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We'll always have Paris


Las películas son la forma de entretenimiento más masiva que existe y siempre nos estamos dejando llevar por lo que vemos allí: cómo deberían ser las relaciones, los trabajos, las personas, etc.. Cuando no ves lo que eres, sientes que casi no existe. Y es verdad, la traducción es una profesión muy poco valorada. No digo que porque no salga en las películas que nadie sabe de su existencia, pero sí se sabría más sobre la profesión si fuese más masiva. Partamos de la base de que la mayoría de las personas no entienden muy bien lo que hace un traductor. Basta con revisar Twitter durante la temporada de premios; siempre se confunde a los intérpretes con los traductores. He tenido que leer cosas como “saquen a los traductores, molestan”. En las películas, pasa lo mismo. ¿Cuántas veces he tenido que corregir a un guionista cuando cambian el nombre de la profesión. Por ejemplo:

En “Inglourious Basterds”, el personaje de Wicki es un soldado que a veces debe interpretar a los alemanes cuando son interrogados por los estadounidenses; momentos antes, el personaje de Brad Pitt dice que alguien puede “traducir”. No, Wicki no tiene que escribir nada. La molestia pasa en la escena siguiente, cuando la técnica de enfocar rápidamente al personaje que está hablando se hace presente, ya que así es el proceso de interpretación: hablar, entender, decirlo en otro idioma, de inmediato. Wicki no es el único intérprete en esta película, ya que también tenemos a Francesca; ella sí es presentada como una intérprete. Es hermoso verlos en acción y es hermoso que una película tenga varios idiomas para admirar. También hay otros intérpretes reconocidos como tal, por ejemplo: Nicole Kidman en “The Interpreter”, Audrey Hepburn en “Charade” o el soldado Upham, en “Saving Private Ryan”. También tenemos a aquellos que no son profesionales, como Danny Archer en “Blood Diamond”, la pequeña de “Spanglish”, la señora de “Airplane!” o los tipos de “Zero Dark Thirty”. Pero, ¿dónde están los traductores? Confundidos con los intérpretes.

Honestamente y, si la memoria no me falla, he visto a dos traductores en el cine. Lo malo es que exista muy poca representación, pero lo bueno es que ambos personajes son mujeres. La primera traductora es Evelyn de “The Mummy”, una bibliotecaria capaz de leer textos en egipcio y traspasarlos al inglés. La segunda traductora es Vittoria de “L’eclisse", una italiana que traduce del inglés al español. El único detalle es que ambas películas no se centran tanto en la carrera de traducción como quisiéramos. Nos confunden de profesión, no nos pagan bien y, cuando por fin aparecemos en películas, ni la profesión puede lucirse. 

Espero que algún día exista una película sobre la traducción, que tomen la historia de San Jerónimo y la traducción de la Biblia o la de aquellos traductores a los que la Iglesia perseguía y mataba si es que traducían “la joven María” en lugar de “la virgen María” o a aquellos traductores más modernos que tuvieron que arreglárselas con Shakespeare, Austen, Dickens e incluso con J.K. Rowling. Ojalá poder ver a más personas que compartan mi profesión en las películas. Por el momento, me conformo con ver a aquellos intérpretes ya mencionados. 

Feliz día de la traducción ✌
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Siguiendo con esta idea de completar filmografías, ahora elegí la de David Lynch. La primera película que dirigió fue “Eraserhead” y, sabiendo que todos los comentarios la describen como una película demasiado extraña, lo único que puedo decir ahora es "WTF?". Ya sabía que las películas de Lynch son bastante complicadas, pero “Eraserhead” es algo demasiado surrealista; es como una pesadilla hecha realidad.

El protagonista es Henry Spencer (Jack Nance), un tipo tímido y algo torpe, que trabaja en una imprenta. Henry tiene una novia llamada Mary X (Charlotte Stewart) y ella lo invita a cenar a la casa de sus padres, en donde surgen más momentos incómodos. Henry también sufre de alucinaciones y ve muchas cosas raras; por ejemplo, la película comienza con una especie de viaje en el espacio, una casa con el techo roto, un hombre sentado cerca de la ventana y un espermio de Henry. En casa de Mary, también ve cosas raras, como el pollo que botaba tanta sangre. La cena empeora cuando la madre de Mary le cuenta a Henry sobre la existencia de un bebé prematuro que ahora deberán cuidar. 

Henry asume su responsabilidad, por lo que Mary y el bebé se mudan a su departamento; el bebé parece ser una versión pequeña de E.T., pero mucho más espeluznante y bullicioso. Mary no puede lidiar con esos llantos y se va; Henry hace lo mejor que puede tratando de cuidar a ese bebé que cree enfermo. Sus visiones continúan; la del calefactor es interesante, porque hay una mujer que canta una canción que Pixies a veces toca en sus conciertos <3 También aparece la explicación del nombre "eraserhead": en una de sus alucinaciones, un pequeño niño toma la cabeza de Henry y la lleva a una fábrica de lápices. Tras otras alucinaciones y problemas, Henry no encuentra mejor solución que ahorrarle el sufrimiento a su enfermo bebé.

Pensaba que “Pink Flamingos” era la película más extraña que podría ver y, aunque de cierta manera lo es, “Eraserhead” sí es lo más raro que he visto en mi vida. Hubo millones de momentos en los que no podía dejar de pensar en el porqué seguía viéndola, pero tampoco podía dejar de verla, ya que una historia como esa necesita una resolución. A pesar de lo extraña que es, no hay dudas sobre su calidad de culto o de su calidad en sí; es extraña, pero es muy buena. 

Y, sin querer dar muchas vueltas en el asunto, porque he aprendido que las películas de Lynch no deben analizarse tanto, es mejor quedarse con la idea de que Henry era un hombre que temía de todo, por eso su realidad se ve alterada y que también le tenía miedo a la paternidad, por eso veía a su hijo como un monstruo al que no podía cuidar. Leí que cada vez que le preguntan a David Lynch sobre el significado de “Eraserhead”, él no explica nada y prefiere que cada uno la interprete como quiera. Buen punto.

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Siempre me gusta cerrar etapas; eso incluye a los blogs. O también pasa que me aburren los diseños. Mientras no me aburran las películas, todo bien. Así que acá empezamos de nuevo. El nombre se lo debo a “Desayuno con Diamantes”, pero no tomo desayuno con películas, aunque me gustaría hacerlo. 

Why would anybody ever eat anything besides breakfast food?

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Finalizando con la filmografía de Xavier Dolan, llegamos a “Mommy”, película que se estrenó el año pasado. La película retoma la fórmula de sus cintas anteriores, cuenta con la presencia de dos de sus colaboradoras favoritas, pero Dolan se queda sólo detrás de cámara.

“Mommy” cuenta la historia de una familia compuesta por Diane Després (Anne Dorval) y su hijo Steve (Antoine Olivier Pilon), un adolescente con problemas de conducta y tendencias violentas. Bajo una ficticia ley canadiense, la cual permite a los padres de hijos rebeldes internarlos en hospitales experimentados, Diane optó por esa opción, pero debe retirar a Steve del lugar luego de que él comenzara un incendio.

Steve regresa al hogar de su madre y aunque ella trata de mejorar la convivencia, las actitudes violentas de Steve empeoran cada día. Las cosas parecen ir cambiando cuando Kyla (Suzanne Clément), una vecina, se involucra en la vida de ambos protagonistas y los tres forman lo más parecido a una familia que Steve ha tenido.

Uno podría pensar que la relación madre e hijo de “I Killed My Mother” era una de las más complicadas que podríamos ver, pero la verdad es que la relación que aparece en “Mommy” debe ser una de las más terribles también; no sólo se trata de un tema de discusiones y ley del hielo, también se trata del constante peligro que Diane siente cuando está con su hijo, un joven que la quiere y la odia intensamente al mismo tiempo.

“Mommy” debe tener uno de los mejores soundtracks también dentro de la filmografía de Xavier Dolan y el hecho de que la haya grabado en un radio de 1:1, un radio bastante poco convencional y algo incómodo de ver, convierten a esta película en una de las más interesantes de todas sus obras.
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Continuando con la filmografía de Xavier Dolan, hoy es el turno de “Tom à la Ferme”, una película basada en una obra de teatro que Dolan adaptó a la pantalla grande, por lo que tiene una vibra muy diferente a todas sus anteriores películas, todas nacidas de sus ideas originales. Además, la historia es un thriller, un género que Dolan no había abarcado hasta ahora.

Tom Podowski (Xavier Dolan) es un joven editor publicitario de Montreal que debe viajar a una comunidad rural para asistir al funeral de su novio, Guillaume. Una vez allá, conoce a Agathe Longchamp (Lise Roy), la madre de Guillaume, quien no sabía que su hijo era gay. Como si eso no fuese la única sorpresa, Tom también se entera de que Guillaume tenía un hermano, Francis (Pierre-Yves Cardinal).

Al contrario de su madre, Francis sí sabía que Guillaume era gay y amenaza a Tom para que no revela la verdadera identidad de su hermano. La convivencia en la granja se vuelve increíblemente tensa, sobre todo luego de la llegada de Sarah (Evelyne Brochu) amiga de Tom y Guillaume y quien Agatha cree que era la novia de su hijo, y luego de que Tom se entere de la naturaleza violenta de Francis.

A pesar de que “Tom à la Ferme” sea muy intensa y de que esté llena de suspenso, no consiguió conquistarme como el resto de las películas de Xavier Dolan. Tal vez sea porque él no la escribió totalmente o porque la fotografía sea más oscura, pero ya me había acostumbrado a su fórmula tan bonita de hacer películas.
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Para su segunda película, Xavier Dolan eligió también participar como uno de los protagonistas en una historia mucho más romántica y algo menos dramática que la anterior “I Killed My Mother”.

“Les Amours Imaginaires” cuenta la historia de dos amigos, Francis (Xavier Dolan) y Marie (Monia Chokri). Ambos son muy estilosos, muy unidos y muy románticos; sus vidas están llenas de colores hermosos y parejas pasajeras. Cierto día, conocen a Nicolas (Niels Schneider) en una fiesta y los tres comienzan una amistad, pero tanto Francis como Marie muestran un interés diferente en Nicolas.

Con el paso de los días, los tres comienzan a verse y a unirse mucho más; salen a fiestas, van al teatro, comen en restaurantes e incluso duermen juntos en una misma cama. Francis y Marie interpretan cada gesto de Nicolas como un gesto de interés amoroso, por lo que comienzan a competir por su atención, se molestan cuando el otro aparece invitado a las salidas con Nicolas y hasta hay una rencilla por su regalo de cumpleaños.

Además de contar esta historia, Xavier Dolan también grabó a un par de personas hablando sobre las relaciones más importantes y las más tristes que han tenido en su vida, lo que se convierte en un complemento más que interesante. La historia principal no pasa a segundo plano y, con tantos colores fuertes y fotografía hermosa, es imposible que lo haga también.

Insisto en la capacidad de Xavier Dolan de mostrar algo triste en un contexto hermoso y “Les Amours Imaginaires” es, hasta el momento, mi favorita de su filmografía. Es que con esa participación especial durante la última escena, cualquiera se enamora.
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Hace un tiempo, la primera película que vi de Xavier Dolan consiguió conquistarme tanto como la presencia inesperada de un personaje interpretado por Melvil Poupaud en “Broken English”. Ver la colaboración fílmica entre ellos era la excusa perfecta para completar la corta, pero hermosa, filmografía de Xavier Dolan.

Laurence Alia (Melvil Poupaud) es un hombre de 35 años, un exitoso novelista y profesor de Literatura que vive en Montreal. Está muy enamorado de su novia Frédérique, "Fred", Bellair (Suzanne Clément) y ambos disfrutan de una normal y alegre vida, pero durante el día de cumpleaños de Fred, Laurence le cuenta su mayor secreto: siempre ha sentido que nació en el cuerpo equivocado y que, desde ahora en adelante, vivirá su vida como una mujer.

Fred no se toma muy bien la noticia, acusa a Laurence de ser gay y lo deja, pero luego de reflexionar las cosas, decide volver con ella y ayudarle durante su transición. Laurence comienza a usar ropa más femenina y aprende a maquillarse, y pasa por un momento de mucha reafirmación cuando aparece en su trabajo demostrando su verdadera identidad. Sin embargo, a pesar de lo mucho que se aman, la relación con Fred vuelve a peligrar.

Xavier Dolan sabe cómo contar historias tan hermosas como desgarradoras; viendo “Laurence Anyways” puedes sufrir viendo cómo dos personas que se aman no pueden estar juntas, pero también tu visión se llena de colores, formas y escenas preciosas; creo que ese tipo de contradicción hace que las películas sean más interesantes.

También es interesante ver una historia como la de Laurence sin caer en clichés o estereotipos molestos; todo está tratado con mucho respeto y hasta podría ser usado para demostrarle a los demás que las cosas no son tan terribles como lo piensan. Lo que todavía no entiendo es cómo Suzanne Clément no se ganó ni una nominación al Oscar después de esta escena.
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Ya llevo tres películas seguidas que contienen la palabra blow en sus títulos; supuse que una más no haría mucho daño. Lo que más llama la atención es que todas tratan sobre alguna especie de crimen, pero “Blow” es la única que está basada en una historia real.

George Jung (Johnny Depp) era un traficante de drogas, conocido como El Americano, quien fue uno de los mayores responsables de la distribución de cocaína en Estados Unidos durante los años ’70 y ’80, droga que proporcionaba el negocio dirigido por Pablo Escobar. En “Blow”, podemos ver cómo Jung se fue metiendo poco a poco en esto del narcotráfico.

George comenzó traficando marihuana, gracias a la ayuda de su amiga Barbara (Framka Potente), una azafata que también ayudaba a esconder la mercancía. A pesar de que le iba bien, George no pudo evitar pasar un tiempo en la cárcel, pero es justo ahí donde conoce a Diego Delgado (Jordi Mollà), quien lo contacta con el cartel de Medellín y con Pablo Escobar (Cliff Curtis).

“Blow” es una interesante biografía sobre un personaje bastante complicado, pero nada más que eso, sólo una biografía.
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Al momento de leer toda la información que puedes sobre “Blow Out”, película de la entrada anterior, es inevitable leer comparaciones con otra película de nombre similar, “Blow-Up”, cinta dirigida por Michelangelo Antonioni. Tienen tramas muy parecidas, pero una no es tan intensa como la otra.

En “Blow-Up”, el protagonista es Thomas (David Hemmings), un fotógrafo bastante superficial y solitario. Cierto día, mientras pasea por el parque Maryon, Thomas ve a una pareja discutiendo y les toma un par de fotografías. La mujer, llamada Jane (Vanessa Redgrave) lo encara y le pide el rollo de la cámara, pero Thomas no se deja y ella se marcha, enfurecida.

Más tarde, mientras Thomas revela las fotografías que tomó en el parque, se da cuenta de la presencia de un extraño hombre que estaba cerca de la pareja que discutía; este hombre los apuntaba con una pistola. Thomas cree que pudo haber sido testigo de un asesinato y, siguiendo el juego de convertirse en detective, decide volver al parque, sólo para encontrar el cadáver de un hombre justo en el lugar en donde la pareja discutía.

No dudo que Brian de Palma haya tomado inspiración en “Blow-Up” para crear “Blow Out”, pero la diferencia entre ambas películas es que esta última utiliza mucho más las técnicas del suspenso que la primera. En honor a aquellas películas italianas de la época, “Blow-Up” se toma su tiempo para contarnos las cosas y es mucho más existencialista que “Blow Out”.

El protagonista no sólo debe lidiar con un posible asesinato, sino que también con su percepción de la realidad, percepción que también nos hace dudar a nosotros, la audiencia, sobre lo que de verdad Thomas está viendo o pudo haber visto. Menos suspenso, pero mucho misterio también.
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Una de las cosas más geniales del mundo debe ser trabajar en algo relacionado a las películas, en cosas como la producción o el casting, por ejemplo. Quizás trabajar con sonido no sería una primera opción, pero Jack Terry (John Travolta) lo hace parecer interesante. Aunque trabaje para películas de bajo presupuesto, él es un profesional y, cuando le piden salir a grabar sonidos más realistas, toma sus cosas y se instala en un parque a atrapar todo lo que su equipamiento escuche.

Mientras está grabando, Jack presencia un accidente automovilístico, en donde el conductor muere, pero Jack se las arregla para rescatar a una joven que también viajaba en el auto, Sally (Nancy Allen). Una vez en el hospital, Jack se entera que el chofer era el gobernador George McRyan y que Sally era, en realidad, su escort. Preocupados de la opinión público, el staff de McRyan le pide a Jack que este asunto no pase a mayores.

Jack acepta y, con el tiempo, él y Sally comienzan a ser amigos. Ninguno de los dos sospechaba que aquel incidente en el parque era más serio de lo que parecía, ya que cuando Jack vuelve a escuchar la cinta que grabó, puede notar el sonido de un balazo segundos antes de que el auto se estrellara. La situación ahora se convierte en una conspiración y la presencia de Burke (John Lithgow), un tipo contratado por un rival del gobernador McRyan, amenaza la seguridad de Sally y la de Jack.

Había leído que “Blow Out” era una película de misterio llena de suspenso, pero es increíble la intensidad con la que se siente en cada escena, de principio a fin. Brian de Palma utiliza sus técnicas como el split-screen, el efecto profundo o el travelling para introducirnos todavía más en el contexto de la historia y hacernos creer que también nosotros somos los perseguidos.

Además de todo el suspenso, “Blow Out” también quedará en mi memoria gracias a ese final tan agobiante y desgarrador. Si alguien les dice que John Travolta no es buen actor o que siempre trabaja en películas algo mediocres, oblíguenlos a ver “Blow Out”.

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Cuando estaba haciendo el proyecto 365mm, varias veces me recomendaron “The 400 Blows”, una película francesa clave en esto de la nouvelle vague que tanto enamora a manos de directores como Jean-Luc Godard, por ejemplo. De François Truffaut, en cambio, no había visto ninguna película dentro de su filmografía, así que decidí comenzar con la primera película que dirigió también.

Basándose en varios recuerdos y vivencias de infancias, “The 400 Blows” cuenta la historia de Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), un adolescente de catorce años que parece no encajar ni en su familia ni en su colegio. Antoine se rebela en contra de sus padres, quienes lo tratan de mentiroso, y también se rebela en contra de sus profesores, quienes lo acusan de copiar un texto de Balzac para una tarea.

A Antoine le ofende mucho aquella acusación, ya que ama las obras de Balzac, por lo que decide dejar el colegio y roba una máquina de escribir, que estaba en el trabajo de su padre, para poder venderla y costear sus próximas aventuras. Para mala suerte de Antoine, sus padres lo descubren y deciden enviarlo a un centro para jóvenes rebeldes.

Quizás sea la diferencia de generación, ya que no quiero culpar a la diferencia de género, la que no me permitió disfrutar “The 400 Blows” como el gran clásico del cine que es descrito siempre. Muchos actores y directores han dicho que esta película marcó sus vidas, pero tanta expectativa tuvo el efecto contrario en mí.
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Cuando “Triumph of the Will” se estrenó en el Museum of Modern Art de Nueva York, Charlie Chaplin se rió a carcajadas de la película dirigida por Leni Riefenstahl, aquella nazi ferviente que fue una de las piezas claves dentro de las películas de propaganda alemana de la época. Junto con esta fuente de inspiración y las cada vez más constantes noticias sobre aquel nuevo personaje llamado Adolf Hitler, Charlie decidió crear su propia parodia.

“The Great Dictator” no era la primera sátira que se burlaba de Hitler, ya que Los Tres Chiflados ya lo habían hecho en “You Nazty Spy!”, por ejemplo, pero la película de Chaplin fue la más popular hasta ese momento. La historia se trata de un barbero judío (interpretado por el mismo Chaplin), quien vive en un país llamado Tomainia, lugar en donde Adenoid Hynkel (también Chaplin), un malvado dictador, ha llegado al poder.

El barbero está enamorado de Hannah (Paulette Goddard), con quien trata de luchar en contra de los militares de Tomainia; por suerte, el barbero tiene un amigo llamado Schultz (Reginald Gardiner), quien lo ayuda de librarse de varias, pero con quien, de todas formas, termina en un campo de concentración. La única manera de salvarse es fingir ser Hynkel y dar uno de los mejores discursos que podremos ver en alguna película, un discurso que debería enseñarse en cada clase de Historia, uno que cada líder en este planeta debería saber de memoria.

Además de lo impresionante que aquel discurso es, es impresionante también que una película como “The Great Dictator” haya podido ver la luz en aquella época, los primeros años de la Segunda Guerra Mundial; fue todo un éxito, pero también estuvo estrictamente prohibida. Debido a aquel mérito, también es una película que debe verse sí o sí; no importa si el mundo piensa que algo como el régimen nazi jamás volverá a pasar, ya que nunca está de más recordar nuestros peores crímenes para no volver a cometerlos.
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La fotografía que adorna cada escena de las películas dirigidas por Krzysztof Kieślowski debe ser una de las más hermosas en toda la historia del cine. Además de eso, cada historia que cuenta es tan adorable y emotiva como cada uno de sus personajes; parecen ser cuentos salidos de los mejores libros o de las mejores leyendas de lugares todavía desconocidos. “La double vie de Véronique” no es la excepción.

En esta película, nos presentan primero a Weronika (Irène Jacob), una joven que vive en Polonia; ella es una cantante de ópera y siempre ha sentido que no está sola en este mundo. Cierto día, durante una protesta, Weronika ve a una joven idéntica a ella, por lo que le sonríe mientras la desconocida toma una foto del panorama. Lamentablemente, mientras canta en una función, Weronika sufre un ataque cardíaco y muere en el escenario.

Al mismo tiempo, en Francia, una joven llamada Véronique (también interpreada por Irène Jacob) rompe en llanto, sin saber por qué; por alguna razón, decide renunciar al coro en donde trabaja, pero continúa realizando clases de música. Junto a uno de sus grupos, Véronique asiste a un espectáculo de marionetas y, luego de eso, comienza a ver al titiritero, Alexandre Fabbri (Philippe Volter), en más de una ocasión y comienza a recibir extraños y adorables regalos de un remitente desconocido.

A pesar de que ambas mujeres de nombres parecidos y apariencia idéntica nunca pudieron conocerse, ninguna podía negar aquella conexión única que las hacía sentir menos solitarias de lo que podían haberse sentido; Véronique explica que siempre había sentido que estaba en dos lugares al mismo tiempo. Podemos no creer en el destino o en las coincidencias, pero más de alguna vez hemos sentido algo parecido, algo inexplicable.

“La Double Vie de Véronique” es una de las películas más hermosas que he visto, de esas que podrías ver todo el día sin aburrirte, de las que te dan esperanzas que, algún día, algo así de bonito podría pasarte también. 

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La tercera y última entrega de la trilogía de los colores tiene por título “Red”, el cual hace ilusión al color que representa la fraternidad. Así como es la última parte de esta saga, “Red” también es la última película del director Krzysztof Kieślowski, quien murió tan sólo dos años después de anunciar su retiro, algo que lamento ahora que apenas comencé a conocer su filmografía.

En “Red”, la protagonista es Valentine (Irène Jacob), una joven estudiante y modelo; uno de sus afiches más conocidos es una publicidad de goma de mascar, la cual es expuesta en varios lugares de París. Mientras regresa a su departamento, Valentine hiere accidentalmente a una perra llamada Rita; su dueño, Joseph Kern (Jean-Louis Trintignant), no parece estar muy afectado, por lo que Valentine se queda con Rita.

Con el paso de los días, Valentine y Joseph comienzan a verse más seguido y Valentine aprende que él se dedica a escuchar las conversaciones telefónicas de sus vecinos, algo que a ella no le parece ético. Al mismo tiempo, la película también muestra la historia de un joven estudiante de leyes, llamado Auguste (Jean-Pierre Lorit), vecino de Valentine, quien pronto conocerá el lado triste de estar enamorado.

El simbolismo del color rojo y la fraternidad se hace presente en “Red” cuando las historias de estos tres desconocidos comiencen a unirse y a relacionarse, en una demostración que nos recuerda lo pequeño que es el mundo y lo universal que son ciertas emociones. “Red” debe ser la más romántica y esperanzadora de las tres películas de esta saga y, al mismo tiempo, tiene algo mágico que la rodea, algo que se siente, sobre todo, en aquella última escena sobre los sobrevivientes del transbordador y el close-up a Valentine.

Al igual que “Mad Max” y “Before…”, “Trois Couleurs” también pasa a ser parte de mis trilogías favoritas del cine. No puede ser más hermosa.
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“Blanc”, la segunda entrega de la trilogía de los colores, basa su historia en el color blanco, el cual simboliza a la igualdad. El protagonista es Karol Karol (Zbigniew Zamachowski), un polaco que vive en París y quien está pasando por el peor momento de su vida.

Hay una escena en la película anterior, “Bleu”, en donde Julie, la protagonista, va a un juzgado y, sin querer, entra a una sala en donde un juicio por divorcio se está llevando a cabo. El matrimonio en cuestión se trata de Karol y Dominique (Julie Delpy), quien necesita separarse, ya que la unión nunca fue consumada. Dominique gana el caso y le entrega a Karol sólo una maleta con todas sus cosas; él pierde su pasaporte, el acceso a sus cuentas y al salón que ambos administraban.

Karol no tiene más remedio que mendigar en la calle, pero, por suerte, se hace amigo de otro polaco, Mikołaj (Janusz Gajos), quien le muestra más compasión de la que Dominique todavía le niega. Mikolaj decide ayudar a Karol y lo lleva de regreso a Polonia, en donde, luego de otros problemas, Karol comienza a trabajar y a planificar su venganza.

A pesar de que el blanco es un color que también simboliza inocencia y tranquilidad, me pareció que los personajes personificaban todo lo contrario, sobre todo Dominique, pero, ya que la idea del blanco es la igualdad, luego se entiende que el propósito de Karol es conseguir dicha igualdad a través de todos los esfuerzos que hace para recuperar su vida, incluida su venganza; lenta, pero efectiva.

“Blanc” es algo menos intensa que “Blue”, tiene hasta algo de humor, pero creo que será mi tercera favorita dentro de esta saga.
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La trilogía de los colores (azul, blanco y rojo) es una trilogía escrita y dirigida por Krzysztof Kieślowski, quien se basó en los colores de la bandera francesa para explorar también sus conceptos de libertad, igualdad y fraternidad. “Trois couleurs: Bleu” es la primera entrega de esta trilogía y trata sobre la libertad emocional.

La protagonista, Julie (Juliette Binoche), es una mujer que pierde tanto a su marido como a su pequeña hija en un accidente de tránsito; Julie queda tan devastada que hasta intenta suicidarse mientras se recupera en el hospital. Tras volver a su hogar, decide deshacerse de todas sus posesiones y poner la casa en venta; se muda a un pequeño departamento en el centro de París y se aleja de todos sus cercanos y conocidos.

Julie quiere dejar el pasado atrás, pero el pasado le sigue los pasos de cerca. Un joven que vio el accidente se le acerca para hablarle sobre su marido, mientras que una de sus composiciones de música necesita ser terminada y la más indicada para eso es, precisamente, Julie, pero la revelación de un secreto de su marido pondrá en duda el resultado de las cosas.

Por más que el personaje de Julie quiera alejarse de todo el mundo, se le hace imposible permanecer sola como ella quiere y “Trois couleurs: Bleu” refleja muy bien ese sentimiento de tristeza y nostalgia por lo que se ha perdido; después de todo, el color azul siempre ha sido relacionado con este estado tan sombrío, pero, al mismo tiempo, el color es tan hermoso que la película aprovecha eso para crear escenas demasiado preciosas.

Espero que las próximas dos partes de la trilogía sean igual de hermosas.

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