We'll always have Paris

Christina acaparó las portadas durante 1978 debido al lanzamiento de su libro, “Mommie Dearest”, en donde no se guardó nada y contó con lujo de detalles varios de los abusos físicos y psicológicos que Joan Crawford había cometido contra ella durante la mayoría de su infancia y adolescencia. Hollywood se dividió entre quienes defendían la memoria de la mítica estrella y entre quienes apoyaban a Christina. Como el escándalo fue tal, no tardó mucho para que algún estudio comprara los derechos del libro y lo transformara en una película.

La película del mismo nombre también obtuvo bastante mala fama, tal y como la que decoró la figura de Joan Crawford desde aquella época. La crítica la hizo pedazos, Faye Dunaway quedó como una diva insoportable y los premios Razzie se hicieron un festín. A pesar de todo, “Mommie Dearest” consiguió convertirse en una especie de película de culto, cuyas citas todavía son parte de la cultura pop estadounidense y que pueden ser utilizadas para sacar más de una risa; incluso sirven para algo tan sencillo como para entender las bromas durante las pasarelas de Rupaul’s Drag Race.

Cada cierto tiempo, encuentro con alguna película que me recuerda lo mucho que me gusta el cine. Me alegra que, esta vez, el turno sea el de una película de Martin Scorsese; siguiendo el archivo de este blog, mis experiencias viendo algunas de sus películas fueron bastante decepcionantes. Es algo que uno nunca espera pasar con un director tan premiado y alabado, razón por la cual también creo que deberíamos acabar con aquel pedestal en donde ponemos a varios artistas, ya que sólo genera expectativas o impide cualquier otro tipo de opinión distinta, por lo que, cuando decidí a ver "The King of Comedy", me quedé con lo que sabía: que era otra de las colaboraciones entre Martin Scorsese y Robert De Niro; ni siquiera quise internalizar todas aquellas referencias que se hizo a esta película durante la época de "Joker".

Teniendo una vez más a Nueva York como lugar de los hechos, la historia se centra en Rupert Pupkin (Robert De Niro), un aspirante a comediante bastante delirante, cuyo sueño es aparecer en la televisión y cuyo apellido nadie se molesta en pronunciar bien. La estrella favorita de Rupert es Jerry Langford (Jerry Lewis), una especie de David Letterman o Jay Leno, a quien sigue de manera enfermiza y peligrosa. Rupert, claramente, no lo ve de esa manera; él es sólo un profesional con un sueño que está dispuesto a cumplir, un hombre común y corriente que sólo necesita una oportunidad.

La convicción de Rupert podría ser admirable si no fuese por aquel detalle de su cegadora obsesión. No es difícil identificarse con el personaje o, incluso, sentir algo de cariño hacia él, ya que es muy convincente cuando se trata de su misión; además, tiene cierto carisma, es educado y de verdad cree que, como estrella emergente, merece un espacio en televisión. Si somos sinceros, ¿quién no ha practicado una futura entrevista en algún late show estadounidense? El problema es que Rupert es tan insistente que es inevitable no sentir vergüenza ajena tras cada uno de sus intentos de acercamiento a Jerry; hasta se vuelve incómodo pensar durante dos horas en qué tan gracioso es en realidad el número que quiere presentar en el programa del animador. ¿Es Rupert tan talentoso como asegura ser? ¿Es simplemente un psicópata? 

Porque si se trata de psicópatas, Jerry Langford los conoce bien. No sólo tiene que lidiar con los cada vez más peligrosos acercamientos de Rupert, sino que también tiene que evadir la inagotable insistencia de Masha (Sandra Bernhard), una obsesiva fanática quien es capaz de estar todo el día en las afueras del canal esperando a Jerry, de enviarle todas las cartas que pueda o de, incluso, entrar a su auto privado con tal de ser escuchada. Para mala suerte de Jerry, Masha y Rupert son amigos, ambos fanáticos sin control, dispuestos a hacer lo que sea con tal de conseguir la atención del animador.

La historia continúa entre escenas del día a día del personaje principal, las cuales se mezclan con sus fantasías, en donde él ya es un reconocido comediante y la relación con Jerry da un giro: él admira a Rupert y es quien necesita de su ayuda. Pareciera que ninguna escena sobra, ya que cada una es tan divertida, por más incómodo y desubicado que sea el momento; la gracia está, claro, en las actuaciones, pero también en ese humor negro que tanto funciona. La falla de Rupert con las tarjetas o el grito “I hope you get cancer!” todavía me hacen reír.

Zack Mayo (Richard Gere) es un joven cadete que nunca ha tenido una buena relación con su padre; un hombre distante y alcohólico que no lo trata con cariño; con la esperanza de tener una mejor vida, Zack se inscribe en una escuela de marina de Chicago, en donde el entrenamiento está dirigido por el exigente sargento Foley (Louis Gossett, Jr.). Al mismo tiempo, Zack conoce a Paula Pokrifki (Debra Winger) en una fiesta y ambos comienzan una intensa relación, pero el joven no puede sacarse de la cabeza la idea de que algunas de las mujeres del lugar sólo se involucran futuros pilotos debido al dinero.

A pesar de que pueda haber pasado a la historia como una trama algo cursi, no se puede negar que “An Officer and a Gentleman” tiene cierto grado de película icónica ochentera, muy al estilo de “Top Gun”; la película bordea la línea del romance y del melodrama, pero se atreve a correr riesgos y a tratar temas que, en aquella época, todavía eran muy complejos o controversiales.

“Fast Times at Ridgemont High” puede ser la típica comedia adolescente estadounidense, pero la crudeza y la ironía con las que la historia es tratada la convierten en un producto diferente. No me pareció un gran clásico, pero su estatus de icónica se debe a que no sólo fue el debut de Amy Heckerling, sino que también fue el debut actoral de Nicolas Cage y el de Eric Stoltz, uno de los primeros papeles de Forest Whitaker y a que el guión de la película fue escrita por Cameron Crowe.

Ya de regreso en la base estadounidense, el pánico vuelve a aparecer cuando el perro rescatado se transforma en una especie de monstruo y ataca al resto de las mascotas. Los norteamericanos consiguen hacerle una autopsia y descubren a una criatura extraterrestre dentro del cuerpo, la cual puede imitar otras formas de vida, por lo que ahora comienzan a sospechar tanto de sí mismos como de la misma criatura que está libre por el lugar, tratando de asesinarlos.

Con un ambiente extremadamente solitario y decorado por la música de Ennio Morricone, “The Thing” es tan entretenida como tenebrosa. Quizás los efectos dejen algo que desear, pero tienen esa mezcla justa de morbo y asco que los convirtieron en una especie de efectos de culto.

Antes de decidirme a ver "Sophie's Choice", sabía que Meryl Streep había aprendido polaco para poder hablar alemán e inglés con acento, justamente, polaco; una decisión que, como fanática de los idiomas, siempre he admirado. Sobre la decisión que Sophie tomó, no sabía mucho y la película se toma su tiempo antes de contarnos. De hecho, sorprende que no comience contando la historia de Sophie Zawistowski (Meryl Streep), sino que la de Stingo (Peter MacNicol), un joven aspirante a escritor que se muda a Nueva York. 

En una humilde pensión, Stingo conoce a Sophie y a Nathan Landau (Kevin Kline), su novio. Sophie es una tímida y tierna sobreviviente del Holocausto, mientras que Nathan es un alegre y, al mismo tiempo, agresivo hombre que dice trabajar como químico. Los tres comienzan una linda amistad, pero los ataques de celos de Nathan y su agresividad arruinan las cosas. Sophie trata de refugiarse en Stingo y, poco a poco, le cuenta cosas sobre su triste pasado: su anterior matrimonio, el calvario de haber estado en un campo de concentración y, finalmente, la decisión que marcó su vida para siempre. 

Creo que nunca había llorando tanto con alguna escena de alguna película. Es una secuencia tan desgarradora y tan cruel que es imposible no sentir algo de la pena que el personaje de Sophie demuestra; completamente devastadora.