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We'll always have Paris

 


Durante la década de los años cincuenta, en la idílica ciudad de Roma, Marcello Rubini (Marcello Mastroianni) pasa sus días trabajando como periodista de espectáculos. Marcello se da la gran vida paseando en un auto de lujo, cenando en finos restaurantes y codeándose con celebridades y personajes aristocráticos, llenando de excesos su lado más superficial. Su lado más sensible, en cambio, sólo desea en convertirse en un escritor que sueña con rodearse de poetas, intelectuales y filósofos, tratando de darle un poco más de sentido a la vida. Marcello tiene dos amores: el periodismo y la literatura.

“La Dolce Vita”, película dirigida por Federico Fellini, está compuesta de siete actos, los cuales narran la vida profesional y personal de Marcello. El periodista debe lidiar con los celos de su novia, Emma (Yvonne Furneaux), mientras acompaña a la actriz estadounidense, Sylvia Rank (Anita Ekberg), durante su visita a Roma; Marcello también pasa una divertida noche con su padre y asiste a fiestas en grandes mansiones, en donde se encuentra con Maddalena (Anouk Aimée), una de sus varias amantes, y con Steiner (Alain Cuny), uno de sus pocos buenos amigos. Estos siete actos no están conectados entre sí ni tampoco cuentan una historia lineal, incoherencia que quiere demostrarnos la falta de significado tanto en la vida de Marcello como en la del resto de los personajes.

El estilo de vida que todos llevan es uno que, fácilmente, podríamos envidiar; una rutina de excesos, privilegios y diversión, sin afrontar mayores consecuencias, siempre podrá ser atractivo. La realidad es que, tras el término de la Segunda Guerra Mundial, la vida nocturna italiana parece vacía, idiota y pseudo intelectual. Evidencia de esto es la frustración que Marcello demuestra tras cada acto, así como también lo es el descontento de su amigo, Steiner; Marcello cree que él lleva una vida perfecta, el tipo de vida que le gustaría experimentar, pero la trágica historia de Steiner no hace más que demostrarle todo lo contrario.

No hay nada que envidiar en un lugar en donde todos hacen y nadie siente, en donde todos hablan y nadie escucha. Marcello no puede escuchar a las jóvenes de la terraza, no escucha las quejas de Emma, él y Sylvia hablan dos idiomas distintos, Maddalena no escucha su declaración de amor y el ruido de las olas impide que el periodista escuche a la joven de la playa.

“La Dolce Vita” es una hermosa crítica a la ironía de tratar de encontrar un sentido a la vida, a la decadencia de la vida social de unos pocos afortunados y al vacío que llena varios de sus encuentros, aquellas famosas fiestas que “son famosas, porque parecen funerales de primera clase”.

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Los viajes a través de la extensa carretera estadounidense pueden ser el sueño ideal cuando se trata de cruzar el país de un extremo a otro. Hemos visto muchas aventuras de este estilo en películas como “Easy Rider” o “Little Miss Sunshine”, en comedias románticas como “It Happened One Night” e incluso en placeres culpables como “Crossroads”. Pero “Breakdown”, película dirigida por Jonathan Mostow, toma otra ruta.

Jeffrey (Kurt Russell) y Amy Taylor (Kathleen Quinlan) son un feliz matrimonio que ha decidido viajar en su nuevo y flamante jeep desde Boston hasta San Diego, ya que a Jeffrey le han ofrecido un trabajo en aquella ciudad. El viaje va bastante bien, hasta que Jeff tiene un roce con el chofer de una camioneta vecina y luego el jeep le juega una mala pasada. Un camionero le ofrece ayuda: lleva a Amy hasta el local más cercano para que ella pueda llamar una grúa. 

Por estas cosas de la suerte, Jeff consigue arreglar el jeep y conduce hasta el local, sólo para enterarse que Amy nunca llegó y que nadie más la ha visto por las cercanías. El feliz viaje pronto se transforma en una pesadilla: todo el mundo se comporta de manera hostil y, cuando Jeff por fin se encuentra con el camionero que ofreció ayuda, este insiste en que nunca ha llevó a ninguna mujer a ningún lugar y que a Jeffrey tampoco lo conoce. El viaje en carretera ahora es el escenario ideal para una película de terror.

Tampoco somos ajenos a esas historias. Películas como “The Texas Chainsaw Massacre” o “The Hill Have Eyes” nos han enseñado a no confiar en extraños y cuidarnos siempre de aquel desolado desierto, en donde podemos encontrar, prácticamente, cualquier tipo de amenaza. Quizás “Breakdown” hubiese funcionado mejor como una película de esas que se estrenaron en la década de los ochenta, pero los guiños a Stuntman Mike fueron interesantes de ver de todas formas.

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Creer en el destino y en las señales que este nos manda a través del tiempo, puede ser un juego algo arriesgado. Por un lado, existen personas que acatan todas esas señales y coincidencias, tratando de darle un sentido a sus vidas, mientras que, por otra parte, existen personas que no creen en aquellos mensajes y prefieren crear su propio destino. Personajes como estos son los que conforman la historia de “Serendipity”.

La palabra serendipity (serendipia), un divertido juego de letras, hace alusión a aquellas extrañas casualidades que se dan de manera accidental. Alguien como Sarah Thomas (Kate Beckinsale) podría unir todas esas casualidades y dejar que la guíen hasta encontrar un propósito, pero alguien como Jonathan Trager (John Cusack) podría pensar lo contrario. Ambos se conocen durante la época navideña en Nueva York, una época ideal para conocer a un completo desconocido y enamorarse, según las reglas de algunas comedias románticas.

A pesar de que ambos sienten una conexión especial, Sarah duda en volver a ver a John tras los mensajes contradictorios que el destino le está dando; es por esta razón que deciden dejarlo a la suerte: ella escribe su número telefónico en un libro usado de Gabriel García Márquez y John escribe el suyo en un billete de cinco dólares. Si el destino quiere que ambos estén juntos, entonces los dos encontrarán sus números de teléfono sin mayor problema.

La trama de “Serendipity” pareciera ser la historia ideal para aquellos románticos empedernidos que creen en que las coincidencias son mucho más que coincidencias. Yo necesité muchas de estas para llegar a ver esta película.

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La subcultura del clubbing ha sido tan idolatrada como satirizada; una de aquellas varias sátiras estuvo a cargo de dos personajes de "Saturday Night Live": los hermanos Doug y Steve Butabi, también conocidos como The Roxbury Guys. En cada sketch, Chris Kattan y Will Ferrell, respectivamente, movían la cabeza al ritmo de “What is Love?” mientras iban de discoteca en discoteca tratando de conquistar mujeres, siempre obteniendo resultados fallidos. Eran acompañados por la celebridad anfitriona de la semana y, reconocidas son ya, las participaciones de Jim Carrey, Tom Hanks o Cameron Diaz.

Durante un programa de una hora, con un sketch que tiene una duración de unos diez minutos, los personajes funcionan a la perfección; el problema sucede cuando estos personajes son llevados a la pantalla grande. El material no siempre será suficiente y queda demostrado con la trama de “A Night at the Roxbury”, película de 1998, dirigida por John Fortenberry y producida por Amy Heckerling, directora de “Clueless”. La historia apenas dura una hora y veinte minutos.

“A Night at the Roxbury” se mantiene fiel a la esencia de los personajes: dos hermanos que salen todas las noches a bailar los ahora clásicos de la música tecno, pero que son considerados como perdedores por la mayoría de las personas a su alrededor. Doug y Steve quieren crear su propia discoteca y convertirse en destacados empresarios; sólo una persona los toma en serio: Benny Zadir (Chazz Palminteri), el dueño de Roxbury, el club nocturno más popular de la ciudad. Los problemas comienzan cuando el guardia de Benny, Dooey (Colin Quinn), aleja a los hermanos del empresario y cuando Emily Sanderson (Molly Shannon) se dispone firmemente a casarse con Steve, lo que provoca un quiebre entre los Butabi.

No hay mucho más que se pueda hacer por la historia, pero siempre tendremos la melodía de “What is Love” para recordar que los Roxbury Guys eran mucho más divertidos dentro de un sketch; el problema es que su gracia es tan sencilla y diseñada para ese tipo de espacio que la película se queda corta. Hay otros personajes de "Saturday Night Live" que tuvieron más éxito en el cine, como “The Blues Brothers” o “Wayne’s Wolrd”, pero siempre será peligroso crear una película basada en un personaje, porque también podrían terminar con productos como “It’s Pat” o “MacGruber”.

Lo mejor es dejar “A Night at the Roxbury” como la comedia de culto que es para todos quienes somos fanáticos de "Saturday Night Live". Queremos tanto a los Roxbury Guys que es imposible dejar de mover la cabeza como ellos cuando suena Haddaway.
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Dentro del inmenso universo de directores que todavía están pendientes en alguna interminable lista, se encuentra el nombre de John Ford. Ford es un director estadounidense que fue celebrado internacionalmente por varios de sus westerns, uno de los géneros que, precisamente, estimo como algo lejanos. Quizás sea esa la razón por la cual decidí comenzar a descubrir su filmografía con “The Grapes of Wrath”.

Basada en el libro homónimo de John Steinbeck, la película cuenta la historia de la familia Joad, un clan muy unido que vive en la zona rural de Oklahoma durante la década de los años treinta. Debido a la crisis del '29 y a la sequía que provocó el Dust Bowl, la familia es obligada a dejar su propiedad por orden de las empresas que, simplemente, llegaron y compraron los terrenos que les correspondían a los habitantes . Los Joad, entonces, deciden emprender rumbo hasta California.

El líder del clan es Tom Joad (Henry Fonda), quien debe asimilar la situación de su familia apenas regresa a su hogar tras haber pasado cuatro años en la cárcel; Tom no es un hombre malo, sólo defiende a muerte sus principios. Quienes también destacan dentro del grupo son Ma Joad (Jane Darwell), la madre que mantiene unido al clan durante la odisea hasta California, y Jim Casy (John Carradine), el pastor del pueblo que ha perdido la fe.

California promete esperanzas de una vida mejor, pero el clan pasa por trágicos momentos durante el viaje y, una vez que llegan a su destino, se enfrentan a la dura realidad: familias completan deben recurrir a vivir en campamentos, no hay suficiente trabajo para todos aquellos que provienen de otras ciudades y varios se ven obligados a aceptar labores abusivas y mal remuneradas.

Además de representar de manera fiel y cruda una realidad de la historia estadounidense, “The Grapes of Wrath” también retrata la realidad de muchos lugares en el mundo, realidad que no sólo se vivió en épocas anteriores, sino que, lamentablemente, continúa ocurriendo en la actualidad. Es esa falta de respeto hacia la clase obrera y el abuso descarado de los patrones de fundo lo que hacen de esta película, y de esta novela, algo relevante hasta el día de hoy. Durante la escena final, el personaje de Ma Joad expresa: “Rich fellas come up and they die, and their kids ain't no good and they die out, but we keep a-coming. We're the people that live. They can't wipe us out, they can't lick us. We'll go on forever, Pa, cos we're the people”. Somos el pueblo. 

No es sorpresa que "The Grapes of Wrath" haya estado bajo la mirada del gobierno debido a “inclinaciones pro comunistas”, ya que ilustrar la verdad que ilustra esta película siempre incomodará a algunos. Se dice que John Ford tenía tendencias conservadoras, pero, a pesar de aquellos ideales, logró mostrarnos una historia sobre la injusticia y la pobreza, una historia con conciencia de clases, mucho más esperanzadora que sentimental y con la cual es imposible no empatizar.
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Cuando se trata de películas que juegan con el concepto del tiempo en forma de loop infinito, es imposible no recordar a “Groundhog Day”, aquella historia en donde Bill Murray sufría la tortura de repetir el día de la Marmota una y otra y otra vez. El personaje de Phil estaba condenado a vivir la misma rutina sin que el resto de las personas alrededor siquiera notara que algo extraño estaba pasando, pero, ¿qué podría pasar si más de una persona estuviera también condenada a algún loop infinito? 

“Palm Springs”, precisamente, cuenta la historia de dos desconocidos que terminan enredados en una misma realidad alternativa durante una boda celebrada en un resorte cerca del desierto. Por un lado, tenemos a Nyles (Andy Samberg), quien es el primero en darnos pistas sobre el lugar en el que se encuentra; Nyles ya está bastante resignado a repetir siempre el mismo día, el nueve de noviembre, por lo que se comporta de manera idiota e irresponsable, sin pensar en las consecuencias de las pequeñas ridiculeces que hace, porque, claro, no habrá consecuencia alguna al día siguiente.

Por otro lado, tenemos a Sarah (Cristin Milioti), la hermana mayor de la novia y una especie de oveja negra dentro del retrato familiar perfecto. Sarah termina en el loop tras seguir a Nyles hasta una cueva, en donde unas luces los llevan de regreso al comienzo del día recién vivido. En un principio, Sarah reacciona como todos reaccionaríamos frente a esta situación y sólo quiere escapar de allí. Intento tras intento, incluyendo suicidios sin mayor resultado, Sarah entiende que no es tan simple volver a la realidad y, resignada, comienza a disfrutar de las infinitas posibilidades que el nueve de noviembre le ofrece.

Junto a Nyles, Sarah disfruta, sin ataduras, el resorte de Palm Springs: pasan horas en la piscina, beben toda la cerveza que quieran, estrenan una rutina de baile y celebran el cumpleaños número un millón de Nyles. Pese a toda la diversión que vivir sin consecuencias puede traer, Sarah no puede ignorar las malas decisiones que continúa tomando y, tras una pelea con Nyles, la joven decide seguir intentando volver a la realidad mientras que él sigue pensando que es mejor quedarse en el loop para siempre.

Este es el mayor conflicto entre los ambos personajes. Mientras Sarah intenta hacer algo nuevo y enmendar su último gran error, Nyles cree que volver a la realidad no tiene sentido. Este estancamiento en el tiempo tiene mucha similitud con los sentimientos que hemos experimentando desde que empezó la cuarentena: algunas personas están desesperadas esperando el término del encierro, mientras que otros estamos más cómodos dentro de una rutina que podemos controlar, de cierta manera. Existen distintas realidades, por supuesto, pero los sentimientos son parecidos. 

La diferencia es que al menos Sarah podía hacer salgo para terminar con su rutina infinita; salir dependía de ella, en cambio nuestro loop infinito está muy lejos de depender de nosotros.

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“Tesis”, la ópera prima de Alejandro Amenábar, director español nacido en Chile, es una de esas películas que te deja pensando varios días en lo que acabas de ver. No sólo tiene una trama interesante, si no que aprender que existe esa cultura de las películas snuff es chocante. A Amenábar le fue tan bien luego del estreno que su segunda película, “Abre los Ojos”, hasta consiguió el trato estadounidense mencionado en la entrada anterior: un remake llamado “Vanilla Sky”, dirigido por Cameron Crowe, que en alguna época me gustó. La moraleja es que, si Hollywood hace un remake de una película extranjera, el original entonces es mil veces mejor.

En “Abre los Ojos”, Amenábar nos presenta la historia de César (Eduardo Noriega), un tipo de veinticinco años, lo bastante atractivo y exitoso como para poder vivir la gran vida. César tiene un departamento de lujo, mucho dinero y una mujer distinta cada noche; de hecho, el no pasar más de dos noches con la misma persona es parte de su sello personal. Su última conquista, Nuria (Najwa Nimri), no entiende este último detalle e insiste en reconquistarlo. César también tiene un mejor amigo, Pelayo (Fele Martinez), quien le presenta a Sofía (Penélope Cruz); apenas la ve, César cae rendido a sus pies.

Tanto él como Pelayo piensan que Sofía puede convertirse en la mujer de sus vidas, pero César todavía tiene a Nuria persiguiéndolo y, tras una inocente noche en casa de Sofía, Nuria lo invita a dar un inocente paseo en auto. Este paseo no es como cualquier otro, ya que Nuria aprovecha la ocasión para provocar un accidente, el cual termina con su vida y deja el rostro de César completamente desfigurado. El joven, entonces, debe a comenzar a lidiar con todo lo que eso significa: operaciones, risas y miradas cuando sale a la calle, además de la lejanía de Sofía.

Desde el principio, "Abre los Ojos" nos muestra al personaje de César encerrado en un psiquiátrico penitenciario, donde su único contacto es con un psicólogo llamado Antonio (Chete Lera). Antonio está allí para tratar de entender qué fue lo qué pasó por la mente de César al momento de cometer un asesinato. No sabemos cuándo pasó ni quién fue la víctima, por lo que el relato de César, a modo de flashbacks, nos va dando más pistas acerca de su crimen. Hay sospechas tanto de conspiración como de crisis nerviosa, las que parecen llevarnos a una conclusión interesante, pero, para ser bastante honesta, no es así.

Aprecio mucho el suspenso, el thriller, el “¡descubra al asesino!”, sobre todo cuando la respuesta es una totalmente inesperada, pero cuando el clímax de la película reduce la trama a que todo lo que ocurrió fue, simplemente, un sueño… se siente como un final flojo, como un cierre rápido y bastante fácil. Quizás habría sido mucho más entretenido haber visto un final donde todo hubiese sido un plan de sus socios (como César repite un par de veces) o incluso de sus amigos; teniendo en cuenta que el personaje de Sofía era una actriz, no habría sido una mala jugada.

Una nueva moraleja para recordar: no crear expectativas al momento de ver la original después de haber visto el remake.
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Hola

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Catalina.
Basada en hechos reales.

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