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We'll always have Paris

 


Continuando con lo había quedado pendiente hace tres años, Denis Villeneuve ya estrenó “Dune: Part Two”, la continuación de la saga escrita por Frank Herbert y cuyo estreno se vio retrasado debido a la justificada huelga de actores durante 2023. Personalmente, el retraso no me preocupó demasiado, pero sí estaba ansiosa por ver si esta segunda entrega podría provocar algo de emoción en mí, detalle que ni su predecesora ni la versión de David Lynch lo han podido conseguir.

“Dune: Part Two” retoma la historia que concluye en la primera parte, mostrándonos ahora cómo Paul Atreides (Timothée Chalamet) y Lady Jessica (Rebecca Ferguson) se las arreglan para sobrevivir en la inmensidad del desierto tras haber sido ayudados por los Fremen; la mitad de ellos no está a gusto con la idea de convivir con un par de extranjeros, mientras que la otra mitad mantiene sus esperanzas en la figura de Lisan al Gaib, una especie de mesías que los salvará de toda injusticia. Chani (Zendaya) no cree en aquella profecía, pero sí cree en Paul, por lo que se convertirá en su mayor aliada durante su entrenamiento en el desierto.

Al mismo tiempo, el planeta Arrakis es ahora manejado por los Harkonnen, aquel grupo de hombres siniestros que conspiraron para acabar con la dinastía Atreides; mientras el barón Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård) continúa al mando, la amenazante presencia de su sobrino, Feyd-Rautha (Austin Butler), es temida por todo el universo, incluyendo por el emperador Shaddam IV (Christopher Walken) y su hija, Irulan (Florence Pugh). Quienes no temen de nada continúan siendo las Bene Gesserit, grupo que, gracias a sus poderes y conspiraciones, planean manipular a Feyd-Rautha a través de Lady Margot Fenring (Léa Seydoux).



Tras el entrenamiento de Paul y el ascenso de Lady Jessica al estatus de Reverenda Madre, la guerra entre ambos bandos es inevitable. Gracias a la técnica de Denis Villeneuve y de su cinematógrafo, Greig Fraser, “Dune: Part Two” no decepciona en cuanto a estética se trata, pero la primera entrega me sigue pareciendo mucho más visualmente hermosa. También quiero destacar que, a diferencia de aquella primera parte, esta continuación se siente mucho más cargada de cosas que van pasando, no necesariamente de más acción o de más emoción, pero sí pasan cosas y no son sólo diálogos de lo que va a pasar. 

Luego de una primera hora de película, la cual se concentra en el entrenamiento de Paul, la historia se vuelve mucho más rápida y más interesante, pero el sobre dramatismo de los diálogos continúa tan presente como siempre. Quizás sea algo presente en los libros también y siempre me culpo de no haberlos leído todavía, pero si vamos a hacer una versión cinematográfica, podríamos darle un poco más de emoción.

Las actuaciones, eso sí, no decepcionan. Rebecca Ferguson es tan intimidante como perfecta en su papel de Lady Jessica, Austin Butler se prueba a sí mismo que puede hacer mucho más dejando la voz de Elvis atrás, mientras que a Zendaya ahora sí se le permite lucirse con su interpretación de Chani; si bien la mayoría de los personajes parecen ser seres fríos e inanimados, Chani al menos pareciera ser el corazón de esta historia. Ya que se ha dado pie para una tercera parte, espero también ver más de Florence Pugh en una próxima entrega, pero sobre todo del personaje de Léa Seydoux, quien encaja muy bien dentro de todo este elenco.

A pesar de no haber provocado mucho en mí, “Dune: Part Two” es una clara mejora en cuanto a entretención de trata, pero no una mejor entrega que su predecesora; ambas están a un mismo nivel. Espero que, para un próximo estreno, quizás dentro de dos o tres años, mis expectativas ya sean completamente inexistentes. Y espero haber leído los libros también.
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“The French Dispatch” no es sólo el nombre de la última película de Wes Anderson, sino que también es el nombre del célebre periódico al que hace alusión a lo largo de la cinta. Inspirado en aquellas míticas publicaciones de antaño, en donde el trabajo periodístico de investigación era una profesión estimada, Anderson entrega tres segmentos que destacan tanto una historia en particular como a un carismático periodista que se hace cargo de darle la dedicación que su historia merece.

El primer segmento, llamado "The Concrete Masterpiece", nos muestra a Moses Rosenthaler (Benicio del Toro), un torturado artista que pasa sus días encarcelado y vigilado por Simone (Léa Seydoux), quien luego se convierte en su musa; la sección está narrada por la periodista J.K.L. Berensen (Tilda Swinton). El segundo segmento es “Revisions to a Manifesto”, el cual cuenta la historia de la periodista Lucinda Krementz (Frances McDormand), quien se vio involucrada en las protestas estudiantiles de los años ’60; lo interesante de este segmento es la lucha de Lucinda contra la neutralidad periodística a la que siempre se ha aliado.

Por última, la tercera historia se llama “The Private Dining Room of the Police Commissioner”; protagonizada por Roebuck Wright (Jeffrey Wright), un periodista culinario, esta sección nos narra las desaventuras del secuestro del hijo de un policía, incluidas las negociaciones y su resolución. Además de estas tres secciones, la película cuenta con un epílogo, en donde Herbsaint Sazerac (Owen Wilson) se destaca como el periodista viajero, y también con un obituario, el cual nos hace saber que el editor de The French Dispatch, Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), ha fallecido. Es debido a esta razón que el grupo de periodistas que trabaja en la publicacón se pone en marcha y decide publicar sus reportajes más destacados a modo de homenaje a su director.

Si se pudiera definir a “The French Dispatch” en una sola frase, esta podría ser una oda al periodismo; siempre con un toque tan nostálgico como idealizado, Wes Anderson parece presentar la profesión ideal ante el mundo y tocar la más profunda de mis frustraciones sólo para que no pueda sentir más que ternura e idolatría por su último trabajo. Más allá de la belleza estética presente en “The French Dispatch”, la cual debe ser el guiño más notorio de su filmografía a la nouvelle vague, la película también logra capturar aquel sentido de respeto hacia la profesión del periodismo en una época en donde en verdad importaban mucho más las historias por sobre todo aquel sensacionalismo tan básico. Los periodistas de cada segmento cuestionan su neutralidad periodística, se involucran tanto en el contexto como en sus protagonistas, y entregan reportajes de una calidad entrañable; cada segmento es tan interesante y entretenido que cada uno podría ser su propia película aparte sin ningún problema.

En cuanto a dirección y a actuaciones, podemos esperar lo que siempre recibimos de una película de Wes Anderson; si nos gusta su estilo, nada podría fallar, pero se entiende que otros cuestionen estos detalles cada vez que el director estrena una nueva película. A pesar de seguir esta dinámica ya desde hace años pensando que algún día me aburriría, “The French Dispatch”, gracias a su estética y a su pasión por el periodismo, consiguió ganarse mi corazón tan rápido como la primera vez que “The Royal Tenenbaums”.

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Espero que no sea un secreto el sueño que me provoca la versión de “Dune” que David Lynch estrenó en 1984, una versión que incluso el mismo director prefiere olvidar; es por esta razón que, cuando se anunció una nueva entrega, la cual estaría a cargo del canadiense Denis Villeneuve, mi emoción fue comprensible. No sólo Villeneuve sería el director, sino que también la película contaría con un maravilloso elenco que sería responsable de darle, nuevamente, vida a la historia escrita por Frank Herbert en los años sesenta.

“Dune”, referida también como la primera parte de esta versión, es bastante fiel al libro en el que se basa y desarrolla aquella trama que corre el peligro de caer tanto en lo tedioso como en lo pseudointelectual. La historia sigue el conflicto interno de Paul Atreides (Timothée Chalamet) una vez que su familia debe hacerse cargo del planeta Arrakis, lugar en donde una especia es uno de los elementos más preciados del Universo, ya que permite realizar viajes espaciales, por ejemplo. Paul debe lidiar con el hecho de encontrarse en un lugar distinto, así como también con las presiones de ser el Elegido que su propia madre, Lady Jessica (Rebecca Ferguson), deja caer sobre él; esta especie de Elegido es algo parecido a un mesías que llegará para mejorar el futuro del universo.

Al mismo tiempo, los Atreides deben enfrentar la apatía del pueblo originario de los Fremen y la amenaza de los Harkonnen; estos últimos estuvieron a cargo de Arrakis antes de la llegada del duque Leto Atreides (Oscar Isaac), lo cual no significó la mejor de las etapas en la historia de los Fremen. La desconfianza, el peligro y la intensa sensación de calor tampoco representan el mejor de los escenarios para el comienzo de la regencia de la dinastía Atreides y “Dune” nos muestra las consecuencias de la llegada de un nuevo grupo de gobernantes designados a un lugar, de por sí, ya conflictivo.

Es imposible no recaer en comparaciones entre esta versión y la versión de los años ochenta, y la verdad es que ambas recaen en un relato aburrido y sin vida. En cuanto a producción se trata, la entrega actual no falla y es maravilloso admirarla, pero esto no es suficiente como para darle un toque más emotivo o animado; quizás con el fin de querer ser vista como una producción seria, “Dune” recae en aquel sobre-dramatismo que hace perder el interés tanto en la historia como en los personajes. Entre las actuaciones, la que más sobresale es la de Rebecca Ferguson, mientras que el resto del elenco sólo cumple y luego es olvidable; se siente hasta un poco de lástima por Timothée Chalamet, porque a nadie le gustaría que quedara en aquella broma en donde se interpreta siempre a sí mismo.

También es una lástima que “Dune” sólo sea una versión mucho mejor producida que su antecesora y que no haya podido revocar más emociones en algunas personas que, como yo, lamentablemente teníamos expectativas demasiado altas en cuanto a este estreno; sólo queda suspirar y esperar la segunda parte, supuestamente a estrenarse en 2023.
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Para comenzar un nuevo año de este blog, decidí estrenarlo con uno de los últimos lanzamientos de Netflix; “Don’t Look Up”, dirigida y escrita por Adam McKay, pareciera ser un estreno que se complementa a la perfección con el contexto de la sociedad durante estos últimos dos años; no es que relate las consecuencias de una pandemia per se, sino que la manera en que retrata la posibilidad del fin de la humanidad se siente bastante cercana y hasta realista.

“Don’t Look Up” cuenta la historia de los astrónomos Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) y Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), quienes descubren la presencia de un meteorito gigante acercándose rápidamente a la Tierra, en donde impactaría con territorio chileno (como si ya no tuviésemos demasiada mala suerte en este lado del mundo). Los científicos deciden informar a la prensa y al gobierno de las malas noticias, pero nadie parece tomar en serio la próxima catástrofe; un programa muy estilo matinal decide bromear y el gobierno, por su parte, prefiere sacarle provecho a la situación e incluso prometer trabajos una vez que el meteorito impacte a la Tierra, una situación que suena bastante similar a la de otros gobiernos inoperantes que sólo se dedican a ofrecer trabajos de la nada.

Gracias a un elenco de primera, el cual incluye también a Meryl Streep, Cate Blanchett, Melanie Lynskey, Timothée Chalamet, Jonah Hill y Mark Rylance, “Don’t Look Up” se convierte en una irónica y divertida metáfora sobre la crisis climática, más allá de quedarse sólo en el género de las disaster movies, como otras cintas al estilo de “Armaggedon” o “Deep Impact”; mientras estas películas se concentran en los esfuerzos científicos y gubernamentales para detener la amenaza, “Don’t Look Up” nos muestra la realidad del juicio en redes sociales, del incontrolable pánico colectivo que puede llevar a tendencias negacionistas y del interés personal que sólo sientes los más poderosos a cargo. Teniendo en cuenta estas reacciones, la película también funciona como una metáfora de las consecuencias de una pandemia mundial, una que todavía no se resuelve y que a la mayoría le gusta olvidar.

A pesar de que “Don’t Look Up” no se equivoca al mostrar una realidad tan cercana, no consiguió hacerme empatizar con aquellos que sí mantuvieron la razón y la cordura durante el fin del mundo, sino que sólo me hizo sentir mucho más resentimiento contra los poderosos, el gobierno e, incluso, hacia aquellas celebridades que, teniéndolo todo para poder ayudar un poco más, sólo se dedicaron a grabar mensajes y canciones desde sus mansiones. Quizás se deba a que el tema todavía está en la palestra y todavía es algo sensible, o quizás se deba a que el humor de Adam McKay sólo divierte hasta cierto punto, pero “Don’t Look Up” ya pasó a convertirse en una película olvidable para mí.

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A los once años, “Mujercitas” era el libro favorito; la historia era maravillosa e identificarse con el personaje de Jo March era inevitable. La película que se estrenó en 1994 también era muy querida, ya que era una versión bastante fiel y tan adorable como el libro, por lo que cuando se anunció que la historia volvería a ser adaptada a la pantalla grande, no fui parte del grupo de los emocionados.

Sin embargo, el detalle que convertía a la noticia en algo más interesante era el hecho de que la nueva película sería dirigida por Greta Gerwig, lo que significaría su segundo trabajo como directora; su visión de distintas historias siempre tiene un detalle o un giro que cautiva. En "Little Women", Gerwig decidió contar el relato de las hermanas March a través de una serie de flashbacks, las cuales mezclan el pasado y el presente. Siendo también bastante fiel al libro de Louisa May Alcott, esta nueva versión nos presenta a los entrañables personajes desde una mirada, incluso, más feminista.

Los personajes de Jo (Saoirse Ronan) y de Amy (Florence Pugh) realmente se lucen en esta entrega; parecen haber sido escritos con mucha más personalidad y brillan durante un par de monólogos. La frustración de Jo frente al hecho de que las mujeres eran tratadas sólo como un objeto matrimonial traspasa la pantalla y la actitud de Amy frente al matrimonio es una con la cual nos podemos identificar hasta en una época algo más amigable con las mujeres.

Greta Gerwig consiguió tomar temáticas del siglo pasado y adaptarlas bajo una mirada moderna y feminista, una mirada que siempre llegará a nuestro corazón; ella nunca decepciona.
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Pareciera ser tradición que en cada temporada de premios exista una película como "Lady Bird". El género coming of age podría peligrar y convertirse en uno aburrido si sigue obedeciendo ciertas reglas, pero, al menos, es refrescante verlo de la mano de Greta Gerwig; su carrera como actriz ha sido muy interesante, por lo que su debut como directora no podía ser menos.

“Lady Bird” cuenta la historia de Christine McPherson (Saoirse Ronan), una adolescente de diecisiete años que ordena a su familia y compañeros de colegio a llamarla Lady Bird y quien sueña con estudiar en una universidad ubicada en la costa este. Lady Bird es alumna de un colegio católico, adora a su mejor amiga, Julie Steffans (Beanie Feldstein), pero lleva una complicada relación con su madre, Marion (Laurie Metcalf).

La película se centra en el último año de secundaria de Lady Bird, durante el cual debe postular a una universidad, sufre debido a su primer amor y a su primera experiencia sexual, pelea con su mejor amiga y la relación con su madre pareciera empeorar cada día; la película también dedica momentos a personajes entrañables como el de Julie o el padre Leviatch (Stephen McKinley Henderson), así como también nos hace empatizar con Lady Bird y Marion, ya que la dinámica madre-hija debe ser la relación más complicada que existe.

"Lady Bird" no propone nada nuevo, pero sí cuenta la misma historia que ya hemos visto de una manera distinta, adorable y divertida.
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