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We'll always have Paris


Momentos antes de que comenzara “Inside Out”, el cortometraje llamado “Lava” hace su aparición. 

Basándose en aquellas islas del Océano Pacífico, la película cuenta la historia de amor entre dos volcanes. “Lava” es un corto demasiado hermoso y emotivo, cuya canción principal, inspirada en la música de Israel Kamakawiwoʻole, es capaz de hacer llorar a cualquiera.

Los volcanes también tienen sentimientos.
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Pixar se ha caracterizado por darle un toque más humano a cosas inertes. Hemos visto que los juguetes tienen sentimientos, también los peces, los monstruos, los autos, pero ahora Pixar se preguntó: y, ¿si los sentimientos tuviesen sentimientos?

Riley Andersen (Kaitlyn Dias) es una niña de once años que ha vivido una infancia completamente normal e increíblemente feliz, pero su tranquilidad se ve interrumpida cuando su familia se muda a San Francisco y los sentimientos en su cabeza comienzan a alterarse. Alegría (Amy Poehler) es la emoción principal de Riley, maneja sus respuestas y reacciones, y quiere que esta mudanza ocurra con la mayor naturalidad posible.

Alegría no contaba con la reacción del resto de sus compañeros: Furia (Lewis Black) está molesto con la tardanza, Temor (Bill Hader) se pone nervioso con cada nuevo traspiés, Desagrado (Mindy Kaling) no puede más con la incomodidad y los olores extraños y Tristeza (Phyllis Smith) está a punto de colapsar, por lo que Alegría hace su mejor esfuerzo para que todo siga con normalidad.

Alegría no entiende las repentinas actitudes nostálgicas de Riley, por lo que de inmediato trata de censurar a Tristeza. Cuando Riley comienza a llorar delante de todo su nuevo curso y crea un pensamiento central de color azul, no amarillo como el resto de sus recuerdos principales, Alegría y Tristeza se pelean y son succionadas hasta la memoria a largo plazo, por lo que ahora Desagrado, Furia y Temor están a cargo de las reacciones de Riley.

“Inside Out” debe ser la película más inteligente de Pixar a la fecha y, personalmente, la que más me ha emocionado. Es didáctica, entretenida y una clara metáfora a aquellos episodios depresivos que no sabemos muy bien cómo manejar. El mensaje y la lección que Alegría aprende es, finalmente, la reivindicación de la tristeza, un sentimiento siempre mal visto, pero que, en esta película, cumple una función totalmente necesaria.

Sin Tristeza, no podría haber Alegría.

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Al igual que la película anterior de la filmografía de Gaspar Noé que vi, “Irréversible” también tiene fama de ser una cinta controversial, violenta, perturbadora, de esas películas que las personas no pueden ver por completo, que tuvieron que dejar la sala de cine durante el estreno en Cannes, con síntomas de náuseas y mareos incluidos.

Con la sabida advertencia de que “Irréversible” contiene una escena de violación bastante gráfica, me aventuré a ver esta película de todos modos. Otro dato importante que hay que saber antes de ver esta cinta es que la historia está contada al revés, ya que Gaspar Noé decidió aprovechar la fama que “Memento” estaba teniendo por aquella época.

Empezamos, entonces, con los hechos ocurridos fuera de un club gay llamado The Rectum. Marcus (Vincent Cassel) y Pierre (Albert Dupontel) buscaban al hombre que había atacado a la novia de Marcus, Alex (Monica Bellucci); Alex se encuentra en estado de coma en el hospital, luego de haber sido brutalmente violada y golpeada por un proxeneta llamado Le Tenia (Jo Prestia). Momentos antes, Alex, Marcus y Pierre habían estado en una fiesta, pero la actitud irresponsable de Marcus había aburrido a Alex.

Recuerdo que mi primera experiencia viendo una película de Gaspar Noé fue bastante particular debido a lo que fue aquel viaje algo alucinógeno, pero esta segunda experiencia fue una muy incómoda y también perturbadora. Primero, hay una atmósfera que te hace sentir muy extraño, hay algo en la música y en los cambios de escena que no es muy agradable. Segundo, aquella totalmente innecesariamente extensa escena de violación… 

Entiendo que a algunos directores les guste impactar con sus películas, pero no creo que sea necesario utilizar una de las peores cosas que nos pueden pasar, de manera tan gráfica, para causar algo en los espectadores. Cuando se trata de un tema tan delicado, una sola mención basta; como lo hicieron en “Mad Max: Fury Road”, por ejemplo: no hay ninguna escena de violación, pero ya podemos imaginar las cosas horribles que Immortan Joe hacía con sus esposas con tan sólo ver sus cinturones de castidad.

Creo que esta será la primera y última vez que veo “Irréversible”.

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Séverine Serizy (Catherine Deneuve) es una joven y hermosa ama de casa, cuyo mayor problema es la falta de intimidad con su marido, Pierre (Jean Sorel), un doctor que, a pesar de la frustración, la apoya de todas formas. Séverine sólo recurre a imaginar fantasías sexuales, las cuales implican sadomasoquismo, cuerdas, dominación y sumisión; es la única manera en la que ella puede expresar su sexualidad.

Cierto día, una amiga le cuenta que una conocida, llamada Henriette, trabaja en un burdel. La curiosidad es grande y Séverine decide visitar el lugar, el cual se encuentra en el Cité Jean de Saumur. Madame Anaïs (Geneviève Page), la dueña del burdel, contrata de inmediato a Séverine y le da el nombre de “Belle de Jour”. El trabajo es complicado en un principio, pero no es nada comparado con la presencia de Henri Husson (Michel Piccoli), un amigo de Pierre que siempre molesta a Séverine, y la de Marcel (Pierre Clémenti), un criminal que se enamora de la protagonista.

Además del perfecto sentido de la moda del personaje principal, me sorprendió mucho la trama de “Belle de Jour” y la manera en que es retratada. No dudo que debió haber sido bastante controversial para la época, pero también debe ser considerado un avance ver una película que gire alrededor de una mujer y que hable de ciertos problemas que, hasta en esta época, todavía son tabúes.

También me sorprende que la dirección hasta estado a cargo de Luis Buñuel. Lo último que vi de su filmografía fue “Un Chien Andalou”, nada parecido a “Belle de Jour”, la cual tiene toda una cinematografía muy parecida a la ya característica de la nouvelle vague, pero siempre es bueno ser sorprendida de esta manera.
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Michael (Jason Patric) y Sam (Corey Haim) son dos hermanos que llegan a vivir a la ciudad de Santa Carla, en California, ya que sus padres se acaban de divorciar. El lugar parece ser una típica bahía californiana, llena de personas y panoramas, pero también existen muchos letreros de personas desaparecidas.

Pronto la familia comienza a adaptarse. La madre de los protagonistas, Lucy (Dianne Wiest) consigue trabajo en una tienda de videos, de la cual Max (Edward Hermann) es el dueño. Sam conoce a dos hermanos en una tienda de comics, Edgar (Corey Feldman) y Alan Frog (Jamison Newlander), quienes le advierten cómo protegerse de supuestas presencias vampíricas que rodean Santa Carla.

Al mismo tiempo, Michael se enamora de Star (Jami Gertz), una hermosa joven que es novia de David (Kiefer Sutherland), el líder de una pandilla de motociclistas; al ver el aspecto de David, nadie puede culpar a Star. David invita a Michael a unirse al grupo y este bebe lo que le sirven, a pesar de las advertencias de Star. A la mañana siguiente, Michael experimenta raros síntomas que sólo Sam puede deducir: su hermano se está convirtiendo en un vampiro.

Toda la reputación que rodea a “The Lost Boys” habla de lo interesante y terrorífica que era para la época, que también era un gran ejemplo del género de los vampiros y que Kiefer Sutherland actuaba tan bien como siempre, pero el hecho de que la película tuviera sus momentos de humor y aventura realmente me sorprendió. Además de retratar a los vampiros como las estrellas de rock que, probablemente, son dentro del mundo de los monstruos fantásticos, “The Lost Boys” también es muy, muy entretenida; es de esas películas adolescentes ochenteras que siempre vale la pena ver.
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Richard Curtis está detrás de la mayoría de mis comedias románticas favoritas: “Four Weddings and a Funeral”, “Notting Hill”, “Bridget Jones’s Diary”, “Love Actually” y “The Boat That Rocked”, por ejemplo, historias tan adorables como divertidas. No era sorpresa que me enamorara también de su última obra como director.

“About Time” cuenta la historia de Tim (Domhnall Gleeson), quien vive en una hermosa casa cerca de la playa, en la ciudad de Cornwall, junto a su excéntrica familia. Su padre, James (Bill Nighy), pasa todo el tiempo leyendo libros y escuchando a B.B. King; su madre, Mary (Lindsay Duncan), es algo más seria, mientras que su tío Desmond (Richard Cordery) es un personaje bastante distraído. Tim también tiene hermana menor, llamado Kit Kat (Lydia Wilson), divertida, alegre y fanática del color morado. La familia es muy unida y disfrutan de picnics en la playa y ver películas en el jardín durante las noches de verano.

Cuando Tim cumple veintiún años, su padre le informa sobre un gran secreto familiar: todos los hombres del clan tienen la capacidad de viajar en el tiempo. Por supuesto que Tim no le cree, pero cuando comprueba que su padre está diciendo la verdad, el joven decide utilizar su nuevo poder para poder encontrar al amor de su vida. Un romántico empedernido, Tim lo intenta primero con Charlotte (Margot Robbie), una amiga de Kit Kat, pero no es hasta que conoce a Mary (Rachel McAdams) que Tim realmente se enamora.

La belleza de “About Time” no sólo recae en la historia de amor principal, con vestido rojo perfecto y “Il Mondo” sonando alrededor, sino que también recae en cada uno de sus personajes secundarios. Rcihard Curtis tiene un talento enorme para escribir un conjunto de personajes, en donde ninguno está de más y cada uno tiene su parte de importancia en la historia. La familia Lake es tan adorable como el grupo de amigos de “Notting Hill”.

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Cuando se habla de películas de terror, siempre se menciona a “The Evil Dead” como uno de los grandes ejemplos del género que fueron realizados durante la década de los ’80; se destaca por la reputación de su director, Sam Raimi, o por el hecho de que fue producida con unos cien mil pesos y logró convertirse en un gran éxito, el cual significó secuelas y un remake estrenado hace dos años.

La curiosidad por ver a aquellos cinco estudiantes metidos dentro de una cabaña era grande. La historia comienza cuando Ash (Bruce Campbell), su hermana Cheryl (Ellen Sandweiss) y sus amigos Scott (Richard DeManincor), Linda (Betsy Parker) y Shelly (Theresa Tilly) deciden pasar un fin de semana de relajo en una cabaña bastante alejada del mundo.

El terror comienza de inmediato con Cheryl, quien comienza a escuchar voces demoníacas y siente que su cuerpo está siendo poseído. El resto del grupo descubre un extraño libro y, rompiendo las reglas de las películas de terror, lo leen. Cheryl decide salir al bosque para investigar ciertos ruidos, pero termina siendo poseída por un demonio. El grupo, entonces, debe enfrentar aquella presencia y tratar de salir con vida del lugar.

A pesar del obvio bajo presupuesto de “The Evil Dead”, no es sorprendente que se haya convertido en un clásico de culto; es una película muy entretenida y sí cumple con asustarte. Puede salir una risa de vez en cuando con algunos de los efectos o el maquillaje, pero eso no le resta importancia.
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Estocolmo, 1982. Oskar (Kåre Hedebrant) es un niño de doce años, que vive con su madre Yvonne (Karin Bergquist) en el suburbio de Blackeberg. Oskar es solitario, tímido y víctima del bullying de sus compañeros de colegio, por lo que pasa las noches imaginando maneras de vengarse de ellos.

Cierto día, unos nuevos vecinos llegan al departamento de al lado: Håkan (Per Ragnar) y Eli (Lina Leandersson), quienes parecer ser padre e hija. Eli de inmediato llama la atención de Oskar, ya que parece una niña tan solitaria como él; además, su aspecto increíblemente pálido no puede pasar desapercibido. Este dato, además del hecho de que Håkan pasa todas las noches recolectando sangre humana para Eli, nos dejan entrever su verdadera identidad.

El ambiente frío y oscuro de los días en Estocolmo se convierte en el ambiente perfecto para una película de terror y los creadores de “Let The Right One In”, su título en inglés, aprovecharon cada recurso que la ciudad les ofrecía. La película es terrorífica, intimidante y helada, en todo sentido de aquella palabra; es una prueba más de la reivindicación del género de los vampiros como género del terror.
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Por lo general, un musical sobre una princesa que traspasa hacia nuestro mundo, todo creado por Disney, no sería una de las primeras opciones para ver una película por diversión; por distracción, quizás, para que suene algo de fondo. Pero cuando el elenco es interesante, puedes pensarlo dos veces.

Comenzando con una clásica animación, “Enchanted” nos muestra a Giselle (Amy Adams), una bella e ingenua joven que vive en el reino de Andalasia y que sueña con vivir un “felices para siempre”. El príncipe Edward (James Marsden) se enamora de ella y le propone matrimonio, pero su malvada madrastra, la reina Narissa (Susan Sarandon), quiere mantener su trono y planea deshacerse de Giselle.

Disfrazada de anciana, Narissa empuja a Giselle hasta el fondo de un pozo, el cual trae a Giselle a nuestra época, justo en la ciudad de Nueva York. Dejando la animación atrás, “Enchanted” nos sigue contando las aventuras de Giselle en nuestro mundo, en donde conoce a Robert Philip (Patrick Dempsey), un abogado que no cree en el amor y está mucho más preocupado de su demandante trabajo.

A pesar de que no tenía muchas expectativas, “Enchanted” me hizo reír y disfrutar varias de sus canciones. Existen muchas referencias a aquellos clásicos de Disney y es genial ver a Amy Adams transformándose en una persona completamente distinta, tierna y adorable a más no poder.

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