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We'll always have Paris

 


Durante la reciente ceremonia de los premios Oscars, “Druk” ganó el premio como Mejor Película Extranjera.; generalmente, me tomo un tiempo antes de ver las películas que destacaron en aquella categoría, pero apenas unos días luego del triunfo de “Druk”, Hollywood ya anunciaba que planeaba hacer un remake. No fue el hecho de que, posiblemente, Leonardo DiCaprio protagonice la nueva versión lo que llamó mi atención, si no que, tras cada año que pasa luego del discurso de Bong Joon-ho, se hace demasiado notorio que los estadounidenses no saben leer subtítulos.

Pasó ya en 2015, luego del éxito de “El Secreto de sus Ojos”, que a Hollywood se le ocurrió hacer “Secret in Their Eyes”, un remake que arruinó aquella hermosa temática sobre la pasión y el amor que superan años y años por tratar de reemplazarlo con una historia que incluso algo tenía que ver con el terrorismo del 9/11. Un desastre. Desde ese entonces, decidí optar siempre por el producto original.

“Druk” es una película danesa, dirigida y escrita por Thomas Vinterberg, la cual cuenta la historia de un grupo de profesores decididos a experimentar los efectos positivos del alcohol. El grupo debate la teoría del psiquiatra noruego Finn Skårderud, la cual establece que tener un 0.05 % de alcohol en el cuerpo, nos convierte en seres más relajados y creativos. Al centro de este grupo, tenemos a Martin (Mads Mikkelsen), un profesor de historia que está completamente insatisfecho con su vida, algo que le trae problemas tanto en su trabajo como en su hogar. Martin es el primero en motivarse a comprobar la teoría de Skårderud y, luego de experimentar los primeros resultados favorables, sus amigos también deciden experimentar y tratan la idea como un trabajo de investigación.

Martin, Tommy (Thomas Bo Larsen), Peter (Lars Ranthe) y Nikolaj (Magnus Millang) ven entonces cómo la rutina de sus vidas pasa a ser una más alegre y satisfactoria. Todos incluso se convierten en mejores profesores, pero es Martin quien ve mayores resultados: retoma la conexión con sus hijos y la relación con su esposa, mientras que su rendimiento en el trabajo mejora un 100%; es como si fuera otra persona. De hecho, durante una clase, hace un ejercicio muy entretenido de votar a ciegas por tres candidatos: un hipertenso que engaña a su mujer, un depresivo que ya ha perdido tres elecciones y un amante de los animales que trata a las mujeres con respeto. Obviamente, todos nos inclinaríamos por el tercer candidato, pero, para nuestra total sorpresa, estaríamos votando por Adolf Hitler.

Más allá de celebrar el consumo de alcohol o de condenar a quienes disfrutan de él, "Druk" se dedica a mostrarnos cómo sus efectos pueden ayudarnos a retomar el gusto por las cosas simples de la vida. En el caso de Martin, él sólo necesitaba un nuevo enfoque para recordar lo que valía la pena; es como si el alcohol hubiera despertado en él un nuevo sentido y las cosas comenzaran a tener un nuevo color, sabor u olor. Martin se avergonzaba, por ejemplo, de su pasado como bailarín, pero durante las últimas escenas vuelve a lucir los pasos de baile que tan bien recordaba.

A pesar de un trágico desenlace, “Druk” nos recuerda que siempre tendremos algo que celebrar u honrar. A veces tenemos que tocar fondo para recordarlo, pero tocar fondo es necesario; sabe mejor con un traguito, de todas formas.

No estoy promocionando el uso excesivo de alcohol.

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La leyenda de La Llorona es un clásico cuento de terror de la cultura latinoamericana. La figura de la mujer que ahogó a sus hijos y que está condenada a una eternidad de arrepentimiento mientras busca hijos ajenos para reemplazar a los suyos, ha sido usada desde hace décadas para asustarnos, para obligarnos a portarnos bien o para obedecer a nuestros padres; si no hacíamos caso, durante la noche, cuando nadie se diese cuenta, La Llorona nos llevaría con ella. Aquella leyenda también podría funcionar como la historia perfecta para desarrollar en una película de terror; lamentablemente, en 2019, la leyenda obtuvo el tratamiento estadounidense.

Anna Tate-García (Linda Cardellini) es una trabajadora social que vive en Los Ángeles con sus dos pequeños hijos, Chris (Roman Christou) y Samantha (Jaynee-Lynne Kinchen); su marido falleció recientemente, por lo que Anna debe lidiar con todo lo que conlleva un duelo como aquel. Anne también debe lidiar con el caso de Patricia Álvarez (Patricia Velásquez), una mujer que mantiene a sus hijos encerrados por miedo a una extraña presencia que Anna desconoce. No es hasta que los pequeños de Patricia aparecen ahogados en un río que Anna comienza a descubrir la historia de La Llorona, una especie de fantasma que ahora está detrás de Chris y de Samantha.

Tras el éxito de “The Conjuring” en 2013, los productores han creado una especie de Conjuring multiuniverso, desde donde han aparecido otras películas como “Annabelle”, “The Nun” y las secuelas sobre otras desventuras acerca del matrimonio Warren. “The Curse of La Llorona” también es parte de este universo y, en un lugar de haber sido una historia de la cual se pudo haber dicho mucho, parece haber sido tratada como la secuela número mil del personaje principal, una secuela en donde cada técnica de las películas de terror se siente gastada y repetida. 

En lugar de recurrir a un desarrollo tenebroso y entretenido, la película recurre más a los jump scares, aquel susto que se basa en un ruido fuerte que parece llegar luego de un intimidante silencio. El problema es que en “The Curse of La Llorona” aquellos saltos son muy predecibles; sabemos perfectamente cuándo y cómo nos asustarán, por lo que el susto en sí, ya no tiene gracia. Tampoco tiene gracia la figura de la mujer que llora; es como un refrito de varias técnicas de maquillaje que ya se han usado en este multiuniverso y, teniendo tanto material terrorífico presente en la cultura latinoamericana, se pudo haber hecho algo mucho mejor con su rostro e, incluso, con algo tan simple como su vestido. 

Básicamente, “The Curse of La Llorona” sufrió una apropiación cultural y un trato que parece dejar a la vista que la historia fue hecha a la rápida, tanto película como personajes también; es sólo una fórmula simple para llevar a los mismos fanáticos de la muñeca o de la monja a consumir más de lo mismo.

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  • Mejor Película: Nomadland
  • Mejor Director: Chloé Zhao, Nomadland
  • Mejor Actor: Riz Ahmed, Sound of Metal
  • Mejor Actriz: Frances McDormand, Nomadland
  • Mejor Actor de Reparto: Daniel Kaluuya, Judas and the Black Messiah
  • Mejor Actriz de Reparto: Yuh-jung Youn, Minari
  • Mejor Película Animada: Soul
  • Mejor Guión Original: Emerald Fennell, Promising Young Woman
  • Mejor Guión Adaptado: Chloé Zhao, Nomadland
  • Mejor Documental: El Agente Topo
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Hace unos días, salió la noticia de que Evan Peters, uno de los actores preferidos de Ryan Murphy, interpretará a una drag queen en la próxima temporada de "American Horror Story". A pesar de que varias drag queens audicionaron, al parecer el estudio se volvió a conformar con un actor heterosexual para un papel que, simplemente, no le corresponde. Casos como este siempre sucedían, pero ahora todos estamos mucho más atentos; por esa razón, me pregunté si la misma atención habría recibido “To Wong Foo, Thanks for Everything! Julie Newmar".

La película, estrenada en 1995 y dirigida por Beeban Kidron, cuenta la historia de tres amigas travestis durante un viaje que emprenden desde Nueva York hasta California. Vida Boheme (Patrick Swayze) y Noxeema Jackson (Wesley Snipes) ganan el primer lugar del concurso “Drag Queen del Año”, por lo que también consiguen clasificar al “Miss Drag Queen de Estados Unidos”. Deciden vender los pasajes aéreos y ayudar a Chi Chi Rodríguez (John Leguizamo), una baby drag queen que apenas está comenzando en la escena. 

Todo parece ir bien durante el viaje hasta que el auto sufre un problema mecánico y deben quedarse en un lugar algo abandonado llamado Snydersville. En un principio, las amigas no tienen muchas ganas de quedarse allí, porque más de algún problema tendrán quedándose cerca de gente tan provinciana, pero ese no es su mayor complicación, ya que el oficial Dullard (Chris Penn), un policía que las discriminó y que intentó violar a Vida, está tras sus pasos.

Lo más probable es que, si bien "To Wong Foo, Thanks for Everything! Julie Newmar" no estaría tan cancelada hoy en día por aquel tema de los actores principales siendo heterosexuales, al menos habría una conversación sobre el tema. De hecho, creo que, si nos concentramos en la historia, no hay nada más negativo que rebuscar. Si le vemos el lado positivo a la cinta, principalmente, es la relación que se da entre las protagonistas y los habitantes de Snydersville. Desde el momento que llegan al pueblo, todo el mundo trata a las amigas como mujeres y sólo les extraña el hecho de que sean de Nueva York; al mismo tiempo, ellas no tratan a los demás como unos pobres e ignorantes pueblerinos, sino que entablan amistades rápidamente e incluso las ayudan a sentirse mejor con ellas mismas. Una buena escena de pequeña liberación femenina siempre es bienvenida.

Uno de los momentos más tiernos e importantes se da durante el final, donde aprendemos que las mujeres de Snydersville siempre supieron que Vida, Noxeema y Chi Chi eran drag queens y que no era debido a su ignorancia el hecho de que las trataban como iguales. Habría que mejorar un par de cosas a "To Wong Foo, Thanks for Everything! Julie Newmar", por supuesto, pero al menos tiene un lindo mensaje. Y excelentes cameos.

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La mayoría del tiempo, el hecho de que Steve McQueen sea británico se olvida tanto como el hecho de que la última película que estrenó fue por allá en 2013, con “12 Years a Slave”; lo vengo extrañando desde “Shame”. Recuerdo que me gustaban mucho sus tomas eternas, algunas de más de quince minutos, y aquellos diálogos tan intensos que sus personajes compartían.

En “Widows”, las técnicas de McQueen vuelven en gloria y majestad en una historia que escribió junto a Gillian Flynn, ídola desde que "Gone Girl" y "Sharp Objects" hicieron su aparición en el mundo. Basándose en la serie británica del mismo nombre y estrenada en 1983, McQueen y Flynn crearon una historia que parece ir hacia un lado, pero que decide concentrarse en otras temáticas.

Harry Rawlings (Liam Neeson) es un exitoso y profesional ladrón que sorprende a todo el mundo cuando arruina su último trabajo, comprometiendo su vida y la de sus compañeros de crimen: Jimmy (Coburn Goss), Carlos (Manuel Garcia-Rulfo) y Florek (Jon Bernthal). Harry no sólo deja cuatro viudas, sino que también, una gran deuda por pagar. La deuda, de dos millones de dólares es nada menos que con Jamal Manning (Brian Tyree Henry), otro criminal que ahora quiere jugar a la política y que necesitaba ese dinero para financiar su campaña.

Como si el duelo no fuese suficiente, la viuda de Harry, Veronica Rawlings (Viola Davis) es amenazada por Jamal y su intimidante hermano Jatemme (Daniel Kaluuya), por lo que ella decide reunir al resto de las viudas y hacerles una proposición: completar el último trabajo que Harry había planificado, repartir parte del dinero entre ellas y pagar la deuda de Jamal. Linda (Michelle Rodriguez), viuda de Carlos, y Alice (Elizabeth Debicki), viuda de Florek, aceptan el trato, ya que las muertes de sus maridos también sólo les trajeron más problemas.

A pesar de que “Widows” fue promocionada como una película del estilo heist, como “Ocean’s Eleven”, la película se centra mucho más en otros detalles de la vida de los personajes como, por ejemplo, la pérdida de un hijo, la violencia intrafamiliar, la corrupción sin freno de la política, la misoginia, los privilegios de clase, el racismo, mucho antes de comenzar a siquiera planificar el gran golpe. Esto podría representar un problema para quien espera una película que trate de estrategias elaboradas por los personajes para robar millones, como me pasó la primera vez que la vi; podría convertirse en una historia muy lenta. En cambio, si ponemos atención a cada personaje y a cada problema, la película se transforma en un drama mucho más interesante, actual y con guiños a distintos tipos de empoderamiento femenino que no necesariamente deben recaer en secuencias de peleas o manejo experto de armas. 

Es aquella mezcla entre los talentos de McQueen y Flynn que hacen de "Widows" algo mucho mejor que un simple heist. 

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