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We'll always have Paris


“Love Actually” o “The Family Stone” ya son clásicos de Navidad, los cuales se ven obligatoriamente durante este mes, pero nunca está de más agregar otros clásicos a la lista. “National Lampoon's Christmas Vacation” es una película que siempre aparece en las listas de películas de Navidad, pero a la cual nunca le presté mucha atención. Chevy Chase también es uno de los integrantes clásicos de “Saturday Night Live” y “National Lampoon's Vacation” era la suficientemente graciosa como para tener puntos a favor.

“National Lampoon's Christmas Vacation” es la tercera entrega de esta saga, pero a diferencia de las anteriores, la familia Griswold no decide viajar ni a Walley World ni a Europa, sino que planifican, lo que creen que será, la mejor Navidad de toda la historia. Desde el principio, aparecen los problemas: la familia consigue un hermoso, pero gigante árbol para su casa, las 25.000 luces que adornan la fachada terminan causando un apagón en toda la ciudad, y no se puede deducir cuál de todos los familiares se comporta peor.

A pesar de todos los inconvenientes, Clark Griswold (Chevy Chase) mantiene siempre su compostura y positivismo, más bien su estado de negación, pero no se puede estar así de calmado por mucho tiempo, menos durante las festividades de fin de año. Lo bueno es que cada gesto, sufrimiento y cada incomodidad de Clark es motivo de risa y de diversión, tal y como cada uno de sus excéntricos parientes.
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“A long time ago, in a galaxy far away… It is a period of civil war. Rebel spacechips, striking from a hidden base, have won their first victory against the evil galactic Empire. During the battle, rebel spies managed to steal secret plans to the Empire's ultimate weapon, the Death Star”. Lo que era la simple introducción al Episodio IV de Star Wars ahora se ha convertido en la trama de la película más entretenida de la saga desde los años ‘70.

“Rogue One: A Star Wars Story” cuenta la historia, precisamente, de aquellos rebeldes que consiguieron robar los planos de la Estrella de la Muerte; aquellos planos llegaron a manos de la Princesa Leia (Carrie Fisher), quien los escondió dentro de R2-D2, junto con un mensaje para Obi Wan-Kenobi. Obi, a su vez, vio el mensaje junto a Luke Skywalker y, bueno, el resto es historia. Sabemos mucho sobre estos personajes, pero nunca tuvimos mayor información sobre aquellos rebeldes que los ayudaron y dieron el primer paso, por lo que, cuando anunciaron el estreno de “Rogue One”, su trata ya era más que suficiente para provocar curiosidad.

La película comienza con la tragedia de la familia Erso: Galen (Mads Mikkelsen) es secuestrado por Orson Krennic (Ben Mendelsohn), un alto mando del Imperio, quien también asesina a su esposa, Lyra (Valene Kane); la pequeña hija de ambos, Jyn (Felicity Jones), logra escapar y es rescatada por Saw Gerrera (Forest Whitaker), un rebelde amigo de su padre. Saw se convierte en un mentor para Jyn, pero ella debe continuar viviendo una vida parecida a la de una prófuga de la ley, ya que teme que quienes secuestraron a su padre también regresen a buscarla a ella.

La vida de Jyn sufre un drástico cambio cuando los líderes de la Alianza Rebelde necesitan de su ayuda, luego de que Bodhi Rook (Riz Ahmed), un ex piloto del Imperio, le entrega un importante mensaje holográfico a Saw Gerrera; los Rebeldes quieren que Jyn se reúna con Saw y que también vea el mensaje, ya que este fue grabado por su padre. Jyn viaja hasta el planeta Jedha, junto al Capitá Cassian Andor (Diego Luna) y a K-2SO (Alan Tudyk), y se enteran de la verdad: Galen construyó la Estrella de la Muerte, pero dejó una pequeña falla para que los Rebeldes la atacaran y, de esa manera, pudieran acabar con la nueva arma del Imperio.

En esta nueva misión, también se les unen Chirrut Îmwe (Donnie Yen), un guerrero ciego que cree en la Fuerza, y su fiel compañero, Baze Malbus (Jiang Wen), un rebelde y mercenario; todo el grupo debe conformar el grupo más diverso dentro del universo de Star Wars y también uno de los más apasionados. Más allá de averiguar sobre su pasado o de defender a una reina, los rebeldes pelean por una causa mucho más grande que ellos; sabemos cómo concluye su historia, pero ver los hechos de manera concreta hace, incluso, que el resto de los episodios se vean de manera distinta. La motivación de la Princesa Leia se comprende desde otra perspectiva, así como también aquella infinita felicidad luego de la Batalla de Endor; era un homenaje a aquellos primeros rebeldes y una demostración de que su sacrificio no había sido en vano.

“Rogue One: A Star Wars Story” me emocionó profundamente. Es una película sombría, pero también muy encantadora; las escenas de acción son maravillosas, sobre todo aquella en la playa de Scarif, y a pesar de que sabemos el final de la historia, a esta no le falta tensión ni suspenso. "Rogue One" consigue, básicamente, todo lo que "The Force Awakens" intentó conseguir el año pasado; no recae demasiado en la nostalgia o en el (ab)uso del fan service y crea nuevos e interesantes personajes. No niego que también tenía momentos de emoción al presentar a los clásicos de siempre, pero en "Rogue One" todo es tan sutil que una aparición de Darth Vader o de la Princesa Leia conmueve mucho más.

"Rogue One: A Star Wars Story" nos entrega, justamente, lo mismo que su grupo de rebeldes le entrega a Leia: hope.

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Hace un tiempo, escuché un episodio de Comedy Bang Bang, en donde Ben Schwartz se enorgullecía de saber de memoria todo el soundtrack de "Little Shop of Horrors"; todo suena muy divertido con su voz de Jean-Ralphio. Recuerdo que esta película también era una que solían dar en algún canal nacional, pero muy tarde en la noche, como si fuera otra película de terror más.

La verdad es que "Little Shop of Horrors" es un musical, pero tiene esa estética ochentera espeluznante que, cuando eres pequeño, puede marcarte para siempre. La trama gira en torno a Seymour Krelborn (Rick Moranis), un florista que encuentra una misteriosa, parlante y carnívora planta en la tienda donde trabaja. Seymour vive enamorado de Audrey (Ellen Greene), por lo que bautiza a su nueva y exótica planta como Audrey II (Levi Stubbs).

Por accidente, una gota de sangre de Seymour cae sobre Aubrey II y su parlante planta comienza a crecer y a crecer; a pesar de que Seymour es una buena persona y que tiene buenas intenciones, es un hombre bastante influenciable. Audrey II insiste en que le entregue carne humana para no morir de hambre y Seymour tiene un sólo nombre en mente: Orin Scrivello (Steve Martin), el abusivo novio de Audrey, un sádico dentista que siempre la golpea.

Entre tanta violencia y algo de sangre, "Little Shop of Horrors" es un musical muy entretenido y gracioso; está lleno de canciones e interpretaciones geniales, así como también de participaciones de otros comediantes de la época con las que es imposible no emocionarse. El humor negro tampoco está de más, un detalle que transforma hasta a la canción del dentista en una de las mejores de la película.
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La mayoría de nosotros conocimos a Gene Wilder gracias a “Willy Wonka and the Chocolate Factory”, pero él tuvo una carrera mucho más inclinada hacia la comedia que hacia las películas familiares. Un ejemplo de esto sería “Young Frankenstein”, película que escribió junto a Mel Brooks, responsable también de maravillas como “Spaceballs” o “Robin Hood: Men in Tights”.

En “Young Frankenstein”, Wilder interpreta al doctor Frederick Frankenstein, nieto de Victor, aquel científico loco al que se le acredita la creación de un monstruo que aterrorizó a todo un pueblo. Frederick siempre lucha por quitarse la mala reputación de su apellido de encima, por lo que insiste en que su apellido es "Fronkensteen". Cierto día, le informan que es el flamante heredero de los terrenos de su familia en Transilvania, por lo que decide viajar hasta Europa y visitar el lugar.

Una vez que llega a Transilvania, Frederick es recibido por tres excéntricos personajes: Igor (Marty Feldman), el jorobado sirviente; Frau Blücher (Cloris Leachman), la intimidante ama de llaves; y por Inga (Teri Garr), una joven asistente. Frederick decide retomar el trabajo de su abuelo y experimentar con cadáveres, por lo que, con la ayuda de Igor, le da vida a una nueva criatura, pero las cosas salen tan mal como salieron la primera vez.

“Young Frankenstein” debe ser una de las películas más graciosas que existen; es para reír sin parar escena tras escena, desde los caballos de Frau Blücher, pasando por cada frase que Igor dice hasta la estupidez y cobardía del mismísimo doctor Frankenstein, no hay momento que no sea divertido. Los diálogos son tan ridículos como inteligentemente divertidos y hasta la corta aparición de Gene Hackman es un acierto.

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Qué triste debió haber sido ser un ícono de las películas mudas, de todo ese comienzo de la industria hollywoodense y, en un abrir y cerrar de ojos, convertirse en un símbolo del pasado luego de la aparición del sonido en el cine. El público y la crítica te olvidan rápidamente, decides aislarte en la única casa de lujo que te queda, ningún director te ofrece el más mínimo papel, pronto revives tus traumas y te ahogas en alcohol.

Cuando Joe Gillis (William Holden) conoce a Norma Desmond (Gloria Swanson), nota de inmediato que ella es una olvidada intérprete más de la previa época dorada del cine. Norma es una antigua actriz que ahora presenta claros síntomas de depresión, ya que cuenta con varios intentos de suicidio en su historial médico; es una mujer que vive rodeada de sus propios retratos, colgados en varios rincones de su hogar, y que sólo se dedica a ver sus propias películas. Norma es parte de un panorama bastante desolador que también afectó a varios de sus compañeros actores de la época.

A primera vista, Joe y Norma jamás hubiesen podido ser amigos, ni mucho menos, una pareja, pero ambos tienen algo muy importante en común: necesitan del otro para retomar sus tan queridos trabajos. Ya que nadie ha querido ofrecerle un buen rol, Norma decidió arreglar este problema por su cuenta y comenzó a escribir un guión; está segura que su obra la pondrá de vuelta en el centro de la atención. Pero su guión requiere una revisión y Joe es, justamente, un guionista que estaba en una desesperada búsqueda de un nuevo proyecto.

En un principio, las cosas salen bien. Joe disfruta los lujos y Norma se prepara físicamente para su nuevo trabajo; se somete incluso a una dolorosa rutina de belleza y visita al director Cecil B. DeMille en los estudios de Paramount, pero la situación, rápidamente, comienza a empeorar. La inestabilidad de Norma frustra a Joe, así como también la presencia de Max von Mayerling (Erich von Stroheim), el fiel sirviente de la actriz; al mismo tiempo, Norma se entera de que Joe ha estado colaborando en el guión de otra película junto a Betty Schaefer (Nancy Olson), por lo que decide vengarse.

Películas como “Sunset Boulevard” son de aquellas películas que te hacen preguntarte si acaso la película en sí es una obra de arte o si su actuación principal es mucho mayor en comparación. Gloria Swanson es increíble y transforma cada rasgo de la personalidad de Norma Desmond en algo tan detestable como imposible de dejar de mirar; es una actuación tan espeluznante como maravillosa. Pero también la historia y, la manera en la que está contada, es una oda a Hollywood y a la industria del cine; aquel amor por aquella época traspasa la pantalla.

"Sunset Boulevard" tampoco está libre de suspenso ni de aquella frialdad con la que tratamos a veces a las estrellas del cine, en general. La película es un hermoso relato de lo increíble y lo cruel que Hollywood puede llegar a ser.
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