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We'll always have Paris

 


Cuando el director japonés, Kinji Fukasaku, decidió adaptar la novela “Battle Royale” a la pantalla grande recordó aquellos instantes de su adolescencia en los que debió protegerse de distintos ataques durante la Segunda Guerra Mundial; junto a sus compañeros de curso, fue obligado a trabajar en una fábrica de municiones y varios de ellos no pudieron escapar durante los bombardeos, por lo que los jóvenes sobrevivientes tuvieron que hacerse cargo de los cuerpos. Luego supieron que el gobierno japonés había mentido sobre la situación de la guerra, lo que gatilló un odio profundo hacia los adultos por parte de Fukasaku.

“Battle Royale” no cuenta los horrores de una guerra, pero sí presenta una especie de sociedad distópica, en donde el gobierno ha decidido crear un evento anual, dentro del cual un grupo de estudiantes debe asesinarse entre sus propios integrantes, dejando victorioso a un gran ganador; la razón tras este evento es prevenir la creciente tasa de delincuencia juvenil y frenar el miedo que sienten los adultos hacia los adolescentes. El grupo elegido para el evento de aquel año es la clase de Shuya Nanahara (Tatsuya Fujiwara), joven que está tratando de superar la trágica muerte de su padre.

Shuya y sus compañeros creen que saldrán a disfrutar un agradable paseo de curso, pero son raptados y llevados hasta una remota isla, en donde les informan que son parte de la Battle Royale anual; a cada uno se le entrega un arma, una mochila con cosas básicas para sobrevivir un par de días en una isla desconocida y un rastreador que no les permitirá escapar. Ninguno de los adolescentes puede creer lo que está pasando ni tampoco pueden creer que, dentro de un período de quince minutos, ya dos de sus compañeros hayan sido asesinados de una manera tan violenta. La violencia presente en “Battle Royale” fue bastante criticada durante su época de estreno, violencia que incluso causó que la película fuese comparada con el mismo efecto que “A Clockwork Orange” provocó durante varios años también. Si bien no es una violencia tan gore como había imaginado, de todos modos, es bastante fuerte ver caer al 95% de los personajes en un contexto gráfico y desesperanzador.

Gracias a numerosos flashbacks, aprendemos las historias de varios de estos adolescentes y, lamentablemente, no es difícil encariñarse con alguno, en especial con el protagonista y con su mejor amigo, Yoshitoki Kuninobu (Yukihiro Kotani), o con Noriko Nakagawa (Aki Maeda); sin embargo, una de las historias más tristes es la de Mitsuko Souma (Kou Shibasaki), gracias a la cual se puede comprender la esencia del personaje. A pesar de que varios alumnos están dispuestos a participar en este cruel evento, otros simplemente se rinden o deciden no participar, decisión que les traerá peores consecuencias.

En contraste con todo el éxito que “Battle Royale” consiguió en Japón, la película no estuvo libre ni de críticas ni de censuras, críticas de aquellas que culpan al cine de ciertos hechos violentos ocurridos y censuras de aquellas eliminan las escenas más provocadoras o censuras que prohíben la circulación de una cinta en varios sectores. Sin embargo, “Battle Royale” también consiguió convertirse en una especie de película de culto que cautivó a directores como Quentin Tarantino; la elección de Chiaki Kuriyama como Gogo Yubari no pudo haber sido al azar.

Violenta y perturbadora, “Battle Royale” no deja de ser una película interesante también, la cual nos ofrece más momentos de tensión y de nostalgia que de provocación pura; no es un relato tan fuerte como imaginé, ya que las expectativas siempre traicionan, pero claro que herirá más de alguna sensibilidad.

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Recuerdo perfectamente el momento en que una amiga del colegio llegó contándome la trama de “Dracula 2000”; ese entusiasmo con el que una persona habla sobre alguna película que le gusta nunca se olvida. Ella estaba tan emocionada que me contó toda la trama, spoilers incluidos; no la culpo. Creo que se debió a que, como estábamos en un colegio católico, el tipo de desenlace que tiene esta película siempre fue parte de un tema algo controversial.

Basándose en la novela de Bram Stoker, como todas sus predecesoras, “Dracula 2000” también se centra en la figura del clásico vampiro, pero lo trae hasta la era moderna, en donde Abraham Van Helsing (Christopher Plummer) todavía trata de evitar el regreso del demonio. Esta vez, lo hace por razones más personales: Van Helsing está tratando también de proteger a su hija, Mary (Justine Waddell). El ayudante de Abraham, Simon Sheppard (Jonny Lee Miller) asume la responsabilidad de cuidar la joven luego de que la tumba de Drácula fuese abierta. El vampiro, tal y como en el pasado, vuelve a cruzar océanos con tal de encontrarse con su nuevo desafío amoroso.

A pesar de los varios clichés y de las malas actuaciones que rodean a esta película, su desenlace final no puede dejar de intrigarme. Es tan entretenido que, esta vez, la verdadera identidad de Drácula sea Judas y que varias de las características clásicas del vampiro hasta tengan sentido como, por ejemplo, su aborrecimiento frente a algún símbolo católico o su vulnerabilidad frente a la plata y a los amaneceres; es tan interesante como divertido.

Exijo un remake.
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Hong Kong, años sesenta. Durante el mismo día, la señora Chan (Maggie Cheung) y el señor Chow (Tony Leung) se mudan a distintas habitaciones de un mismo departamento, provocando una especie de caos para sus nuevos vecinos. La señora Chan, una secretaria, es una mujer preciosa, que usa vestidos hermosos y cuyo maquillaje es envidiable; su marido siempre está de viaje en el extranjero, por lo que las vecinas de inmediato notan que ella pasa mucho tiempo sola. La rutina no es muy diferente para el señor Chow, un periodista; su esposa también viaja mucho, por lo que su soledad está más que asumida.

Debido a sus estatus de vecinos, la señora Chan y el señor Chow comienzan a encontrarse de casualidad por los pasillos o en las afueras del departamento; la soledad que los rodea en aquellas escenas es bellamente acompañada por una melodía siempre bienvenida. Superando el saludo ocasional, la relación entre ambos avanza rápidamente, sobre todo tras descubrir que sus respectivas parejas los engañan. Los sentimientos tras cada encuentro son cada vez más fuertes, pero ambos prometen que no serán como sus cónyuges. 

Las mejores historias de amor son las historias que, la mayoría de las veces, ni siquiera llegan a concretarse, aquellas que se susurran y se esconden dentro de un pequeño espacio.
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Si las segundas partes no siempre son mejores, las terceras partes son un gran riesgo; a menos que la historia haya quedado inconclusa durante las entregas anteriores, una tercera parte sólo se siente forzada e innecesaria. Cuando se trata de películas de terror, las eternas secuelas parecen ser parte del género y Wes Craven no es ajeno a este detalle; debido a que existe mucho más cariño hacia “Scream” que hacia Freddy Krueger por estos lados, sus extensiones siempre serán interesantes de ver.

Luego de que la historia de los asesinatos de Woodsboro se repitiera en la Universidad Windsor, los pocos sobrevivientes han tratado de seguir con sus vidas. Gale Weathers (Courteney Cox) continúa siendo una destacada periodista, Dewey Riley (David Arquette) trabaja como asesor para la película “Stab 3” y Cotton Weary (Liev Schreiber) es un exitoso animador de televisión. Cierto día, Cotton recibe la llamada de un nuevo Ghostface, quien le exige entregar la dirección de Sidney Prescott (Neve Campbell), quien ha vivido en aislamiento desde la segunda ola de asesinatos. Ghostface comienza a eliminar a los actores de “Stab 3”, por lo que Sidney decide salir de su encierro y enfrentar, nuevamente, a su mayor enemigo.

Si bien hay momentos en los que podríamos pensar en que no existe mayor razón para incluir a un nuevo asesino, “Scream 3” nos sorprende con aquella revelación final, revelación que nos transporta al comienzo de la saga y a los motivos que Billy Loomis (Skeet Ulrich) utilizó como excusa para dar rienda a esta historia. A pesar de algunos detalles, la tercera parte de “Scream” es bastante decente y disfrutable, por más que aquella chasquilla que le hicieron a Courteney Cox distraiga en cada escena que aparece.
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Selma Ježková (Björk) es una inmigrante europea que sobrevive en la ciudad de Washington durante la década del ‘60; trabaja en una fábrica y vive en un pequeño remolque con su hijo Gene (Vladica Kostic), remolque que se encuentra en el patio trasero de Bill Houston (David Morse), el policía del lugar. Selma está perdiendo la visión y, a punta de mucho esfuerzo, ahorra todo el dinero que gana para poder operar a Gene de la vista, ya que los problemas oftalmológicos son un mal hereditario. Entre tanto trabajo, Selma también encuentra momentos de distracción entre los ensayos de un musical, ya que ama aquel género de películas, pero la vida de Selma se complica todavía más cuando Bill le comenta que está, prácticamente, en bancarrota y encuentra el dinero de la operación de Gene.

"Dancer in the Dark" debe ser el musical más triste que existe; es tan sombrío y desgarrador que podría ser considerado una especie de antimusical. La vida y las desaventuras de Selma sólo provocan nuestra angustia y empatía, las cuales, gracias a la maravillosa actuación de Björk, se sienten cercanas y reales. La dirección a cargo de Lars von Trier es extraña, pero envolvente y, a pesar de aquellos rumores sobre enemistad en el set, tanto protagonista como director lograron entregarnos un producto tan triste como adorable.
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Rcuerdo que cuando era adolescente, en el cable había un canal que mostraba todos los estrenos en esos canales Pay Per View. Era un canal que sólo mostraba trailers, pero lo veía siempre para estar al día con futuros estrenos. “Where the Heart Is” era parte de esos trailers.

Novalee Nation (Natalie Portman) es una tierna e inocente joven que ha quedado embarazada de su imbécil novio, Willy. Buscando mejores opciones para su futuro bebé, Novalee decide viajar hasta California junto a Willy en una camioneta que se cae a pedazos. Durante el viaje, Novalee y Willy hacen una parada en un Walmart de Texas para que ella pueda ir al baño y comprarse unos zapatos. Todo va bien para Novalee, quien cree con todas sus fuerzas en un futuro mejor, pero cuando sale de Walmart se da cuenta de que su novio la ha abandonado, dejándola sin dinero y sin hogar.

Completamente sola, Novalee no encuentra mejor solución que quedarse a vivir en Walmart, claro que a escondidas. Durante unas semanas en los rincones de la ciudad, Novalee conoce a la Hermana Husband (Stockard Channing), una amable señora que la confunde con la hija de una antigua amiga y quien se encariña de inmediato con ella; también conoce a Forney (James Frain), el bibliotecario del lugar. Luego de que su bebé naciera, Novalee aparece en todos lados como la “mamá Walmart” y recibe tanto cariño como odio por parte todo el país. Sólo serán la Hermana Husband, Forney y Lexie Coop (Ahsley Judd), su enfermera, quienes ayudarán a Novalee a seguir adelante.

A pesar de que la trama de la película es bastante simple, en comparación a otras protagonizadas por Natalie Portman, esta cinta es adorable y sencilla; es como de esas películas que llaman "feel-good". Creo que la ternura de “Where the Heart Is” es lo que convence.
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