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We'll always have Paris

 


A estas alturas de la relación entre Yorgos Lanthimos y yo, ya no debería sorprenderme de nada de lo que salga de su cabeza; sin embargo, si hubiese empezado a ver su filmografía desde sus primeras películas, habría quedado bastante espantada con todo lo que sucede en “Dogtooth”. Es sabido que el cine de Lanthimos busca ser provocador, controversial y muy distinto al resto de sus pares, una intención que aprecio y que muy pocas veces falla.

En “Dogtooth”, Lanthimos nos presenta a una familia que ha decidido criar a los hijos dentro de una burbuja. El padre y la madre tuvieron tres hijos, a quienes llaman simplemente la Mayor (Angeliki Papoulia), el Hijo (Christos Passalis) y la Menor (Mary Tsoni). No sabemos si es una medida de protección extrema o si se trata de un experimento, pero los padres mantienen a sus tres hijos alejados de toda realidad; en la casa no existe la televisión, ni el teléfono, ni siquiera internet. Ellos pasan el día dentro de la generosa propiedad o alrededor del patio, nadando en la piscina o jugando a cualquier distracción que la madre decida por ellos. Los padres han creado una especie de secta, en donde los hijos sólo hacen lo que se les dice y nunca cuestionan nada.

Los padres también llenan la cabeza de sus hijos con historias que ellos ya tienen dentro de su conciencia y que representa la única realidad que conocen; creen que tienen un hermano, a quien le hablan desde la reja del hogar, creen en ciertas palabras que tienen otra definición completamente distinta (zombie es una flor, mientras que teclado es una vagina, por ejemplo), y también creen que sólo estarán listos para salir de casa una vez que pierdan el diente canino. A pesar de lo extraño y hasta ridículo que todo esto pueda parecer, los hijos son felices dentro de su pequeña burbuja, porque eso es todo lo que conocen; no podemos esperar a que comiencen a dudar o a que comiencen a rebelarse, porque, dentro de un contexto así, las personas creemos sólo lo que se nos dice. Nadie cuestiona las cosas que tus padres te dicen en la infancia y, si te siguen tratando con aquella ingenuidad o si no interactúas con el resto del mundo, la mentira se vuelve tu realidad.



La única interrupción a la rutina familiar es la visita esporádica de Christina (Anna Kalaitzidou); no deja de ser curioso el hecho de que los padres arreglen encuentros sexuales sólo para el Hijo. La presencia de Christina, sin embargo, es lo que comienza a despertar la curiosidad de las hijas en cuanto a cosas desconocidas para ellas, como películas u otro tipo de contacto físico. El resto de los días son silenciosos y extraños, pero los padres no pierden oportunidad de seguir lavando el cerebro de sus vástagos; ya que nunca sabemos la verdadera razón tras aquella decisión de crianza, el director puede darse el lujo de llevar la historia hasta los lugares más extremos y hasta las situaciones más incómodas de ver. 

Como el resto de las películas de Lanthimos, “Dogtooth” no se salva de ser incómoda, de causar una risa nerviosa o una mueca de asco, ni de provocar sentimientos o ideas que en un día común jamás aparecerían. Al mismo tiempo que se siente un profundo rechazo hacia los personajes de los padres, también se siente mucha lástima por los pequeños adultos que criaron bajo aquel ambiente tóxico y claustrofóbico, varias veces violento, pero también contradictoriamente cariñoso en ocasiones.

Ya sea para hacer reír o para incomodar, el cine de Lanthimos siempre conseguía hacerme sentir algo distinto y varias veces me entretenía, pero “Dogtooth”, más allá de la pena y el rechazo, no hizo nada más que provocarme aburrimiento; quizás se deba a su ritmo, a su aura silenciosa o quizás al hecho de que las decisiones de Lanthimos ya no me sorprenden como me pasaba en un principio, pero sentí el mismo aburrimiento que me causó “Kinds of Kindness”. 

Espero que Yorgos no retome viejas costumbres ni que tampoco se quede con las últimas y que, algún día, vuelva a lo que hacía con cosas como “The Lobster” o “The Favourite”. 
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La historia de Barbora Skrlová fue una historia que escandalizó al mundo en el año 2007. Barbora sufría de hipopituitarismo, un desorden que la hacía verse como una niña de trece años, cuando, en realidad, tenía treinta y dos; aprovechando esta condición, logró ganarse la empatía de Klara Mauerova y de ser adoptada por ella. Klara, a su vez, sufría de esquizofrenia, por lo que Barbora pudo, fácilmente, manipularla y conseguir que Klara abusara y torturara a sus propios hijos. 

El escritor David Leslie Johnson se basó en esta tétrica historia para crear el guión de “Orphan”, película de 2009 que fue producida por Leonardo DiCaprio y dirigida por Jaume Collet-Serra, director español conocido, en ese entonces, por su trabajo en “House of Wax”, aquella película de terror que varios vimos motivados por el morbo que provocaba la participación de Paris Hilton.

“Orphan” cuenta la historia del matrimonio Coleman, compuesto por John (Peter Sarsgaard) y Kate (Vera Farmiga), quienes están tratando de superar la pérdida de su hija nonata; el proceso es, particularmente, más difícil para Kate, quien también debe luchar en contra de su alcoholismo. La pareja decide adoptar a la pequeña Esther (Isabelle Fuhrman), una niña de nueve años proveniente de Rusia, quien se convertirá en la nueva hermana de Daniel (Jimmy Bennett) y de Max (Aryana Engineer), quien sufre de sordera.

John y Kate están fascinados con la ternura y la inteligencia de Esther, quien se adapta rápidamente a su nuevo hogar; sólo es Daniel quien la trata con mayor frialdad, pero, poco a poco, Esther comenzará a demostrar extraños comportamientos y sospechosas actitudes. Con aquella fórmula que trata de conseguir un buen sobresalto en el espectador, fórmula bastante repetida dentro de este tipo de producciones, “Orphan” ve disminuido su potencial inicial para convertirse en una historia predecible y algo aburrida.

A pesar de las excelentes actuaciones tanto de Vera Farmiga como de Isabelle Fuhrman, ninguna de estas participaciones es suficiente como sacar a flote al último acto de “Orphan”.

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"Jennifer's Body" tuvo la mala suerte de ser estrenada en 2009; la crítica la destrozó y nosotros nos dedicamos a seguir odiando y sexualizando a Megan Fox. Nadie le dio importancia a lo gracioso que era el guión, escrito por Diablo Cody, ni que la película estuviera dirigida por una mujer (Karyn Kusama), ni mucho menos notamos que Megan Fox de verdad actúa increíble en el género del terror. Claro, porque "Jennifer's Body" apareció mucho antes de que Hollywood siquiera soñara con un movimiento como el #meToo, por ejemplo, o el #TimesUp, movimientos que consiguieron que varios de nosotros abriéramos los ojos y tuviéramos que pedirle disculpas a distancia a varias actrices.

En 2009, la película fue descrita, simplemente, como "Twilight para hombres", una descripción que está muy lejos de hacerle justicia. Primero, "Jennifer's Body" nada tiene que ver con vampiros, sino que los rituales satánicos de bandas indie sin éxito y las posesiones demoníacas son los que se hacen presente. La película también ilustra la amistad entre Needy Lesnicki (Amanda Seyfried) y Jennifer Check (Megan Fox), quienes, a pesar de ser tan diferentes, han sido amigas desde pequeñas; nadie, en realidad, entiende mucho esa amistad. Luego de asistir a un concierto de la banda Low Shoulder y de presenciar un incendio que deja varias víctimas, Jennifer comienza a actuar de manera muy extraña: tiene varios cambios de ánimo y una insaciable sed de sangre. Sólo Needy es quien nota estos cambios y, cuando su propio novio está en peligro, decide enfrentar al demonio de su mejor amiga.

Dinámica, divertida, llena de referencias a la cultura pop y llena de canciones dignas de aquella época, "Jennifer's Body" sería un éxito seguro si fuese estrenada en la actualidad. Más que una fantasía vampírica para hombres, la historia es una fantasía de venganza; es una película que muestra el lado complicado de la amistad entre mujeres y que, de alguna manera, fue bastante adelantada para su época. Perdónanos, Megan Fox.
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En un pequeño pueblo de Corea del Sur, vive una madre (Kim Hye-ja) y su hijo, Do-joon (Won Bin); ambos viven casi en precarias circunstancias, ya que el poco dinero que llega al hogar proviene de sesiones de acupuntura que la madre practica sin licencia, algo que puede traerles problemas con la ley. Otros de los problemas que acongoja a la madre es la situación de Do-joon; su hijo presenta un leve retraso mental y, aunque no le hace daño a nadie, siempre se enreda en conflictos por culpa de su amigo, Jin-tae (Jin Goo). La madre es muy protectora y defensora de Do-joon, ya que nadie más que ella lo ayudaría frente a cualquier situación.

Cierta noche, mientras vuelve completamente ebrio a su hogar, Do-joon comienza a seguir a una estudiante, llamada Moon Ah-jung (Moon Hee-ra), hasta que ella consigue entrar a una casa abandonada, tratando de esconderse; una roca llega a los pies de Do-joon, por lo que él da media vuelta y se va. Al día siguiente, el cuerpo de Ah-jung es encontrado en el mismo lugar en donde la joven se había escondido; todas las pistas llevan hasta Do-joon. La policía lo detiene, lo obliga a firmar una confesión y lo detienen; su madre es la única que quiere comprobar que él no es el asesino.

Entre secuencias llenas de suspenso y de amor materno incondicional, podemos apreciar las maneras en que la madre intenta resolver el caso: interroga a los niños que viven en el barrio, entra a casa de Jin-tae y, con la ayuda de este, tortura y cuestiona a dos tipos cercanos a Ah-jung; descubren, entonces, que la joven tomaba fotografías de todos los hombres con los que salía, por lo que su teléfono podría ser la clave para resolver el crimen. Todo parece ir bien, pero las cosas toman un giro totalmente inesperado y uno que sólo Bong Joon-ho sabe cómo realizar de manera tan desgarradora.

Sólo una madre podría entender la pena y la frustración de una situación como la de "Mother", pero no existe forma de que no llegue a todo público. Es imposible juzgar a una madre, sólo se puede empatizar con ella y con las decisiones que debe tomar por el bien de su hijo; durante las últimas escenas sólo se puede sentir algo parecido al alivio que ella sintió al aplicar acupuntura al punto que desataría todos los nudos que tenía en el corazón.

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Basada en el libro homónimo, escrito por Neil Gaiman, “Coraline” es una película animada que, utilizando la técnica del stop-motion, cuenta la historia de la pequeña Coraline Jones (Dakota Fanning), una niña muy inteligente y curiosa que termina enredándose en un gran problema.

Coraline se muda con sus padres, Charlie (John Hodgman) y Mel Jones (Teri Hatcher), a una vieja mansión que ha sido transformada en una especie de pensión. En aquel lugar, Coraline conoce a sus interesantes y excéntricos vecinos: April Spink y Miriam Forcible (Jennifer Saunders), un par de actrices de burlesque que ya jubilaron; Sergei Alexander Bobinsky (Ian McShane), un gimnasta dueño de un circo de ratas; Wybie Lobat (Robert Bailey Jr.), el nieto de la dueña de la mansión y Gato (Keith David), un misterioso gato negro.

Debido a que sus padres están inmersos en trabajo, Coraline pasa sus días quejándose y aburriéndose. Cierto día, descubre una pequeña puerta que la transporta hasta otra versión de su propio mundo; allí se encuentra con su Otra Madre y su Otro Padre, versiones más atentas y más cariñosas de sus propios padres, pero quienes tienen botones en lugar de ojos. Wybie y sus vecinos le advierten a Coraline que tenga cuidado en sus aventuras e, incluso, Gato, quien puede hablar en el Otro Mundo, le advierte que Otra Madre es muy peligrosa.

La estética y producción de “Coraline” es tan hermosa que es fácil olvidar que estamos viendo una historia de terror, razón por la cual tratamos de entender aquel misterio de que a los niños les encanta esta película y no los asusta de la misma manera en que asusta a los adultos.
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Hace un tiempo, comencé a ver la serie “The Crown”, por lo que una reciente obsesión con la monarquía británica es totalmente justificable. La serie comienza mostrando la infancia de la reina Isabel II, mientras su padre, el rey George VI, asumía el cargo tras la abdicación de su hermano, Edward VIII. Sabiendo esta historia ya de memoria, lo mejor es indagar historias mucho más antiguas, como la historia de la reina Victoria, tatarabuela de Isabel II.

La princesa Victoria de Kent (Emily Blunt) era la posible heredera del trono durante el reinado de su tío, el rey William IV (Jim Broadbent). La joven creció en soledad y bajo la dura influencia de su madre, la Duquesa de Kent (Miranda Richardson), y de John Conroy (Mark Strong), interventor de la duquesa. Ambos quieren convencer a Victoria de que firme un documento permitiendo una regencia, lo que les permitiría a ellos reinar primero.

El rey William fallece luego del cumpleaños número dieciocho de Victoria, por lo que la regencia es imposible. Desde el momento en que se anuncia su nuevo título de reina, Victoria comienza a asumir su independencia: se cambia a una habitación propia, dejando la compañía de su madre, y le prohíbe la entrada a Conroy a su hogar. Además de asumir más responsabilidades, Victoria también debe buscar un compañero idóneo, por lo que sus ojos se fijan en su primo, el príncipe Albert de Sajonia-Coburgo-Gotha (Rupert Friend).

“The Young Victoria” es tan bella, estéticamente hablando, como interesante, históricamente hablando. Al final del día, las monarquías siempre nos darán temas para explorar y personas a quienes observar.
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Hola

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Catalina.
Basada en hechos reales.

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