We'll always have Paris

Bernard (Jeff Daniels) y Joan Berkman (Laura Linney) son un matrimonio que vive en Brooklyn junto a sus dos hijos, Walt (Jesse Eisenberg) y Frank (Owen Kline). Ambos padres aman todo lo relacionado a la literatura, al cine, a la música y al arte en general, por lo que crían a sus hijos bajo todo ese ambiente. La familia también disfruta de tardes jugando tenis y es durante uno de estos partidos que se comienza a sentir la tensión entre Bernard y Joan.

Ambos saben que su matrimonio ya no da para más y deciden contárselo a sus hijos. Walt y Frank deben experimentar todo el proceso de la custodia compartida, por lo que se quedan unos días en la nueva casa de Bernard, mientras que otros, en la casa donde vivieron toda la vida. Quien se ve más afectado por la situación es Frank, quien está en pleno proceso de conocerse a sí mismo. Por otro lado, Walt trata de tomar las cosas con más calma, pero en el fondo, sabe que el divorcio de sus padres también le afecta.

Hace poco, leí que Wes Anderson iba a dirigir esta película, pero como Noah Baumbach la había escrito basándose en experiencias personales, Anderson le aconsejó a su amigo que él sería el candidato ideal para la dirección de esta película. Y es evidente que es una película demasiado personal, ya que se da una especie de cercanía con cada personaje. Cada uno de ellos está pasando por un proceso distinto, por lo que es difícil juzgarlos; es mucho más fácil entenderlos.

En un hermoso departamento, ubicado en Nueva York, tenemos a dos parejas: Michael (John C. Reilly) y Penelope Longstreet (Jodie Foster), y a Alan (Christoph Waltz) y Nancy Cowan (Kate Winslet). Ambos matrimonios están allí para hablar sobre la situación de sus pequeños hijos: Ethan y Zachary, respectivamente, ambos de once años. Los dos niños se metieron en un problema: Ethan insultó a Zachary y este lo golpeó con una rama, consiguiendo que Ethan perdiera dos de sus dientes.

Los padres de cada uno acuerdan escribir una declaración sobre el incidente y también deciden que Ethan y Zachary deben pedirle disculpas al otro. La reunión comienza bastante bien: saludos cordiales, sonrisas educadas, esa clásica conversación trivial sobre trabajo, un poco de café, un pedazo de pastel, hasta que, lentamente, la verdad y los roces, con un poquito de whisky, comienzan a salir a la luz.

Es increíble la evolución de cada personaje en “Carnage”. Los cuatro adultos parten, literalmente, desde cero para luego terminar sacando lo peor de sus personalidades. La naturaleza humana, mezclada con alcohol, es algo bien fuerte. Las actuaciones dentro de esas conversaciones incómodas son maravillosas y el ambiente del departamento y las interacciones hacen parecer que todo se sienta como una obra de teatro. 

Es una lástima que "Carnage" tenga que ser una película de Roman Polanski.

Zia (Patrick Fugit) es un tipo que queda devastado luego del quiebre con su novia, Desiree (Leslie Bibb). Es tanta la tristeza que siente que Zia decide suicidarse y lo consigue al cortarse los antebrazos. Luego de pasar a la otra vida, Zia termina en una ciudad mucho más deprimente de lo que su estado era antes de morir. Todo se ve muy apagado, nadie sonríe y sólo llegan personas que también decidieron suicidarse.

Cierto día, un conocido de Zia llega a la ciudad de los suicidas y le cuenta que Desiree también tomó la decisión de quitarse la vida; Zia por fin tiene algo de motivación y decide salir a buscarla. Parte en compañía de su amigo Eugene (Shea Whigham), quien tiene auto, y los dos comienzan una aventura por la carretera. En el camino, conocen a Mikal (Shannyn Sossamon), una joven que está buscando a los encargados de la ciudad; ella insiste en que no se suicidó y que terminó en aquella ciudad por accidente. Los tres, entonces, siguen viajando con tal de encontrar a Desiree y a los mandamases.

"Wristcutters: A Love Story" es una clara metáfora sobre el limbo y sobre la mala suerte de las personas que son enviadas hasta allá, pero esa idea de que terminen viviendo en ciudad tan triste, en donde nadie sonría, en donde no existan las estrellas y en donde todos quedan estampados con la marca de su suicidio, convierten a esta película en una digna de ver. Es también una de esas películas que siempre recordaremos gracias a un buen soundtrack y de esas películas que puede ser incluida en esas conversaciones con amigos que siempre se dan durante la madrugada.

Recuerdo que cuando escribí en Walabi.cl sobre el tráiler de "Gravity", cada una de sus imágenes me hizo sentir atrapada. El terror a experimentar esa sensación de ahogo, de pánico y de adrenalina traspasaron una simple pantalla.

El astronauta Matt Kowalski (George Clooney), la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) y el ingeniero Shariff Dasari (Phaldut Sharma) están a bordo del STS-157, trabajando en una misión espacial. Los tres están allá arriba en el espacio, flotando sobre la Tierra, tratando de reparar una especie de telescopio. Todo va bien, conversan, disfrutan de aquella hermosa vista, pero la base Houston les avisa de un grave problema.

Según lo que les informan, un misil ruso se estrelló contra un satélite y causó una cadena de destrucción, es decir, miles de restos de material se estrellarán también contra la nave de los astronautas estadounidenses. Los tres comienzan a guardar todo lo más rápido posible, pero no es suficiente, ya que los restos se estrellan de todas formas, consiguiendo que Ryan salga disparada del Explorer hasta el espacio. La desesperación ataca a la doctora y no sabe cómo manejar la situación, mientras su cuerpo sigue siendo arrastrado sin control por la infinidad del espacio.

“Gravity” pareciera ser una obra de arte, no sólo de la ciencia ficción, sino que también del terror. Las imágenes de Alfonso Cuarón encuadran perfectamente la sensación de inmensidad del Universo y la actuación de Sandra Bullock, su mirada de pánico, su respiración entrecortada, hacían que toda aquella inmensidad también se transformara en una sensación de ahogo y desesperación. 

Ver esta película en el cine fue toda una experiencia.

Una vez me dijeron: “esta actriz que te gusta a ti, la rubia… la Amy Poehler”, y fue genial que, de cierta manera, me asociaran con ella. La verdad es que me sí gusta mucho Amy Poehler; es talentosa, ingeniosa, divertida, inteligente y, a veces, sólo mirar su rostro me alegra el día. Lo mismo me pasa también con Tina Fey, pero en menor cantidad, sólo porque todavía no termino de ver "30 Rock". 

Kate Holbrook (Tina Fey) es una mujer de 37 años; es muy exitosa en su trabajo, ya que es la vice presidenta de una empresa que se preocupa de la alimentación sana: comida orgánica y cosas así. En lo que Kate no tiene mucha suerte es en el plano amoroso; no ha tenido una relación seria en años y se da cuenta de que su reloj biológico ya está marcando. Kate quiere ser madre a toda costa: consulta adopciones, inseminaciones in vitro y nada resulta, por lo que recurre a la última solución: un vientre de alquiler.

Kate visita una agencia que se encarga de buscar madres sustitutas y, es de esa manera, que la contactan con Angie Ostrowski (Amy Poehler), una joven algo dispersa que no entiende mucho de la vida, pero que al menos sí entiende el proceso del embarazo. Kate no lo duda ni un segundo y continúa con toda la burocracia con tal de que Angie quede embarazada de su bebé (“Angie, I’m gonna put my baby in you”). Luego de unas semanas, Kate recibe una buena noticia por parte de Angie, pero debido a su dispersión, ella no sabe si el bebé que espera es, en realidad, el de Kate o si es de su novio Carl (Dax Shepard).

Antes de ver esta película, leí un par de comentarios en donde decían que “Baby Mama” era muy predecible; quizás yo tenga poca imaginación, pero me pareció todo lo contrario. Al menos es interesante, porque tiene a dos de mis comediantes favoritas como protagonistas y también porque el tema de los vientres de alquiler siempre da para debate.

Nick Hendricks (Jason Bateman), Dale Arbus (Charlie Day) y Kurt Buckman (Jason Sudeikis) son tres amigos que tienen trabajos decentes, pero que podrían ser mucho más geniales si no tuvieran a los jefes de mierda que tienen. Nick trabaja en el mundo de las finanzas y su jefe, Dave Harken (Kevin Spacey), es un psicópata abusador que le hace la vida imposible. Por otro lado, Dale es un asistente dental que trabaja para Julia Harris (Jennifer Aniston), una dentista que lo acosa sexualmente todo el tiempo. Y por último está Kurt, quien es feliz en su trabajo porque tiene al mejor jefe del mundo, el señor Jack Pellit (Donald Sutherland).

Lamentablemente, el señor Pellit muere de un ataque cardíaco y el bastardo depravado de su hijo, Bobby (Colin Farrell), se hace cargo de la compañía. Nick también tiene problemas, porque Dave le niega el ascenso que le había prometido hace meses. Y Dale, obviamente, también tiene los suyos: Julia lo amenaza con contarle a su novia que Dale se acostó con la dentista y también con mostrarle unas fotografías que Julia le tomó mientras él estaba anestesiado. Los tres amigos saben que tienen que vengarse de sus jefes y para eso contratan la ayuda de Motherfucker Jones (Jamie Foxx), quien les dará varios consejos para poder librarse de los mandamases.

"Horrible Bosses" es una película demasiado graciosa y, a pesar de que tiene ciertas situaciones de la que no deberíamos reírnos tanto, la película funciona igual. La química entre los tres personajes principales ayuda mucho al humor; se nota que hasta disfrutaban improvisando. La sorpresa también es ver a Jennifer Aniston completamente fuera de su zona de comfort y a Colin Farrell ridiculizándose lo más que pudo. Todo muy sorpresivamente divertido.

Anoche vi tres películas. No fue una especie de récord como en mis mejores tiempos, cuando tenía cable, pero fue lo más parecido hasta el momento. Una de aquellas películas fue “Driving Miss Daisy”, al parecer, es un clásico moderno que he escuchado mencionar hasta en sketches tan random de "Saturday Night Live", como el de Fineese Mitchell imitando a Morgan Freeman: “I wanna ride Miss Daisy!”.

Daisy Werthan (Jessica Tandy) es una señora bastante mayor, pero también bastante activa para la cantidad de años que tiene; es tan independiente que todavía le gusta manejar su propio auto a todos los lugares que va. Cierto día, la señora Daisy pierde el control del auto y termina en el patio de unos vecinos; afortunadamente, no pasa a mayores, pero su hijo Boolie (Dan Aykroyd) se preocupa mucho por esta nueva situación.

Boolie tiene mucho dinero, ya que maneja el negocio familiar de telares que su abuelo le heredó a su padre y que, a la vez, este le dejó a él, así que no tiene mayor problema para encontrar una solución rápida: contrata a Hoke (Morgan Freeman), un hombre también mayor, para que trabaje como el chofer de la señora Daisy. En un principio, ella no está nada de feliz con la solución y apenas le presta atención a Hoke, pero él es tan buena persona que será inevitable, para la señora Daisy, comenzar a estimar a su chofer.

“Driving Miss Daisy” tiene dos temáticas que siempre serán problemáticas. Primero, el asunto de la vejez; hasta el día de hoy, no hay respeto por una vejez digna y son muy pocas las personas como la señora Daisy quienes pueden llevar una vida tranquila hasta sus últimos días. Segundo, también está el racismo y ese complejo de las personas blancas como salvadoras o como personajes no tan racistas como otros. Si ambos temas no se tratan de la manera que deben ser tratados, todo termina convirtiéndose en una simple idealización.