We'll always have Paris

Más allá de necesitarla para conocer el otro lado de la personalidad de Elvis, la necesitábamos porque nunca estará de más escuchar la versión de la propia Priscilla Presley acerca de sus años junto al músico; la diferencia de edad entre ambos o el abandono de la joven en la mansión de Graceland siempre fueron tratados como curiosidades o simple trivia pasajera ya parte de la cultura popular y no como los complejos temas que debieron ser incluso en aquella época más conservadora. Gracias al trabajo de Sofia Coppola, al fin pudimos tener la versión de Priscilla en pantalla grande.

Basándose en la autobiografía que Priscilla escribió en 1985, “Elvis and Me”, la película nos cuenta la historia de una joven e ingenua niña llamada Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny) que pasaba los días como una estudiante en una base estadounidense en Alemania mientras su padre se encontraba sirviendo en aquel país. Con apenas catorce años, Priscilla es invitada a la residencia de Elvis Presley (Jacob Elordi), quien no disimula su atracción por la adolescente a pesar de ser diez años mayor que ella. Aun cuando sus padres demuestran algo de desconfianza, Priscilla continúa siendo invitada a las fiestas de Elvis y, cuando cumple diecisiete años, el músico la lleva a vivir a Graceland.

Siempre fue incómodo darse cuenta de la diferencia de edad entre ambos, pero ver aquella diferencia plasmada en cada escena es perturbador; incluso la diferencia de estatura entre ambos actores principales ayuda a resaltar aquel detalle, por lo que no creo haya sido algo elegido a la ligera. Elvis inscribe a Priscilla en un colegio para que termine su último año de secundaria, le aconseja qué colores usar, de qué manera maquillarse y también le da pastillas para mantenerse despierta en clases o para poder dormir luego de un intenso día en casa. La adolescente Priscilla ni siquiera cuestiona estas actitudes, las cuales sabemos perfectamente que pertenecen a la guía básica de un manipulador en cuestión, pero para ella son simplemente cualidades que forman parte de la personalidad de su novio.

A través de escenarios suaves y pasteles, Sofia Coppola crea un contraste entre la inocencia de Priscilla y el abuso de Elvis; el dormitorio completamente rosado de una adolescente, su delicada voz que nunca se altera, su caligrafía infantil y su ingenuidad no van de la mano con la manipulación, los gritos, los engaños y los trasnoches a los que estuvo expuesta, detalles que siempre aparecen para recordarnos la dinámica que había en la pareja. Si la ya conocida diferencia de edad incomodaba, la mayoría de las escenas en “Priscilla” aumenta aquella incomodidad como debió haber sido en épocas anteriores.

El mérito no es sólo de Sofia Coppola, ya que gran parte de lo que consigue que la película funcione son las actuaciones de Cailee Spaeny y de Jacob Elordi. Cailee lleva todo el peso de la cinta sobre sus hombros, pero lo hace con una gracia, delicadeza y fuerza necesaria como para brillar por sí misma; por otro lado, se agradece que Elordi no haya caído en aquellas interpretaciones método que bordean la ridiculez como lo hizo su más cercano antecesor, Austin Butler, quien, con un acento estadounidense sureño y un tono de voz diez veces menor al propio, provocó mucha más vergüenza ajena que admiración. Elordi admitió que sólo sabía de Elvis Presley porque vio “Lilo & Stich” y con eso fue suficiente.

Como buena película biográfica, “Priscilla” no ha estado exenta de polémicas y una de ellas está relacionada con la propia hija de Priscilla y Elvis, Lisa Marie, a quien le parecía que el guión sólo retrataba a su padre como un depredador y un manipulador y que la perspectiva de la historia sólo era una vengativa y despectiva. Imagino que la mayoría de los fanáticos de Elvis pensarán de la misma manera, pero se les olvida que no tienen nada de qué preocuparse; por más que se intente “dañar” la imagen de alguno de los ídolos clásicos de la música o de actores reconocidos, estos intentos son pasajeros y sus reputaciones vuelven a quedar tan intactas como siempre.

A pesar de aquello, películas como “Priscilla” siguen siendo necesarias; podemos entender un punto de vista que no habíamos visto antes y, lamentablemente, debemos recordar que relaciones como a la que Priscilla estuvo expuesta se dan en todos los ámbitos y en todas las épocas. Ahora está en nosotros, como sociedad, evitar que estas historias sigan ocurriendo y poder al fin sentir aquella especie de libertad y de alivio con la que “Priscilla” prefiere cerrar.

Dirigida por Steve Beck, la película nos mostraba el nuevo hogar que la familia Kriticos heredaba tras la muerte de un misterioso pariente, quien estaba obsesionado con todo lo relacionado a lo paranormal; estaba tan obsesionado que uno de sus pasatiempos era coleccionar fantasmas. Con la ayuda de unos visores especiales, los protagonistas podían ver a los trece fantasmas que convivían en aquel hogar, uno más terrorífico que el siguiente. Además de los efectos especiales que destacaban en cada fantasma, recuerdo que me gustaban mucho también sus historias y las razones de sus violentos decesos. Aparecían casi de la nada a través de las distintas paredes de vidrio y estaban dispuestos a lo peor; por supuesto que veía la película tan fascinada como aterrorizada.

Siempre pensé que la trama de “Thirteen Ghosts” era una idea muy original, pero no fue hasta hace unos días que me enteré que la película es, en realidad, un remake de la cinta de 1960, dirigida por William Castle. Tal y como sucede con muy pocos remakes, de hecho, la versión de 2001 es una versión elevada de la original, ya que se tomó la libertad de modificar la trama, mejorar los efectos especiales y provocar terror gracias a esas técnicas que, a estas alturas del juego, podemos reconocer en la mayoría de las películas de este género.

Si la versión de 2001 contaba la historia de un viudo y sus dos hijos, la versión de 1960 nos muestra a una perfecta e ideal familia estadounidense, digna de un capítulo de The Donna Reed Show. El clan Zorba está compuesto por Cyrus (Donald Woods) y Hilda (Rosemary DeCamp), los padres, además de sus dos hijos, Medea (Jo Morrow) y Buck (Charles Herbert); la familia está pasando por un pésimo momento económico, por lo que aceptan de inmediato el hogar que acaban de heredar tras la muerte de un tío de Cyrus; el abogado a cargo de entregar la herencia no les esconde el hecho de que la casa está embrujada, pero, como buena familia estadounidense, los Zorba se mudan de inmediato e inauguran su estadía con un pequeño juego de ouija.

Tal y como el abogado les advirtió de la presencia de trece fantasmas que deambulan por toda la casa, la película comienza con una advertencia por parte del mismo director de la cinta de que estamos a punto de entrar a un mundo perturbador, muy al estilo de Alfred Hitchcock Presents. William Castle insiste en la idea de utilizar unos lentes que tienen un filtro rojo y otro azul apenas la pantalla cambie del clásico blanco y negro y lamenté no tener unos lentes 3D para poder disfrutar las escenas venideras, pero las restauraciones modernas de la película no los necesitan, por suerte. En ciertas escenas que podemos reconocer como claves, la pantalla cambia de color y los fantasmas aparecen con un intenso color rojo, el cual contrasta de manera perfecta con el color azul de fondo; sólo puedo imaginar la fascinación que se debió sentir ver esta técnica en aquella época y envidio la suerte de algunos, sobre todo cuando mi primera experiencia con lentes 3D fue una película de Marvel que no vale la pena mencionar.

Además de los increíbles efectos de “Thirteen Ghosts”, otro detalle que sobresale increíblemente es la participación de Margaret Hamilton como Elaine Zacharides, la ama de llaves que rehúsa dejar el hogar en donde trabajo durante décadas; los niños bromean y la tratan de bruja, pero Elaine se convertirá en un personaje clave para el entendimiento de los fantasmas y la resolución del conflicto, dándonos incluso un pequeño easter egg al tomar una escoba y sonreír disimuladamente a la cámara. La Malvada Bruja del Oeste estuvo de vuelta al menos por unos minutos.

No sé si ahora pudiera elegir entre una versión u otra, ya que ambas películas tienen elementos rescatables. Por una parte, la cinta de 1960 cuenta con aquella vibra escalofriante del cine de terror en blanco y negro, así como también con efectos que debieron ser todo un logro para la época, pero el remake de 2001 elevó estos efectos de una manera distinta, también acorde al cine de terror de la época, uno más gore y más gráfico que el de la década de los sesenta. La versión de 2001 también dedicó más tiempo a desarrollar un trasfondo para cada uno de los fantasmas, quienes tenían historias tan definidas que cualquiera de ellos podría ser la razón de un spin-off o una serie limitada de cualquier servicio de streaming.

Si es que algún día la huelga de actores y guionistas se resolviera, me encantaría ser ilusionada con una versión de "Thirteen Ghosts" al estilo de "The Haunting of Hill House".

Mejor Director: Daniel Kwan y Daniel Scheinert, Everything Everywhere All At Once

Mejor Actor: Brendan Fraser, The Whale

Mejor Actriz: Michelle Yeoh, Everything Everywhere All At Once

Mejor Actor de Reparto: Ke Huy Quan, Everything Everywhere All at Once

Mejor Actriz de Reparto: Stephanie Hsu, Everything Everywhere All at Once

Mejor Guión Original: Everything Everywhere All at Once

Mejor Guión Adaptado: Women Talking

Mejor Película Extranjera: Argentina, 1985

Un resultado muy diferente es el que logra “Her Smell”, película dirigida por Alex Ross Perry, ya que, al crear una banda ficticia, se puede decir y representar mucho más de lo que alcanza una biopic; además, la historia se centra en el comienzo del fin, la decadente carrera musical de la banda Something She, banda que, si antes solía llenar estadios, ahora sólo debe conformarse con tocar en pequeños recintos y soportar los excesos de su vocalista principal, Becky Something (Elisabeth Moss).

Intercalando la caída de Becky con videos caseros sobre los mejores momentos de la banda, aquellos en donde conseguían portadas de revistas o discos de oro, “Her Smell” también muestra las dificultades de aquellos que rodean a Becky; sus compañeras de banda, Marielle Hell (Agyness Deyn) y Ali van der Wolff (Gayle Rankin) ya no pueden lidiar con aquellas actitudes autodestructivas y cuestionan su estadía en el grupo. Danny Something (Dan Stevens), ex pareja de Becky, sufre al ver cómo su pequeña hija, Tama, interactúa con una madre irresponsable y negligente, mientras que Howard Goodman, dueño de la discográfica que contrató a Something She, ve cómo el comportamiento de Becky pone en peligro su empresa y su patrimonio.

A través de cinco actos impredecibles y claustrofóbicos, “Her Smell” nos muestra el peor lado de la personalidad de Becky, uno irresponsable, inmaduro, dependiente de sustancias y de falsos gurús que se aprovechan de su vulnerabilidad, uno que podría hasta arriesgar el futuro musical de Akergirls, una banda compuesta también por tres mujeres que tienen la imagen de Becky sobre un pedestal; nadie sabe qué hacer con Becky y no podemos culpar a sus cercanos cuando confiesan que sólo quieren alejarse de ella. Aquella vida de excesos y música puede ser considerada glamorosa desde el exterior, pero “Her Smell” nos recuerda que sólo es una fachada y una dolorosa e incómoda realidad.

Elisabeth Moss es una protagonista increíble, un hecho que ella demuestra también en televisión, gracias a “The Handmaid’s Tale”; en esta película, Moss es capaz de hacernos aborrecer a un personaje durante sus momentos más caóticos y problemáticos, así como también hacernos sentir compasión durante sus momentos más pacíficos e introspectivos, por ejemplo, cuando el personaje de Becky entona una linda versión de “Heaven” frente a su pequeña hija. La música es una clara protagonista también y el soundtrack, a cargo de Alicia Bognanno y de Keegan DeWitt, atrapa todo ese espíritu punk que las bandas femeninas han sabido demostrar.

A pesar de que “Her Smell” cuenta el clásico descenso de un artista debido a sus propios excesos, me pareció que la película cuenta con un tono original, después de todo; es impredecible, incluso hasta el último momento, y conmueve hasta en los peores momentos de la protagonista. Quizás sea un tanto extensa, pero las actuaciones y la música valen la pena.