pero siendo muy objetiva, Hollywood de verdad se farreó a Pedro todos estos años. En una historia con muchas vibras de The Catcher in the Rye, Pascal demuestra esa clásica sensibilidad del actor debutante que me recordó mucho a James Dean y que disfruté también a pesar de que nunca me ha gustado The Catcher in the Rye.