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We'll always have Paris

 


En “mother!”, película dirigida por Darren Aronofsky, la actriz Jennifer Lawrence interpreta a una joven que está casada con Javier Bardem; juntos viven en una gran y cómoda casona, pero luego de que un incendio la destruyera, ella se dedica a restaurarla, mientras él pasa su tiempo terminando su nuevo libro. Llevan una vida tranquila, hasta que, cierto día, aparece un hombre (Ed Harris) que les pide ayuda; el dueño de casa lo invita a quedarse sin pensarlo, pero a ella le parece extraño. Al día siguiente, aparece la esposa (Michelle Pfeiffer) del hombre desconocido, luego sus hijos y, sin previo aviso, el hogar comienza a llenarse de personajes que sólo se aprovechan de la hospitalidad de la joven.

No hay que darle muchas vueltas a esta historia para llegar a la conclusión de que la trama es una metáfora a cierta historia de la religión católica mezclada con una crítica a los abusos que hemos cometido en contra del planeta. El personaje de Javier Bardem es Dios y el de Jennifer Lawrence es la Madre Tierra o la virgen María, mientras que el resto de los actores representan a Adán y a Eva, a Caín y a Abel, y al resto de los fanáticos que querían conocer al hijo de su ídolo.

No es una mala metáfora, pero siento que es de aquellas historias que no deberían ser tan analizadas, ya que todo su potencial reside justamente en eso y perderían su gracia si tratamos de buscar una explicación más allá de esta representación.
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Steven Murphy (Colin Farrell) es un respetado cardiólogo, quien vive en un hogar hermoso junto a su perfecta familia, pero, durante algunas tardes, se reúne con Martin Lang (Barry Keoghan), un joven de diecisiete años que parecer tener una extraña obsesión. En un comienzo, es inevitable pensar que ambos son parte de cierta relación indecorosa, ya que esconden sus identidades y mantienen todo en secreto, cuando la verdad es que el padre de Martin había sido paciente de Steven el año previo; ya que el cardiólogo no pudo salvar su vida, Martin decide cobrar venganza en contra de la familia Murphy: cada integrante perderá la habilidad de caminar, luego dejarán de comer, llorarán sangre hasta que finalmente, mueran. Para evitar aquel desenlace, Steven debe sacrificar a un integrante de su familia, salvando, de esa manera, a los demás.

"The Killing of a Sacred Deer" está basada en la tragedia griega "Ifigenia en Áulide", escrita por Eurípides en el año 409 a. C.; la historia se trata de la decisión de Agamenón, rey de Micenas, de sacrificar a su Ifigenia con tal de vencer en la guerra de Troya; la película no es tan radical como la obra, pero ambas tienen ese tono de frialdad que sólo una historia sobre sacrificios humanos puede conllevar. Tanto la dirección de Yorgos Lanthimos como las actuaciones principales permiten que se de aquel tono y aquel ambiente, el cual puede ser tan espeluznante como una película de terror y tan perturbador como cualquier otro thriller psicológico.

"The Killing of a Sacred Deer" debe ser una de las películas más desconcertantes del último tiempo.
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La mayoría de los días, es muy vergonzoso contar con la nacionalidad chilena, pero el sentimiento pasa por un momento, como cuando escuchas el nombre de tu país en una película de Bong Joo-ho, por ejemplo. En "Okja", existe una empresa estadounidense llamada Mirando Corporation, la cual está determinada a combatir el hambre mundial; para cumplir su misión, la empresa utiliza a una especie de adorables cerditos, nacidos en Chile, para que sean criados en distintos rincones del mundo. La crianza resulta en el aumento de tamaño en estos animales y, para la empresa, significa más carne para vender y más dinero en sus cuentas.

Okja es el nombre de la cerdita de Mija (Ahn Seo-hyun), una niña surcoreana tan adorable como su mascota; ambas son inseparables, por lo que cuando los estadounidenses aparecen en su hogar para llevarse a Okja, Mija sale corriendo detrás de su mejor amiga. No sólo ella está tratando de salvar a Okja, sino que también el Frente de Liberación Animal, organización que está empecinada en desenmascarar a la compañía Mirando.

"Okja" es una clara crítica al abuso animal, una que se da el lujo de reprochar esta práctica y una que no se mide cuando de demostrar la violencia se trata; es una película adorable y, al mismo tiempo, es capaz de destrozar tu corazón durante ciertas escenas.
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La mayoría de las veces, cada vez que sucede algo extraño en algún rincón del mundo, es culpa de un estadounidense. En el año 2000, una fábrica desecha residuos químicos en el río Han, lo que consigue que ciertos animales muten de una manera horrorosa. Uno de ellos, una especie de cocodrilo gigante, ataca las cercanías del río y enciende el pánico colectivo. La familia Park queda devastada cuando el monstruo (al que, durante la producción, llamaron Steve Buscemi) se lleva a la pequeña Hyun-seo (Go Ah-sung).

Los hermanos de la familia no se llevan para nada bien. Gang-du (Song Kang-ho), padre de la niña, es un tipo inútil que se la pasa durmiendo y que no pudo hacer nada con su vida. Nam-il (Park Hae-il) es el hermano que consiguió ir a la universidad, pero que ahora no puede encontrar trabajo. La hermana, Nam-joo (Bae Doona), es la más exitosa del clan; ya que logró convertirse en una arquera y medallista nacional. El padre, Hee-bong (Byun Hee-bong), toma las riendas del asunto y une a sus hijos con tal de rescatar a Hyun-seo.

Lo interesante de “The Host” es que no sigue la típica fórmula de la película de terror o de rescate a las Hollywood nos tiene malacostumbrados; los protagonistas no siempre cuentan con la mejor de las suertes, son algo despistados, los héroes estadounidenses no cooperan en nada y el desenlace de la historia no es algo que complacería al típico espectador, sino que es algo que puede servirle mucho más al protagonista que a nosotros.
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Jess (Scarlett Johansson), Alice (Jillian Bell), Frankie (Ilana Glazer) y Blair (Zoë Kravitz) son cuatro mejores amigas que fueron inseparables durante la universidad; después de la graduación, claro, la vida hizo de las suyas. Jess está a punto de casarse y de perder una campaña política, Alice cuida de su madre, Frankie se convirtió en activista y Blair está pasando por un incómodo proceso de divorcio. Para revivir la amistad, Alice organiza la despedida de soltera de Jess, por lo que las amigas se reúnen a pasar un loco fin de semana en Miami; uno tan loco que, sin intención alguna, las lleva a acabar con la vida de un stripper durante la primera noche.

Sin contar con el humor más novedoso del mundo, “Rough Night”, de todos modos, es una película muy entretenida. Desde "Bridesmaids", el humor femenino se ha tomado varias libertades y, aunque no siempre comparto algunas bromas o temáticas repetidas, se agradece que algunos estereotipos continúen siendo desafiados.
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Como si la obsesión con “Portrait de la Jeune Fille en Feu” no fuese suficiente, "Bande de Filles" es otra obra que merece igual reconocimiento; hay algo en la mirada de Céline Sciamma que retrata a las mujeres una manera hermosa. Bienvenida sea siempre la female gaze. 

"Bande de Filles" cuenta la historia de una adolescente llamada Marieme (Karidja Touré), quien vive en un barrio muy vulnerable, por lo que cree que no tiene esperanzas de un mejor futuro; su vida familiar también es bastante complicada, debido a los abusos y a la violencia que sufre por parte de su hermano mayor. Sin mucho qué hacer, Marieme se une a un grupo de tres amigas: Lady (Assa Sylla), Fily (Mariétou Touré) y Adiatou (Lindsay Karamoh), quienes se distinguen gracias a sus chaquetas de cuero, a sus joyas y a su cabello alisado. Las amigas forman una pequeña banda que pasa sus días robando, peleando y visitando habitaciones de hotel.

Gracias a la compañía de sus nuevas amigas, Marieme comienza a empoderarse y a entender que debe recurrir a ciertas actitudes cuestionables con tal de sobrevivir; los retratos de la adolescencia siempre son complejos, pero Céline Sciamma se encarga de que "Bande de Filles" sea un retrato real, inocente y crudo al mismo tiempo, uno que desafía los estereotipos y que demuestra las conexiones intensas que existen entre mujeres jóvenes y sus ideales.

Shine bright like a diamond 🎧
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Mientras el partido nacional socialista suma y suma seguidores en Alemania, Brian Roberts (Michael York), un joven británico, llega hasta la región de Weimar para completar su doctorado y poder enseñar inglés a los residentes. En la hostería donde Brian reside, conoce a Sally Bowles (Liza Minnelli), una cantante y bailarina que trabaja en el cabaret "Kit Kat"; Sally es la mayor estrella del lugar y su sueño es ser una estrella mundialmente famosa.

"Kit Kat" es, en realidad, una bar de mala fama que los conservadores odian, pero también es un lugar en donde se realizan algunas de las mejores presentaciones de la época, siempre a cargo del Maestro de Ceremonias (Joel Grey); es imposible no amar "Mein Herr". Entre números musicales y el ascenso del partido nazi en la región, Brian y Sally entablarán una de las amistades más lindas dentro del género musical.

Su amistad tiene altos y bajos, pero, gracias a las actuaciones de Michael York y de Liza Minnelli, la química entre ambos personajes es exquisita. Destacan, sobre todo, el increíble talento de Minnelli en cuanto al canto y al baila; pareciera que hubiese nacido para interpretar al papel de Sally Bowles. 
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Like the beginning of Mean Streets, you can be my baby  🎶

Fiel al estilo que lo caracteriza, Martin Scorsese decidió basar "Mean Streets", una de sus primeras películas, en aquella escena del crimen neoyorkino que tanto reconocimiento le ha traído durante toda su carrera. La cinta cuenta las desventuras de Charlie Cappa (Harvey Keitel), un joven que vive en Little Italy y que, además de cuidar de sus asuntos relacionados a la mafia, también trata de cuidar de Johnny Boy (Robert De Niro), su obstinado e impredecible amigo. Charlie tiene mucho talento para el negocio, pero Johnny siempre se está metiendo en problemas y en peleas, por lo que podría arruinar el éxito de sus negocios.

"Mean Streets" es la película ideal para apreciar la manera en que Martin Scorsese estaba puliendo su técnica: esos movimientos de cámara, la colaboración con Robert de Niro, la inclusión de la cultura italoamericana, las historias de crimen, cada canción del soundtrack, cada detalle parece ser una diamante en bruto. 
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Catalina. Basada en hechos reales.

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