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We'll always have Paris

 


¿Qué más se puede decir de una película que ha sido analizada a diestra y siniestra desde el momento de su estreno? Junto con “Citizen Kane”, “Persona” debe ser una de las películas más estudiadas en la historia del cine. Tanto actores como directores la citan como una de las cintas que han influenciado su carrera o que marcó algún momento de sus vidas; existen innumerables ensayos y pasajes de libros dedicados a analizar la técnica de Ingmar Bergman o los temas que se tratan en esta película, por lo que una opinión más es casi irrelevante.

Es tan grande la reputación de “Persona” que es de esas películas que no pueden faltar en la lista de cualquier persona que disfrute del cine, ya que todo el mundo se ha encargado de darle un estatus de icónica. A pesar de no ser mi primera película de Bergman, este sí era mi segundo intento de ver “Persona” sin morir de aburrimiento en el intento. Entiendo que el director sea un director respetado y que su estilo sea único, pero es inevitable pensar que es uno de aquellos directores que sólo presentan una trama y un estilo que parecen complejos, el cual al final no termina diciendo mucho; sigue en mi menta la idea de que su dirección no es más que otro intento de presentar algo complicado para hacerlo pasar como algo intelectual.

De todos modos, esta vez pude ver “Persona” sin interrupciones y pude llegar hasta el final. Más allá de un par de imágenes iniciales que no parecen tener conexión con nada, la película comienza contándonos la historia de Elisabet Vogler (Liv Ullmann), una actriz de teatro que ha dejado de hablar y de moverse, y de Alma (Bibi Andersson), la enfermera que está a cargo de su cuidado. El doctor de Elisabet recomienda que la actriz continúe su proceso de recuperación cerca del mar, por lo que ella y Alma se mudan a una pequeña cabaña en la costa. Sin mucho qué hacer, Alma se desahoga con Elisabet y le cuenta varias anécdotas acerca de su vida que le dan un carácter mucho más interesante a la película.

Más allá de tratar de analizar los temas filmográficos de “Persona”, siempre será mucho más entretenido analizar los temas valóricos que ambos personajes nos presentan. Ingmar Bergman dijo una vez que prefería que la película no fuese tan analizada, sino que más bien fuese sentida y que cada uno sacáramos nuestras propias conclusiones. Siguiendo aquella línea, las temáticas de la maternidad y el aborto deben ser las más interesantes de comprender; tanto Alma como Elisabet tienen distintas miradas respecto al tema, pero a cada una la idea de la maternidad las marcó para siempre. Es un logro que, para la época, “Persona” haya podido retratar ambos temas con tanta libertad y quizás sea lo que más rescato de la experiencia de haber visto esta película.

También es destacable todo ese ambiente de thriller psicológico que rodea a la segunda parte de “Persona”, cuando el silencio se transforma en un elemento de desconfianza entre Alma y Elisabet; no sólo eso, la trama también bordea el tema de una posible psicosis o esquizofrenia que ataca a uno de los personajes, lo cual explicaría el problema de su trauma más presente. La relación entre Alma y Elisabet es otro de los puntos interesantes, ya que su relación pasa por distintas etapas durante la película; comienza casi como una amistad, la cual crece durante sus momentos en la cabaña, hasta llegar a una especie de resentimiento, rencor y confusión que termina revelando mucho de ambas.

En varios de los análisis que he leído sobre “Persona”, la atención sólo se concentraba en la cinematografía y en los elementos que siempre se han destacado en el cine de Ingmar Bergman, pero poco leí sobre los temas que me llamaron la atención. Prefiero mucho más quedarme con estos que comenzar un repetitivo y aburrido análisis de todo lo que ya se ha analizado. “Persona” es, claramente, una película experimental, pero que trata temas muchos más interesantes que la decisión de interponer imágenes engorrosas o grabar una historia en blanco y negro sólo porque sí.
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Hace unos días, HBO estrenó una nueva adaptación de “Scenes from a Marriage”, aquella serie de televisión sueca que el director Ingmar Bergman desarrolló a principio de los años ’70. Basándose en un par de experiencias personales, Ingmar creó la historia del matrimonio compuesto por Marianne (Liv Ullmann) y por Johan (Erland Josephson), matrimonio que pasa por una fuerte crisis, a pesar de todo el amor que profesan por el otro.

La serie tenía una duración de seis capítulos y fue estrenada en 1973, pero al año siguiente, la historia fue comprimida y reestrenada como una película de tres horas. En un comienzo, Johan y Marianne son una pareja completamente normal y feliz, una que pertenece a la clase alta e intelectual, una que destaca por sobre otras relaciones más complicadas y tristes, como la de sus amigos, por ejemplo. Luego de unos años, Johan decide dejar a su familia por otra mujer, algo que desafía la naturaleza pasiva de ambos; años después, Marianne y Johan se reencuentran y analizan cómo su separación ha afectado sus vidas.

La serie de HBO, protagonizada por Jessica Chastain (Mira) y por Oscar Isaac (Jonathan), captura la misma historia, pero la desarrolla en cinco capítulos y recurre a un par de diferencias para destacar a esta nueva versión. En esta adaptación, es Mira quien decide dejar el hogar y comenzar una vida con otro hombre, para luego enfrentar todo el juicio social que no, necesariamente, hubiese recibido Jonathan de igual manera. Lo destacable de la serie es que supo recoger toda esa maravilla del diálogo intenso, real y cercano que también se da en la película de 1974; gracias a la técnica de los close-ups y a la sinceridad, tanto de la historia como de los personajes, es bastante fácil dejarse llevar e involucrarse con todo lo que está pasando.

Es claro que Johan y Marianne, al igual que Mira y Jonathan, se aman profundamente y que han construido una familia cariñosa y admirable, pero el panorama no siempre es perfecto. Johan y Mira sienten que necesitan otras cosas, cosas que ni Marianne ni Jonathan, debido a su pasividad y conformidad, pueden darles. La inseguridad también se ve reflejada en los personajes que deciden marcharse, ya que, a través de los distintos encuentros a través de los años, nunca se les ve muy confiados de sus decisiones. Las conversaciones entre cada pareja son duras, crueles, pero también reconfortantes y dulces; sólo una pareja que realmente se ama, o un par de actores con mucha química, es capaz de traspasar tantas emociones en el curso de un par de capítulos.

“Scenes from a Marriage”, tanto su primera versión como su última adaptación, también demuestra lo atemporal que estas situaciones son; claro, antes la sola idea del divorcio era algo abominable, pero desde que los movimientos feministas hicieron su aparición durante la década del ’70, las mujeres se dieron cuenta de que tenían muchas más opciones y los hombres, aunque algunos no se dieran cuenta y aun cuando todavía falte mucho, han tenido mucho más espacio para expresar sus sentimientos. Los problemas matrimoniales se presentan en cualquier época, en cualquier estatus social, en cualquier parte de la vida; pueden destruir o pueden unir, pero siempre tendrán, al menos, un lado favorable.

Personalmente, no puedo elegir entre ambas versiones; cada una aporta diálogos y escenas irrepetibles, escenas capaces de hacer sentir, incluso, a aquellos que jamás hayan pasado por un divorcio o a otros como yo, que nunca habían podido ser capaces de llegar al final de alguna producción de Ingmar Bergman.

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A finales de los años noventa, cuando reinaban los chokers, las cejas extremadamente depiladas y los posters de Leonardo DiCaprio en todos los dormitorios, las vidas de Elin Olsson (Alexandra Dahlström) y de Agnes Ahlberg (Rebecka Liljeberg) comenzaban a cruzarse. Ambas adolescentes viven en una pequeña ciudad sueca, en donde según Elin, nunca pasa nada y todo lo que está de moda llega al lugar cuando ya dejó de estar de moda.

Luego de superar la sorpresa inicial de que ningún personaje se llamaba Åmål y que el nombre, en realidad, hacía referencia a la ciudad, también sufrí mucho con la decepción de Agnes al ver que nadie asiste a su fiesta de cumpleaños. Los dieciséis años son una etapa horrible y, para empeorarlo, tu madre te obliga a hacer una fiesta a la que, sabes de antemano, no irá a nadie, porque a nadie le agradas. De repente, para sorpresa de todos, aparece Elin y su hermana, Jessica (Erica Carlson). Elin y Agnes son muy diferentes. Agnes es introvertida, tímida, tiene buen gusto en música y películas, pero no tiene amigos. Elin, en cambio, es bastante popular, mucho más sociable, pero odia vivir en Åmål. Agnes está enamorada de ella y no puede creer que Elin se haya atrevido a besarla, con Foreigner sonando de fondo.

Durante su época de estreno en Suecia, “Fucking Åmål” tuvo una sola controversia: las personas del pueblo de Åmål insistían en que el nombre del lugar no fuese incluido en el título de la película, ya que podría traerle cierta fama debido a la mala palabra que la antecede; sin embargo, nadie se escandalizó por la trama o por las escenas que “Fucking Åmål” presentaba. Ojalá más ciudades fuesen tan tolerantes. Y cómo no serlo con tan hermosa película.

“Fucking Åmål” es una historia sencilla, honesta, sin pretensiones, que sólo desea recordarnos lo complejo que es ser un adolescente viviendo en un pequeño y aburrido pueblo durante los años noventa; la historia de amor entre Elin y Agnes también es un reflejo de los sentimientos en aquella época de la vida: vergüenza, timidez, pero mucha ilusión y ternura.
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Estocolmo, 1982. Oskar (Kåre Hedebrant) es un niño de doce años, que vive con su madre Yvonne (Karin Bergquist) en el suburbio de Blackeberg. Oskar es solitario, tímido y víctima del bullying de sus compañeros de colegio, por lo que pasa las noches imaginando maneras de vengarse de ellos.

Cierto día, unos nuevos vecinos llegan al departamento de al lado: Håkan (Per Ragnar) y Eli (Lina Leandersson), quienes parecer ser padre e hija. Eli de inmediato llama la atención de Oskar, ya que parece una niña tan solitaria como él; además, su aspecto increíblemente pálido no puede pasar desapercibido. Este dato, además del hecho de que Håkan pasa todas las noches recolectando sangre humana para Eli, nos dejan entrever su verdadera identidad.

El ambiente frío y oscuro de los días en Estocolmo se convierte en el ambiente perfecto para una película de terror y los creadores de “Let The Right One In”, su título en inglés, aprovecharon cada recurso que la ciudad les ofrecía. La película es terrorífica, intimidante y helada, en todo sentido de aquella palabra; es una prueba más de la reivindicación del género de los vampiros como género del terror.
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Cuando vi “The Girl with the Dragon Tattoo”, la versión de David Fincher, no sabía que era un remake ni una adaptación de un libro sueco; ni siquiera me di cuenta de que la protagonista era Rooney Mara. la misma actriz de “The Social Network”. La película sobre una hacker y un periodista uniendo fuerzas para encontrar a un asesino en serie, rápidamente, pasó a ser una de mis favoritas por el momento y comenzar a leer sobre nuevas obsesiones es el paso obvio a seguir. Fue entonces cuando supe que era, en efecto, un remake de una película sueca estrenada en 2009, la cual era, a su vez, una adaptación de la saga "Millenium", escrita por Stieg Larsson.

Ambas películas son bastante fieles a la primera edición de la saga, "Los Hombres que no Amaban a las Mujeres". El libro cuenta la historia del empresario sueco Henrik Vagner (Sven-Bertil Taube), quien ha pasado toda su vida obsesionado con la idea de encontrar al asesino de su sobrina favorita, Harriet. Debido a que nunca se encontró pista alguna, lo único que mantiene viva la esperanza de Henrik es que el supuesto asesino de Harriet le envía el mismo regalo que ella le hacía a su tío cada cumpleaños. 

Henrik decide contratar al periodista Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist) para que lo ayude a descubrir nuevas pistas sobre el caso. Mikael hace mucho por la investigación, pero se da cuenta de que su información personal está siendo hackeada por una joven llamada Lisbeth Salander (Noomi Rapace). Mikael nota lo brillante que Lisbeth es cuando de investigaciones se trata, por lo que le pide su ayuda con el caso de Harriet Vanger.

Es inevitable hacer comparaciones entre esta versión sueca y la versión de Fincher, pero no para debatir entre cuál es mejor y cuál es peor, ya que ambas películas son bastante fieles al libro y sólo varían en cuanto a estilo. Yo leyendo libros como si no tuviera una tesis que defender. La versión sueca es mucho más rápida, mientras que la versión estadounidense es más misteriosa, más oscura. Cada uno, según nuestras preferencias, debería definir qué versión nos gusta más. Personalmente, yo me quedaría con la versión de David Fincher.
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