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We'll always have Paris

 


Hace unos días, leí la noticia de que Kevin Spacey había encontrado un flamante nuevo trabajo; el actor, denunciado por acoso y abuso sexual de menores, se encuentra grabando una película en Europa, continente predilecto, al parecer, de quienes coleccionan denuncias en su contra y que desean continuar su carrera lejos del centro de la atención.

Cada vez que un hombre es acusado de este tipo de mal conductas, tanto él como sus defensores, de inmediato lamentan que tales acusaciones arruinen por completo su reputación y su carrera. Tras la aparición de estas acusaciones en la prensa, Roman Polanski ha ganado un premio Óscar y premios César como Mejor Director, Chris Brown continúa haciendo música, Casey Affleck ganó un Oscar como Mejor Actor y Donald Trump se convirtió en presidente de Estados Unidos. Que una acusación arruine para siempre la carrera de un hombre es algo que, lamentablemente, está lejos de ser una realidad. Kevin Spacey es, ahora, un ejemplo más.

No suelo separar al autor de la obra, por lo que he evitado cualquier película o serie en donde aparezca Spacey; todo iba bien, hasta que decidí ver “L.A. Confidential”, película estrenada en 1997 y ambientada en Los Ángeles, durante los años cincuenta. Siendo completamente sincera, no sabía de la participación de Spacey en esta película, por lo que me sorprendió su aparición dentro de los primeros minutos. El lado positivo es que, al menos, su personaje, Jack Vincennes, no es uno de los protagonistas.

La historia se centra en las investigaciones llevadas a cabo por dos detectives: Bud White (Russell Crowe) y Ed Exley (Guy Pearce). Por un lado, Bud investiga una empresa llamada Fleur-de-Lis, un servicio de prostitutas que transforma a sus trabajadoras en mujeres increíblemente parecidas a estrellas de cine; por el otro, Ed investiga un homicidio múltiple ocurrido en un café llamado Nite Owl, en donde dos de las víctimas unen a Bud con el caso.

Entiendo que “L.A. Confidential” sea, para algunos, un gran ejemplo de películas modernas sobre el género neo-noir, pero la participación de actores denunciados no me deja disfrutar, por completo, la experiencia. Podría aferrarme a la historia, pero no me pareció tan llamativa o pude haberme concentrado en el resto de los personajes, pero ninguno es merecedor de mayor atención tampoco.

Creo que, a estas alturas, ya no quiero perder mi tiempo viendo películas en las que participen abusadores o películas que tengan sólo de adorno al único personaje femenino con algo de relevancia.
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Los viajes a través de la extensa carretera estadounidense pueden ser el sueño ideal cuando se trata de cruzar el país de un extremo a otro. Hemos visto muchas aventuras de este estilo en películas como “Easy Rider” o “Little Miss Sunshine”, en comedias románticas como “It Happened One Night” e incluso en placeres culpables como “Crossroads”. Pero “Breakdown”, película dirigida por Jonathan Mostow, toma otra ruta.

Jeffrey (Kurt Russell) y Amy Taylor (Kathleen Quinlan) son un feliz matrimonio que ha decidido viajar en su nuevo y flamante jeep desde Boston hasta San Diego, ya que a Jeffrey le han ofrecido un trabajo en aquella ciudad. El viaje va bastante bien, hasta que Jeff tiene un roce con el chofer de una camioneta vecina y luego el jeep le juega una mala pasada. Un camionero le ofrece ayuda: lleva a Amy hasta el local más cercano para que ella pueda llamar una grúa. 

Por estas cosas de la suerte, Jeff consigue arreglar el jeep y conduce hasta el local, sólo para enterarse que Amy nunca llegó y que nadie más la ha visto por las cercanías. El feliz viaje pronto se transforma en una pesadilla: todo el mundo se comporta de manera hostil y, cuando Jeff por fin se encuentra con el camionero que ofreció ayuda, este insiste en que nunca ha llevó a ninguna mujer a ningún lugar y que a Jeffrey tampoco lo conoce. El viaje en carretera ahora es el escenario ideal para una película de terror.

Tampoco somos ajenos a esas historias. Películas como “The Texas Chainsaw Massacre” o “The Hill Have Eyes” nos han enseñado a no confiar en extraños y cuidarnos siempre de aquel desolado desierto, en donde podemos encontrar, prácticamente, cualquier tipo de amenaza. Quizás “Breakdown” hubiese funcionado mejor como una película de esas que se estrenaron en la década de los ochenta, pero los guiños a Stuntman Mike fueron interesantes de ver de todas formas.

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“Tesis”, la ópera prima de Alejandro Amenábar, director español nacido en Chile, es una de esas películas que te deja pensando varios días en lo que acabas de ver. No sólo tiene una trama interesante, si no que aprender que existe esa cultura de las películas snuff es chocante. A Amenábar le fue tan bien luego del estreno que su segunda película, “Abre los Ojos”, hasta consiguió el trato estadounidense mencionado en la entrada anterior: un remake llamado “Vanilla Sky”, dirigido por Cameron Crowe, que en alguna época me gustó. La moraleja es que, si Hollywood hace un remake de una película extranjera, el original entonces es mil veces mejor.

En “Abre los Ojos”, Amenábar nos presenta la historia de César (Eduardo Noriega), un tipo de veinticinco años, lo bastante atractivo y exitoso como para poder vivir la gran vida. César tiene un departamento de lujo, mucho dinero y una mujer distinta cada noche; de hecho, el no pasar más de dos noches con la misma persona es parte de su sello personal. Su última conquista, Nuria (Najwa Nimri), no entiende este último detalle e insiste en reconquistarlo. César también tiene un mejor amigo, Pelayo (Fele Martinez), quien le presenta a Sofía (Penélope Cruz); apenas la ve, César cae rendido a sus pies.

Tanto él como Pelayo piensan que Sofía puede convertirse en la mujer de sus vidas, pero César todavía tiene a Nuria persiguiéndolo y, tras una inocente noche en casa de Sofía, Nuria lo invita a dar un inocente paseo en auto. Este paseo no es como cualquier otro, ya que Nuria aprovecha la ocasión para provocar un accidente, el cual termina con su vida y deja el rostro de César completamente desfigurado. El joven, entonces, debe a comenzar a lidiar con todo lo que eso significa: operaciones, risas y miradas cuando sale a la calle, además de la lejanía de Sofía.

Desde el principio, "Abre los Ojos" nos muestra al personaje de César encerrado en un psiquiátrico penitenciario, donde su único contacto es con un psicólogo llamado Antonio (Chete Lera). Antonio está allí para tratar de entender qué fue lo qué pasó por la mente de César al momento de cometer un asesinato. No sabemos cuándo pasó ni quién fue la víctima, por lo que el relato de César, a modo de flashbacks, nos va dando más pistas acerca de su crimen. Hay sospechas tanto de conspiración como de crisis nerviosa, las que parecen llevarnos a una conclusión interesante, pero, para ser bastante honesta, no es así.

Aprecio mucho el suspenso, el thriller, el “¡descubra al asesino!”, sobre todo cuando la respuesta es una totalmente inesperada, pero cuando el clímax de la película reduce la trama a que todo lo que ocurrió fue, simplemente, un sueño… se siente como un final flojo, como un cierre rápido y bastante fácil. Quizás habría sido mucho más entretenido haber visto un final donde todo hubiese sido un plan de sus socios (como César repite un par de veces) o incluso de sus amigos; teniendo en cuenta que el personaje de Sofía era una actriz, no habría sido una mala jugada.

Una nueva moraleja para recordar: no crear expectativas al momento de ver la original después de haber visto el remake.
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Nunca fui fanática de Spice Girls durante la adolescencia y, últimamente, me he preguntado qué tan diferente hubiera sido mi vida si hubiese sido influenciada por el girl power, los perfumes de Impulse o la bandera del Reino Unido. Creo que mi adolescencia fue mucho más influenciada por la cultura pop estadounidense y bandas como TLC o Destiny’s Child, quienes también ejercían girl power, pero quizás de una manera distinta.

Por esta razón, tampoco nunca vi "Spice World". Pensaba que se trataba de un simple documental sobre algún momento de alguna gira, pero mientras veía la película y notaba que tenía una trama, distintos personajes e incluso cameos muy interesantes, la historia se vuelve mucho más entretenida. Las Spice Girls deben prepararse para un gran concierto que darán en el Royal Albert Hall, pero tienen muchas distracciones durante el camino: el embarazo de su mejor amiga, paparazzis persiguiéndolas por todas partes, presiones por parte de su manager y otras situaciones que ponen en peligro la realización del concierto.

Entre varias escenas, también encontramos momentos musicales, en donde las clásicas canciones del grupo suenan en una versión más acústica, pero, sin duda, el mejor momento es durante el concierto final. Every boy and every girl, spice up your life ♪ 

"Spice World" tendrá sus momentos "ridículos", pero es muy entretenida.
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La doctora Ellie Arroway (Jodie Foster) es una mujer increíblemente apasionada por el espacio exterior; cree firmemente en la vida extraterrestre y en las señales que podrían estar repartidas por todo el espacio. Su pasión comenzó desde que era pequeña, cuando ella y su padre escuchaban transmisiones de radio tratando de buscar alguna señal. Son pocos los colegas de Ellie que toman en serio sus teorías, incluso un programa de estudios le es cancelado, pero no es hasta que ella por fin logra encontrar una secuencia que sus compañeros comienzan a escucharla. 

Ellie encuentra la señal de una antigua transmisión de Hitler inaugurando los Juegos Olímpicos de Berlín, what? El programa se convierte en una misión espacial y consigue la atención de todo el mundo. Así como Ellie ha tenido que enfrentar durante toda su carrera aquellos comentarios que intentaban desacreditarla, la doctora ahora debe enfrentar también el eterno choque entre ciencia y religión, sobre todo cuando su misión se ve en peligro debido a distintos fanáticos.

Es genial que exista una protagonista femenina en el género de la ciencia ficción, también es genial que algunas escenas recuerden a “2001: A Space Odyssey”, pero, por sobre todo, es genial el hecho de que siempre recordaré a “Contact” gracias a esta maravillosa escena.

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Imagina despertar en una habitación completamente cerrada, usando una especie de uniforme gris, dentro de un lugar que está lleno de trampas mortales y del cual sólo puedes salir logrando encontrar la respuesta a varios ejercicios matemáticos que parecen no tener solución. Suena como algo salido de una pesadilla o de un juego de “Saw”, pero la verdad es que es la trama principal de una película canadiense llamada “Cube”.

Dentro de este gigantesco cubo, se encuentran seis extraños: Quentin (Maurice Dean Wint), un policía bastante agresivo; Leaven (Nicole de Boer), una joven estudiante de Matemáticas; Worth (David Hewlett), quien diseñó el parte exterior del cubo; Holloway (Nicky Guadagni), una doctora que trabaja que una clínica gratuita; Rennes (Wayne Robson), un escapista que ha salido de siete prisiones; y Kazan (Andrew Miller), un joven autista capaz de resolver ejercicios de números primos.

El grupo pronto se da cuenta de que pueden unir sus talentos y cualidades para escapar con vida del cubo, ya que todo se resume a cálculos matemáticos, pero pronto también los roces y la desconfianza comienzan a aparecer y la naturaleza humana parece ser tan peligrosa como cada trampa que el grupo trata de evitar. En “Cube” tampoco falta el elemento algo gore y el suspenso en cada escena; es una película que parece tan sencilla, pero tan terrible, que es compresible el porqué se convirtió en una película de culto.
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Sucede a veces que una película deja muchos sentimientos y pensamientos en tu cabeza; ni la trama ni los personajes ni el director salen de tu cabeza y ese es uno de los mayores efectos de "Funny Games". Mi experiencia con la filmografía de Michael Haneke sólo se resume en “Amour”, película que también se queda en tu cabeza, por lo que decidí ver quizás la más conocida dentro de su colección, "Funny Games", película estrenada en 1997; la historia también tiene un remake, el cual se estrenó en 2007 y del cual Haneke se encargó personalmente.

“Funny Games” es catalogada como un thriller psicológico o también como una película de terror, pero parece ser algo que va mucho más allá; la película plantea una idea moralista acerca de cómo es tratada la violencia en las películas y de por qué a veces preferimos el morbo, mal llamado entretenimiento, por sobre una verdadera trama; no hay película de terror o de suspenso que no recaiga en el recurso de la violencia. "Funny Games" demuestra que esto no siempre es necesario.

"Funny Games" nos introduce en la vida familiar de un clan compuesto por los padres y su pequeño hijo, durante el momento de sus vacaciones en una hermosa casa de relajo; allí se encuentran con Paul y Peter, unos jóvenes que se hacen pasar por invitados de unos vecinos. Desde el primer momento, el ambiente se vuelve algo incómodo; si tan sólo le hiciéramos caso a nuestros instintos. En alguna otra película, nos dicen que el miedo a ofender es más fuerte que el miedo al dolor y es en ese momento que el encanto y los buenos modales funcionan de maravillas para los psicópatas; nada es más fácil que entrar a una casa siendo agradable y pidiendo huevos para el vecino, pero cuando se te caen dos veces, empiezas a molestar a la dueña de casa. Y, cuando molestas a su marido, aparecen los golpes y, de pronto, la amabilidad se transforma en dominación; Paul y Peter toman a la familia como rehenes y mantienen el control de la situación a modo de juegos, amenazas y violencia, todo disfrazado de carisma.

Quien tiene mayor control de la situación, definitivamente, es Paul; es quien da las órdenes, quien decide cuándo y cómo pasarán las cosas e, incluso, es el personaje que se da el lujo de romper la cuarta pared. Paul controla tanto a los personajes como a los espectadores; cuando le preguntan por qué hace lo que hace, él también manipula las respuestas: una infancia difícil, problemas con sus padres o drogadicción, sólo para después decirnos que fueron mentiras. La verdad es que Paul nunca explica la razón de su maldad, un detalle que añade más misterio y más frustración. Además de romper la cuarta pared, Paul decide tomar el control remoto y retrocede la única escena más gráfica dentro de la película. ¿Qué clase de película hace eso? Una película que no sigue las reglas.

La escena anterior también tiene que ver con el hecho de que la película ofrece cero esperanza para los personajes. Generalmente, en las películas de terror o de suspenso, siempre hay algún personaje que consigue salvarse u otro que consigue atrapar al villano. En "Funny Games", hay varias posibilidades de que los personajes tomados como rehenes puedan sobrevivir o que puedan invertir los roles, pero tanto la historia como la maldad de Paul y Peter impiden que el bien triunfe, lo que significa otra falta a las reglas. “Funny Games” tampoco sigue las reglas cuando no recae en el morbo; de hacerlo, lo hubiesen hecho a la perfección, pero la película demuestra que el morbo no es necesario, a pesar de que estemos acostumbrados a esperarlo en ciertas escenas. "Funny Games" no recae ni en la sangre, ni en la violencia gráfica, ni en cuerpos inertes ni en excesos de sangre; la sola idea de que esas cosas ya se dieron o que ya existen es razón suficiente como para asustarte.

En cuanto a qué versión es mejor, soy partidaria de las primeras partes, pero la segunda entrega no se queda atrás, ya que fue un remake hecho cuadro a cuadro, diálogo por diálogo, a manos del mismísimo Michael Haneke; la única pequeña diferencia es la escena de la madre quitándose la ropa. También podríamos decir que la versión europea de Paul es mucho peor que la versión estadounidense; tanto personaje como película parecen ser de aquellas cosas que aparecen en nuestras peores pesadillas.
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Justo cuando creía que empezaba a entender las películas de David Lynch, se me ocurre ver “Lost Highway”. 

La película comienza con una historia de suspenso bastante fácil de seguir, pero luego, durante la mitad, se transforma en cualquier otra cosa, en algo así como una pesadilla dentro de una pesadilla. La primera parte cuenta la historia de Fred (Bill Pullman) y Renee Madison (Patricia Arquette), un matrimonio que comienza a ser acosado, anónimamente, con distintas cintas de VHS que llegan a su hogar. 

Durante una fiesta, Fred conoce a The Mystery Man (Robert Blake), probablemente una de las figuras más escalofriantes en la historia del cine; Fred ha soñado con este hombre y él le responde que está en su casa, a todo momento. Luego de recibir el último VHS, Fred es arrestado por el asesinato de Renee. Y aquí, todo se vuelve más raro: Fred se ¿transforma? en Pete Dayton (Balthazar Getty), un joven mecánico.

Pete también es parte de una historia de suspenso y crimen, historia que involucra a Alice Wakefield (Patricia Arquette de nuevo), una mujer idéntica a Renee. Todavía estoy tratando de digerir la segunda parte de “Lost Highway”, pero quiero quedarme con la idea de que todo es una pesadilla dentro de un mundo muy surrealista, en donde los dolores de cabeza pueden ser muy traicioneros.

A pesar de la confusión, agradezco ese tono misterioso y escalofriante de “Lost Highway”; considerando que, años después, Robert Blake fue condenado por asesinar a su segunda esposa, no es para menos que la película se sienta así.
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Romy White (Mira Sorvino) y Michele Weinberger (Lisa Kudrow) han sido mejores amigas durante toda la vida. Asisten a la misma secundaria, pero no interactúan con muchos de sus compañeros, con excepción de Sandy Frink (Alan Cumming), Heather Mooney (Janeane Garofalo) y el grupo de las A, liderado por Christy Masters (Julia Campbell); Christy está obsesionada con la idea de hacerle la vida imposible a Romy y a Michele, ya que Romy está enamorada del novio de Christy y Michele usa un instrumento ortopédico para su columna desviada.

Luego de diez años, durante los cuales Romy y Michele se mudan a Los Ángeles, continúan siendo mejores amigas. Han tenido varios trabajos bastante mediocres, pero, a pesar de todo, llevan una vida divertida y feliz. Cierto día, Romy se encuentra con Heather Mooney, quien le hace saber sobre la reunión escolar para celebrar el décimo aniversario de su graduación. Romy convence a Michele de que esta es su oportunidad para lucirse frente a todos los ex compañeros que se dedicaban a molestarlas, por lo que planean su regreso mostrándose como las empresarias que inventaron los post-it.

“Romy and Michele’s High School Reunion” es pura nostalgia noventera; entre las referencias a Quentin Tarantino, el vestuario, los peinados y el maravilloso soundtrack todo es pura añoranza. La lección de la película también es buen recordatorio para que dejemos de impresionar a quienes no nos agradan; de verdad que no tiene ningún sentido. Faltan dos años para mi décimo aniversario de graduación y, aunque no fueron los mejores años de mi vida, sí me gustaría volver a bailar toda la música de aquella época.
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Hola

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Catalina.
Basada en hechos reales.

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