We'll always have Paris

Para entristecer todavía más el panorama, nos encontramos en el año 2065, en un contexto casi postapocalíptico en donde el agua es escasa y los efectos del cambio climático son evidentes, pero el gobierno ha estado desarrollando experimentos que permitirán la vida en el espacio. Junior es seleccionado al azar como uno de los participantes que podrá viajar y comprobar de primera fuente si es posible cambiar a toda la humanidad de planeta, por lo que al hogar llega Terrance (Aaron Pierre), un empleado del gobierno, a registrar pruebas y a observar la dinámica entre Junior y Henrietta.

Como si un viaje al espacio no fuese poco para alterar la ya incómoda rutina entre el matrimonio, Terrance les informa que una réplica de Junior acompañará a Henrietta durante la ausencia del marido para que ella no quede completamente sola en la Tierra. Las cosas comienzan a cambiar entre ellos; si en un principio podíamos notar que había cierta distancia, la idea del viaje y de pasar un año separados comienza a unirlos y aquella llama de los primeros años de matrimonio pareciera volver a encenderse.

Lamentablemente, no es mucho lo que puedan hacer en el desierto, durante la preparación para el viaje o con una historia a la que le falta emoción y acción. Más que un thriller de ciencia ficción, “Foe” parece un drama más sobre el distanciamiento de un matrimonio y la manera en que ambas partes conllevan el conflicto; en ese sentido, al menos las actuaciones de Paul Mescal y de Saoirse Ronan cumplen, pero la película se vuelve larga, lenta y tan apagada como el lugar en donde sus personajes viven. “Foe” no gira alrededor del fin del mundo ni de la verdad acerca del apocalipsis ni tampoco de la tecnología que podríamos tener dentro de cuatro décadas, nada de eso es importante para los personajes principales cuando lo único con lo que deben lidiar es con la crisis de su relación; no hay otros detalles interesantes más allá de un auto que se conduce solo y un par de naves por ahí.

Se supone, además, que la película tiene un plot twist cerca del final, pero todo el desarrollo hacia él se siente vacío y la gran revelación no tiene la emoción necesaria como para causar una impresión de esas que se quedan contigo hasta tiempo después de haber visto la película. Garth Davis, el director, consiguió emocionar más con su cinta anterior, “Lion”, y ya sé que esa historia es una que busca emocionar y sacar lágrimas, pero al menos tenía diálogos y situaciones más cautivantes.

Quizás “Foe” sea de esas películas que no le hacen justicia al libro o quizás haya que leer el libro primero, pero al menos consiguió capturar y traspasar esa atmósfera inerte, aburrida y silenciosa del mismo sector en donde sus personajes esperan seguir viviendo.

La dinastía Tudor siempre será una de las dinastías más interesantes de la historia universal, por lo que cada interpretación en la pantalla grande de alguno de sus personajes es bienvenida y celebrada. Los más recientes retratos son el de Mary I, reina de Escocia, y el de su prima, la reconocida reina Isabel I de Inglaterra; de la mano de Saoirse Ronan y de Margot Robbie, respectivamente, “Mary Queen of Scots” podría haber sido un drama histórico obligatorio, pero dos actuaciones no siempre pueden llevar el peso de toda una película.

Dirigida por Josie Rourke, “Mary Queen of Scots” nos ofrece una mirada más feminista a aquellas figuras históricas, lo que permite recrear escenas relacionadas al período menstrual de la reina de Escocia, por ejemplo, o a una práctica de cunnilingus que muchos directores parecen siempre querer esquivar. Rourke también decidió darle a su debut como directora la opción del colour-blind casting, práctica gracias a la cual podemos ver a actores afroamericanos o asiáticos interpretando a personajes que fueron caucásicos, como es el caso de Adrian Lester (Lord Thomas Randolph) y el de Gemma Chan (Elizabeth Hardwick); es una decisión interesante y ojalá pudiera aplicarse en el proceso de casting de personajes principales también, aunque los expertos en exactitud histórica, y el público en general, se escandalizarían.

A pesar de que sí hubo molestias ante ciertos hechos que no concuerdan con la realidad de ambas reinas, “Mary Queen of Scots” logra mostrar las luchas y conflictos que las monarcas debieron enfrentar en otras épocas todavía más sexistas que las actuales. Por un lado, Mary I tuvo que defender el que afirmaba como su derecho al trono y tuvo que ceder ante la presión de contraer matrimonio y engendrar un heredero; mientras que, por el otro, Isabel I no cedió ante aquella presión, pero sí vio en peligro su trono durante la mayoría de su reinado, peligro que involucraba también a Mary I. A pesar de que, en un principio, su comunicación por cartas era amistosa, pronto ese cariño se transformó en hostilidad y Mary tuvo que recurrir a una reunión en persona con Isabel.

Los hechos que suceden en “Mary Queen of Scots”, antes de que ambas gobernantes por fin se vean cara a cara, ocurren con tanta lentitud y tan poco carisma que parecieran conducirnos a, prácticamente, nada. Donde, de verdad, recae toda la importancia y el peso de la historia es en el encuentro de ambas primas y aquella secuencia no decepciona. Saoirse Ronan y Margot Robbie están a la altura y, tanto sus actuaciones como sus interacciones, están llenas de sufrimiento, empatía y respeto mutuo; a pesar de las diferencias entre ambos personajes, no pueden evitar darse cuenta de que las dos han vivido situaciones similares debido a las decisiones y caprichos de los hombres a su alrededor, quienes se interponen en sus deseos y en sus maneras de gobernar.

Sin embargo, una escena casi final, y de apenas unos minutos, no compensa toda la tardanza que nos llevó llegar hasta aquel momento tan esencial en “Mary Queen of Scots”. 

Sin embargo, el detalle que convertía a la noticia en algo más interesante era el hecho de que la nueva película sería dirigida por Greta Gerwig, lo que significaría su segundo trabajo como directora; su visión de distintas historias siempre tiene un detalle o un giro que cautiva. En "Little Women", Gerwig decidió contar el relato de las hermanas March a través de una serie de flashbacks, las cuales mezclan el pasado y el presente. Siendo también bastante fiel al libro de Louisa May Alcott, esta nueva versión nos presenta a los entrañables personajes desde una mirada, incluso, más feminista.

Los personajes de Jo (Saoirse Ronan) y de Amy (Florence Pugh) realmente se lucen en esta entrega; parecen haber sido escritos con mucha más personalidad y brillan durante un par de monólogos. La frustración de Jo frente al hecho de que las mujeres eran tratadas sólo como un objeto matrimonial traspasa la pantalla y la actitud de Amy frente al matrimonio es una con la cual nos podemos identificar hasta en una época algo más amigable con las mujeres.

Greta Gerwig consiguió tomar temáticas del siglo pasado y adaptarlas bajo una mirada moderna y feminista, una mirada que siempre llegará a nuestro corazón; ella nunca decepciona.

“Lady Bird” cuenta la historia de Christine McPherson (Saoirse Ronan), una adolescente de diecisiete años que ordena a su familia y compañeros de colegio a llamarla Lady Bird y quien sueña con estudiar en una universidad ubicada en la costa este. Lady Bird es alumna de un colegio católico, adora a su mejor amiga, Julie Steffans (Beanie Feldstein), pero lleva una complicada relación con su madre, Marion (Laurie Metcalf).

La película se centra en el último año de secundaria de Lady Bird, durante el cual debe postular a una universidad, sufre debido a su primer amor y a su primera experiencia sexual, pelea con su mejor amiga y la relación con su madre pareciera empeorar cada día; la película también dedica momentos a personajes entrañables como el de Julie o el padre Leviatch (Stephen McKinley Henderson), así como también nos hace empatizar con Lady Bird y Marion, ya que la dinámica madre-hija debe ser la relación más complicada que existe.

"Lady Bird" no propone nada nuevo, pero sí cuenta la misma historia que ya hemos visto de una manera distinta, adorable y divertida.

"The Grand Budapest Hotel" comienza de una manera muy didáctica y bonita. Una joven visita un monumento dedicado a un escritor; luego, aquel escritor nos cuenta cómo la historia de su libro llamado "The Grand Budapest Hotel" se dio. Desde ese momento, viajamos al pasado, guiados por el mismo escritor, pero en su versión joven (Jude Law). Mientras se hospedaba en el hermoso hotel Budapest, el escritor conoce a su dueño, el señor Moustafa (F. Murray Abraham); él lo invita a cenar y le cuenta la historia de cómo se convirtió en el dueño del hotel y en un hombre millonario de la noche a la mañana. Todo sucedió gracias a Monsieur Gustave (Ralph Fiennes), el mejor conserje en la historia del hotel. 

Monsieur Gustave era un excéntrico personaje al que todos adoraban, sobre todo las mujeres mayores de edad; una de ellas, Madame D. (Tilda Swinton), está completamente enamorada de él. Lamentablemente, Madam D. muere y, es tanto el cariño que Monsieur Gustave siente por ella que viaja hasta su funeral en compañía de Zero (Tony Revolori), un fiel botones a quien el conserje decide proteger y educar. Monsieur Gustave ha heredado uno de los cuadros más valiosos de la colección de Madame D., pero su hijo, el malvado Dmitri (Adrien Brody), no dejará que Gustave se quede con él. Gustave roba el cuadro y Dmitri lo acusa del asesinato de su madre. Gustave y Zero no tienen más opción que escapar como prófugos.

Nunca había sentido mucha estima por Ralph Fiennes, pero después de verlo como Monsieur Gustave, es imposible no terminar amándolo. Wes Anderson escribió un personaje interesante, divertido, intelectual, excéntrico, algo cruel y algo desubicado, pero debe ser uno de los mejores personajes dentro de toda su filmografía. "The Grand Budapest Hotel" es tan divertida como su personaje principal y, en cuanto a estética, el estilo de Anderson nunca decepciona; es cinematográficamente hermosa.