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We'll always have Paris

 


Edmundo Nóbile (Enrique Rambal) y su esposa Lucía (Lucy Gallardo) son los anfitriones de una muy formal y elegante cena en su inmensa mansión; sus empleados tienen bastante prisa por irse, mientras que los invitados parecen tener muchas ganas de permanecer en el hogar. Después de la cena, los invitados y los anfitriones pasan hasta uno de los salones de estar; llega la medianoche, luego la una de la madrugada, las tres y nadie parece querer marcharse. Debido a las altas horas, los invitados deciden quedarse a dormir. A la mañana siguiente, aceptan el café del desayuno, pero continúan sin moverse del salón. El grupo de aristócratas está encerrado en aquella sala sin poder salir a ninguna parte y sin explicación alguna; días y semanas pasan y las personas continúan sin saber por qué no pueden salir de aquella mansión.

"El Ángel Exterminador" puede ser una película muy compleja y difícil de entender si sólo nos concentramos en tratar de comprender su significado, pero lo que hay que recordar es que es parte del género del surrealismo y que su propio director, Luis Buñuel, nunca explicó el simbolismo de la trama, sino que prefirió dejarlo a la interpretación de los demás. Lo que sí es claro es que "El Ángel Exterminador" presenta elementos de crítica social, debido a las diferencias obvias entre los invitados y los empleados, así como también detalles que recuerdan al género del terror o del misterio.

Hasta el día de hoy, nadie sabe por qué los personajes no podían salir de aquella mansión; lo que sí entendí es que "El Ángel Exterminador" no es una película apta para ver durante una cuarentena.
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Francia, siglo XVIII. Marianne (Noémie Merlant) es un pintora a quien le es encargado crear un retrato de Héloïse (Adèle Haenel); si el retrato es del agrado del joven que pidió su mano en matrimonio, Héloïse viajará a París para comenzar una nueva vida como mujer casada. Héloïse cree que Marianne es su nueva dama de compañía, quien estará con ella durante sus paseos alrededor de una playa. En un principio, existe bastante tensión entre ambas, quizás porque saben que la otra escondiendo algo, pero, poco a poco, las cosas comienzan a normalizarse, en especial, luego de la revelación del primer cuadro y gracias a la amistad ambas mantienen con Sophie (Luàna Bajrami), la joven empleada de la casona. Marianne y Héloïse también comienzan a notar sus sentimientos por la otra, dentro del contexto de una de las historias más románticas y hermosas que he visto en la vida.

La historia de Marianne y Héloïse es emocionante, no sólo porque se trata de un amor entre mujeres, sino porque también es una relación tan breve y tan intensa que nos recuerda que, por muy corto que haya sido un encuentro, no significa que no haya sido algo real; el amor que se sintió en ese momento puede ser tan profundo como eterno y eso nunca será una historia triste. Como explicaba su directora, Céline Sciamma, "Portrait de la Jeune Fille en Feu" es una historia de amor basada en la igualdad: Marianne y Héloïse se admiran mutuamente. Héloïse no es una simple musa sexualizada para el placer de alguien más; Héloïse acepta ser observada y retratada una vez que Marianne baja su guardia y puede trabajar tal como prefiere, tal como ella es. 

La igualdad también está presente en las interacciones entre Marianne y La Condesa (Valeria Golino), madre de Héloïse; hablar acerca de sentimientos de pérdida o de nostalgia con la nobleza no es algo muy común. La igualdad vuelve a aparecer en la relación que Héloïse y Marianne desarrollan con Sophie; a pesar de que Sophie es una empleada, las jóvenes enamoradas nunca la menosprecian, la incluyen en sus actividades y la apoyan durante cada momento de aquella decisión tan feminista que Sophie asume, una decisión que siempre ha existido, pero que el cine y el género de época muchas veces nos han privado de ver.

Una película como "Portrait de la Jeune Fille en Feu", que ofrezca este tipo de relaciones entre mujeres, es increíblemente enriquecedora.

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El reconocido Doctor Génessier (Pierre Brasseur) es un brillante cirujano francés que sufre la pérdida de su hija, Christiane (Édith Scob); ella había desaparecido tras un accidente de tránsito que la dejó completamente desfigurada. El doctor Génessier le hace creer a todo el mundo se encuentra de luto, cuando, en realidad, mantiene a Christiane escondida dentro de su hogar para poder continuar con sus experimentos y reconstruir el rostro de su hija. Sin la ayuda de su asistente, Louise (Alida Valli), Génessier no podría llevar a cabo sus planes; Louise secuestra a hermosas jóvenes que tengan algún rasgo parecido a los de Christiane para que el doctor experimente con ellas. Básicamente, les remueve la piel del rostro para crear una nueva piel que usará en Christine.

"Les yeux sans visage", o "Eyes Without a Face", como dice su título en inglés, es de aquellas películas antiguas, en blanco y negro, que despierta temor y morbo; las escenas de operaciones y la escena de los perros son demasiado escalofriantes, de esas que te obligan a cubrirte los ojos o mirar hacia otro lado para ignorar la atrocidad de lo que está sucediendo. Es inevitable recordar a “La Piel que Habito" y podemos notar que Pedro Almodóvar no mentía cuando dijo que "Les yeux sans visage" había sido una gran fuente de inspiración.
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Todos los días, Sebastián (Ricardo Darín) pasa a buscar a sus pequeños hijos, Luca y Luna, hasta el departamento en donde ellos viven con su madre, Delia (Belén Rueda), ex esposa de Sebastián. Los tres tienen un juego para ver quién llega primero a la entrada del edificio: los niños bajan por las escaleras y Sebastián toma el ascensor; parece entretenido, pero a Delia nunca le ha gustado mucho. Cierto día, cuando Sebastián llega al primer piso, se da cuenta de que sus hijos no aparecen por ningún lugar. Lo que comienza con un pequeño susto se transforma en su peor pesadilla: recibe la llamada de un desconocido diciéndole que sus hijos han sido secuestrados.

La primicia prometía, pero durante el resto de la película no se vuelve a sentir otra pizca de suspenso ni de empatía por los personajes.
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Andrés Wood, director y escritor de “Violeta se Fue a los Cielos”, cuenta la historia de la cantautora y artista Violeta Parra de una manera no lineal, en donde el silencio se mezcla con los sonidos característicos del campo y con las melodías de la intérprete; hay algo en esa voz que hace que la historia de su vida se sienta mucho más dolorosa. Sumada a la actuación de Francisca Gavilán, podemos ver el retrato de un personaje tan imperfecto como apasionado.

"Violeta se Fue a los Cielos" debe ser una película obligatoria para todo fanático de Violeta Parra, pero también es un muy buen material para aquellos que quieran aprender más acerca de esta artista de lo que apenas nos enseñaban durante el colegio.

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Todavía recuerdo con mucha risa aquel podcast de Flimcast, en donde dijeron todo sobre "Maldito Amor"; no sólo es un podcast muy gracioso, sino que las críticas a esta porquería de historia tienen toda la lógica del mundo. Desde esa época y, a pesar de saber que perdería dos horas de mi vida, nada me quitaba las ganas de ver “Maldito Amor”. Incluso cuando conocí a Hermes el Sabio, él me advirtió que no la viera, pero la curiosidad siempre fue mayor.

Sí, la experiencia fue horrible, tan horrible como ver las películas anteriores de Sebastián Badilla. No hay nada que se pueda rescatar o destacar en "Maldito Amor"; desde las actuaciones, pasando por la historia, el desarrollo, la dirección, todo es más horrible que lo anterior. Como siempre, la frustración ante un joven de padres millonarios que se las da de director genial y revolucionario dentro del cine chileno, sólo deja dolores de cabeza y sentimientos de arrepentimiento.
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Molly Gunn (Brittany Murphy) es un alma libre al viento, quien vive sin preocupaciones gracias a la herencia que le dejó su padre, Tommy Gunn, leyenda de la música de rock; todo en su vida va bien hasta que una mala jugada del contador de su padre deja a Molly, completamente, en la quiebra. La joven no tiene otra opción que mudarse al departamento de su amiga Ingrid (Marley Shelton), quien sólo la acepta en su hogar si Molly promete conseguir un trabajo; ella, entonces, se convierte en la niñera de Lorraine Schleine (Dakota Fanning), una pequeña obsesionada con el orden y la limpieza, cuya madre no le dedica ni tiempo ni atención.

"Uptown Girls" es una película ligera y tierna, pero algunos mensajes ya no llegan como antes. De todos modos, es lindo volver a ver por unas horas a Brittany Murphy.
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Tree Gelbman (Jessica Rothe) es una joven estudiante universitaria que disfruta la vida dentro del campus en donde estudia y no tiene problemas para no aparentar la imagen que se espera de la sororidad a la que pertenece. Cierto día, Tree despierta en el dormitorio de Carter Davis (Israel Broussard), un tipo con el que no recuerda haberse acostado; sale rápidamente de allí hasta su habitación, en donde también actúa fríamente con Lori Spengler (Ruby Modine), su compañera de cuarto, evitando también cualquier saludo de cumpleaños. Más tarde, aquella misma noche, mientras Tree va camino a una fiesta, es asesinada por un desconocido que usa una máscara de bebé.

Lejos de ser un ejemplo de la clásica técnica de “Psycho”, en donde la protagonista muere durante el primer acto y no volvemos a verla, “Happy Death Day” revive a Tree para que repita, día tras día, la misma rutina de su última jornada. Lo que en un principio parece una tortura, luego pasa a ser una solución: con cada despertar, Tree nota que tiene una nueva oportunidad de descubrir quién es su  verdadero asesino.

"Happy Death Day" es, sorprendentemente, entretenida; no aburre con la repetición de cada despertar y es lo suficientemente inteligente como para ofrecer una especie de trama distinta cada diez o quince minutos. Es genial que, durante el último tiempo, nos estén entregando varias películas de terror protagonizadas por mujeres que no sean tan decepcionantes.

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Basada en la historia de Cheryl Lynn Araujo, quien fue víctima de violación de manera consecutiva por parte de seis hombres, "The Accused" cuenta la experiencia de Sarah Tobias (Jodie Foster) con un caso parecido. Luego de discutir con su novio, Sarah decide salir al bar en donde trabajaba su amiga Sally (Ann Hearn); tras beber un par de tragos, Sarah comienza a coquetear con un tipo frente a la mirada inquisitiva de varios hombres a su alrededor, quienes la observan de cierta manera. Cuando Sarah comienza a bailar, el tipo en cuestión cree que aquel gesto es una invitación para hacer lo que él quiera y, mientras los demás aplauden y vitorean, ataca sexualmente a Sarah contra una máquina de juegos; otros dos hombres también se aprovechan de la joven, a vista y paciencia de todo el mundo presente en el bar, sin que nadie haga el menor movimiento con tal de ayudarla.

Como si pasar por aquella traumática experiencia no fuese suficiente, Sarah también debe enfrentar los prejuicios de las personas presente en la corte y los prejuicios de una sociedad que la critica debido a su estado de ebriedad, a su ropa provocativa, a sus coqueteos, a sus bailes, en lugar de respetarla y de tratarla como la sobreviviente que es. El papel que le valió a Jodie Foster su primer premio Oscar como Mejor Actriz es un papel complejo y fuerte, uno que, lamentablemente, no se aleja de la realidad que, hasta el día de hoy, debemos enfrentar sólo por el hecho de ser mujeres.
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La emoción por el estreno de esta película era increíblemente grande; significaba un cambio y un respiro de aire fresco dentro del género de superhéroes, ya que una nueva entrega del personaje de Harley Quinn sería dirigida por Cathy Yan y escrita por Christina Hodson, mujeres que podrían darle un giro a la manera en que Quinn siempre es retratada. Ambas contaban con la ayuda de Margot Robbie, quien se ha convertido en una gran actriz y productora y quien, ya varias veces, había mencionado que quería cambiar la mirada sexualizada bajo la que Harley ha estado desde sus inicios.

La historia de "Birds of Prey (Y Aquel Título Tan Entretenido)" comienza cuando la historia de Harley y su amado Guasón termina; ella queda desconsolada, pero trata de olvidar su importante relación cortando su cabello, practicando roller derby, adoptando a una hiena a la que llama Bruce (en honor a Bruce Wayne) y emborrachándose bastante seguido. Cierta noche, Harley decide incendiar la fábrica de Químicos Ace, lugar que tenía un significado especial para su antigua relación; de esta manera, toda Ciudad Gótica recibe el mensaje y varios villanos aprovechan el momento para vengarse de Harley, ya que no cuenta con la protección del Guasón ahora.

Uno de estos villanos es Roman Sionis (Ewan McGregor), también conocido como Black Mask; Roman es un amo del crimen, narcisista y sádico, quien ha perdido un importante diamante a manos de una pequeña carterista llamada Cassandra Cain (Ella Jay Basco). Para salvar su vida, Harley le promete a Roman que recuperará el diamante, pero tras ellos también se encuentra: Renee Montoya (Rosie Perez), una policía que busca encarcelar a Roman; Dinah Lance (Jurnee Smollett-Bell), la conductora de Roman que quiere proteger a Cassandra; y Huntress (Mary Elizabeth Winstead), una misteriosa vigilante que busca venganza en contra de Victor Zsasz (Chris Messina), la mano derecha de Roman.

Si ya amaba la idea de una película como esta, la producción y el resultado final de "Birds of Prey" conquistaron mi corazón. Es una cinta divertida, graciosa, inteligente y redonda, la cual presenta personajes nuevos e interesantes, así como también logra sacar todo ese peso misógino que Harley traía para crear a un personaje tan adorable como sensible, sin quitarle ni un centímetro de su característica inmoralidad y personalidad; sin duda, es un gran avance y un gran ejemplo de cómo hacer películas que siempre han estado a cargo del género masculino.

"Birds of Prey" también ofrece varios momentos de empoderamiento, ya que cada personaje principal femenino cuenta con una historia destacable y bien desarrollada; aunque, en un principio, varias de las protagonistas son desconocidas entre ellas o, simplemente, no se llevan bien, nunca ayudan en ayudarse mutuamente con tal de sobrevivir. Un gesto tan pequeño como el de prestar un colet para el cabello durante una pelea, por ejemplo, es muy significativo dentro de un género en donde a las mujeres fuertes parece nunca molestarles el perfecto cabello desordenado frente a sus rostros; es un ejemplo claro de que se necesita de mujeres para escribir y retratar a otras mujeres de una manera más realista y menos sexista.

"Birds of Prey" cumple con este objetivo, así como también cumple con el objetivo de entretenernos y de hacernos ansiar por una segunda y tercera parte tan fantabulosas como esta primera entrega.
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Luego del fiasco que significó haberme sentado a ver “The Irishman”, necesitaba recuperar las ganas de volver a ver a Al Pacino o a Robert De Niro trabajando juntos, por lo que, confiando ciegamente en críticas favorables, decidí ver “Heat”. 

Dirigida por Michael Mann, la película se trata de la historia de una banda de ladrones profesionales, liderados por Neil McCauley (Robert De Niro); la banda también cuenta con los talentos de Chris Shiherlis (Val Kilmer), Michael Cheritto (Tom Sizemore) y Trejo (Danny Trejo). Cuando un asalto termina con cuatro guardias asesinados, el teniente Vincent Hanna (Al Pacino) decide tomar el caso y se obsesiona con la idea de atrapar a la banda; lo que Vincent no sospecha es que los ladrones son tan inteligentes como él y, por más que él se les acerque, ellos siempre llevan la ventaja.

"Heat" es la clásica historia del gato que quiere atrapar al ratón, pero lo realmente interesante de ver es aquellas maravillosas actuaciones dentro de un contexto criminal. Robert De Niro y Al Pacino no decepcionan, así como tampoco lo hacen las actuaciones secundarias de Val Kilmer, Diane Venora e, incluso, la memorable segunda participación cinematográfica de Natalie Portman. "Heat" es una película entretenida e intensa; definitivamente, una mejora en la experiencia con este género.
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Continuando con historias que retratan lo compleja que es la pubertad y la adolescencia, escogí una película que es parte de la filmografía de Taika Waititi; supuse que su humor ayudaría a darle algo de gracia y esperanza a aquella etapa. En "Boy", aprendemos la historia, precisamente, de Boy (James Rolleston), un pequeño de once años, quien comienza unas nuevas vacaciones escolares.; Boy vive con su adorable abuela, cuatro primos más pequeños y con Rocky (Te Aho Aho Eketone-Whitu), su hermano menor que cree tener poderes, ya que su madre falleció durante su nacimiento. 

Luego de que la abuela se marche durante dos semanas debido a un funeral, el padre de Boy y de Rocky regresa inesperadamente y se adueña del control del hogar junto a dos de sus amigos, con quienes forma parte de una banda callejera, Crazy Horses; Boy adora a su padre e inventa historias sobre su valentía y honor, pero la realidad es que Alamein (Taika Waititi) es un idiota, un holgazán y un engreído que no le ha ganado a nadie y que no se molesta en recuperar la relación con sus pequeños hijos.

Por mucho humor negro o detalles adorables que tengan las historias de Taika Waititi, el director encuentra alguna manera de destrozar tu corazón. Algunos padres no tienen idea lo mucho que pueden dañar a sus propios hijos y Taika se encarga de retratar aquel dolor y decepción de la única y mejor manera en la que sabe hacerlo.
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Sara (Julia Lübbert) es una dulce adolescente de trece años, quien vive en Viña del Mar. Sara comparte el día a día con su hermana menor, Catalina (Emilia Ossandón), con su madre, Paula (Mariana Loyola) y con la pareja de ella, Lía (Agustina Muñoz); Sara y Catalina no tienen problemas con el hecho de que su madre ahora viva con una mujer y llevan una vida tan normal como la de cualquier otra familia. Lamentablemente, la adolescencia debe ser la peor etapa de nuestras vidas y Sara debe enfrentar un nuevo año escolar, sentimientos por el sexo opuesto y la discriminación y prejuicios de su padre, de su abuela y de todos aquellos a su alrededor

Películas como "Rara" son bastante cercanas a mi estilo preferido de películas, por lo que verla dentro del contexto de cine chileno me hizo sentir una esperanza, orgullo y sorpresa. La directora, María José San Martín, contó una historia real y adorable, una que se asemeja a una pequeña parte de la realidad chilena, una que está siendo respetada cada día más; claro que falta mucho para avanzar en este tema, pero ahí reside parte de la belleza de "Rara", ya que las películas nos acercan a otras realidades y, de esa manera, podemos entendernos mutuamente.

La realidad de "Rara" es que una familia puede estar compuesta por distintas personas y, cuando la sociedad por fin acepte este idea, las cosas comenzarán a ser un poco mejor. Por el momento, el amor y la aceptación comienzan por casa y niñas como Sara o Catalina irán muy bien encaminadas por este mundo.
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Catalina. Basada en hechos reales.

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