We'll always have Paris

Casos así son difíciles de abordar o de conversar, pero para eso están las películas y la historia sirvió de inspiración para May December, película dirigida por Todd Haynes. Como su título lo sugiere, la cinta habla de la diferencia de edad en una relación, pero la diferencia es tan grande que la primera interacción entre Gracie (Julianne Moore) y Joe (Charles Melton) parece la de una madre con su hijo. Luego vamos aprendiendo que ambos son una pareja bastante establecida y vamos aprendiendo al mismo tiempo que Elizabeth Berry (Natalie Portman), una famosa actriz que interpretará a Gracie en una nueva película sobre su particular caso.

A través de las incómodas conversaciones e interacciones que Natalie mantiene con la familia Atherton-Yoo y otros involucrados, nos enteramos que Gracie tenía 36 años cuando abusó de Joe, quien tenía trece años y estaba en el mismo curso que el hijo mayor de su ahora esposa. Gracie fue a la cárcel, en donde dio a luz a la primera hija de ambos, para luego salir en libertad, retomar su relación con Joe y tener dos hijos más, los gemelos Mary (Elizabeth Yu) y Charlie (Gabriel Chung), y vivir en una comunidad de Savannah casi como si nada hubiera pasado. Grace es considerada, por algunos, como una parte esencial de la comunidad, mientras que al mismo tiempo todavía recibe cajas con excremento en la entrada de su casa. Joe, por su parte, parece vivir en su propio mundo y se ve siempre tímido, tenso y nervioso, como si se hubiera quedado en aquella turbulenta etapa de su niñez. 

Pronto las intenciones de Elizabeth sobrepasan el morbo y el prejuicio y es increíble ver cómo el personaje se va hasta mimetizando con el personaje de Gracie: comienza a copiar sus manierismos, su tono de voz e incluso intenta a acercarse a Joe de la manera en que ella cree que Gracie lo hubiera hecho; la película nos muestra cómo algunas líneas se van borrando durante las interacciones entre los protagonistas, tal y como lo define Elizabeth en algún momento, ya que puede ser difícil diferenciar entre la realidad y el deseo. Y da gusto ver un desarrollo así en el cine, uno complejo, sin sentencias y que nos de el espacio para analizar un tema que, en la vida real, no siempre se puede analizar con la misma libertad. 

May December me cautivó desde el principio hasta el final; las actuaciones son increíbles y la dirección de Todd Haynes califica de inmediato que su película gira en torno a un abuso específico, pero también le permite a cada uno de los personajes principales abarcar aquel tema de una manera directa, confrontacional y a veces dolorosa. La escena de “¿quién estaba a cargo?” se quedará conmigo por un largo tiempo.

Incluso antes del lanzamiento del tráiler, las imágenes de la película no tenían ningún sentido, pero también es cierto que hay que esperar hasta ver una película antes de caer solo en críticas negativas. Eso tampoco funcionó. Primero, si la directora hubiese elegido un “película inspirada en…” antes de un “película basada en…”, todos nos habríamos ahorrado el mal rato; Fennell explicó en entrevistas que quiso hacer la versión que ella imaginaba de Wuthering Heights cuando lo leía de adolescente y esa explicación me suena claramente a fan fiction. Si se hubiera atrevido a crear algo distinto, inspirada justamente en la historia de Brontë, quizás la película habría sido algo más entretenida y consistente.

Esta versión de Wuthering Heights tiene un par de cambios, como cualquier adaptación anterior en donde, por ejemplo, omiten la segunda parte del libro; acá, el personaje abusivo del hermano de Catherine (Margot Robbie) pasa a ser solamente el personaje de su padre, Isabella Linton (Alison Oliver) parece haber sufrido de una lobotomía y la relación entre Catherine y Heathcliff (Jacob Elordi) alcanza otros niveles. Entendible hasta ahí, pero la película nos quiere dar una historia provocativa y sensual que nunca alcanza a entregar. Los cambios de tono a los que Emerald Fennell apuesta nunca se cumplen y culpo a la falta de química entre sus protagonistas, la cual también se ve mal influenciada por la diferencia de edad; sin querer discriminar por ese tema, pero la diferencia es demasiado notoria y también desencaja en características como en la personalidad de Catherine, quien es una adolescente a veces malcriada, y es algo muy fuera de lugar ver actitudes así por parte de una actriz de 35 años. 

Volviendo al tono sensual que Fennell pretendía, este tampoco se explora, porque no hay nada provocativo, solo sugerente. La película comienza con el ahorcamiento de un personaje y una visible erección que su cuerpo no puede controlar, como si esta escena quisiera establecer las pautas de lo que se viene… pero no queda en nada. Hay escenas un tanto explícitas, pero la más obvia no es ni siquiera entre los personajes principales, lo que tampoco tuvo sentido para mí. Por otro lado, el personaje de Isabella recae en una dinámica de dom-sub con Heathcliff, lo cual es una extraña decisión cuando la relación de ambos en el libro es una más de abuso; idealizar una relación así no es ser controversial o demostrar que se puede ser provocativo, sino que recae hasta en la ignorancia. 

Sin conseguir despertar ningún sentimiento de ¿fogosidad? como se pretendía, Wuthering Heights también falla en un detalle que no puedo dejar pasar: el casting. Ya es un tema la presencia de Margot Robbie como Catherine, por más que su actuación sea decente, pero Jacob Elordi tampoco pertenece en una historia en donde siempre se ha descrito a Heathcliff como un hombre que no era blanco; una decisión así también es insensata cuando decides contratar a un actor de color para el personaje de Edgar Linton (Shazad Latif), a quien nos presentan como el obstáculo entre Heathcliff y Catherine; ¿debemos odiar o estar en contra del único personaje de color que impide que los dos protagonistas blancos estén juntos? Como diría Tatianna, that was a choice.

Wuthering Heights quiso provocar, pero ni siquiera incomoda, solo se siente vergüenza ajena. Podría destacar la música, la producción o el vestuario, pero todo eso se ve opacado por una historia que no tiene sentido y que se vuelve aburrida desde el momento en que tratan de construir algo entre los personajes principales. Por suerte, no perdí mi tiempo viéndola en el cine.

Burning Bridges fue dirigida en 1996 y significó el debut de Pedro en el cine, durante una época en la que usaba el nombre de Pedro Balmaceda. La película cuenta la historia de Jeremy (Pascal), un adolescente de buen corazón, pero muy rebelde, quien es expulsado del internado al que asiste; su familia es privilegiada, pero sus padres se odian y apenas le dedican atención a su hijo, razones por las cuales Jeremy es de la manera que es. Aquel día en el que es expulsado, Jeremy conoce a Kara (Sarah Graham Hayes), una joven ama de casa que sufre los abusos de su marido alcohólico; tratando de ayudarla, Jeremy se ve involucrado en toda esa tóxica situación.

A pesar de ser un cortometraje, Burning Bridges cubre y muestra lo suficiente como para darse cuenta de lo talentoso que Pedro Pascal siempre ha sido; no es porque sea mi compatriota, pero siendo muy objetiva, Hollywood de verdad se farreó a Pedro todos estos años. En una historia con muchas vibras de The Catcher in the Rye, Pascal demuestra esa clásica sensibilidad del actor debutante que me recordó mucho a James Dean y que disfruté también a pesar de que nunca me ha gustado The Catcher in the Rye.