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We'll always have Paris

 


Cada cierto tiempo, encuentro con alguna película que me recuerda lo mucho que me gusta el cine. Me alegra que, esta vez, el turno sea el de una película de Martin Scorsese; siguiendo el archivo de este blog, mis experiencias viendo algunas de sus películas fueron bastante decepcionantes. Es algo que uno nunca espera pasar con un director tan premiado y alabado, razón por la cual también creo que deberíamos acabar con aquel pedestal en donde ponemos a varios artistas, ya que sólo genera expectativas o impide cualquier otro tipo de opinión distinta, por lo que, cuando decidí a ver "The King of Comedy", me quedé con lo que sabía: que era otra de las colaboraciones entre Martin Scorsese y Robert De Niro; ni siquiera quise internalizar todas aquellas referencias que se hizo a esta película durante la época de "Joker".

Teniendo una vez más a Nueva York como lugar de los hechos, la historia se centra en Rupert Pupkin (Robert De Niro), un aspirante a comediante bastante delirante, cuyo sueño es aparecer en la televisión y cuyo apellido nadie se molesta en pronunciar bien. La estrella favorita de Rupert es Jerry Langford (Jerry Lewis), una especie de David Letterman o Jay Leno, a quien sigue de manera enfermiza y peligrosa. Rupert, claramente, no lo ve de esa manera; él es sólo un profesional con un sueño que está dispuesto a cumplir, un hombre común y corriente que sólo necesita una oportunidad.

La convicción de Rupert podría ser admirable si no fuese por aquel detalle de su cegadora obsesión. No es difícil identificarse con el personaje o, incluso, sentir algo de cariño hacia él, ya que es muy convincente cuando se trata de su misión; además, tiene cierto carisma, es educado y de verdad cree que, como estrella emergente, merece un espacio en televisión. Si somos sinceros, ¿quién no ha practicado una futura entrevista en algún late show estadounidense? El problema es que Rupert es tan insistente que es inevitable no sentir vergüenza ajena tras cada uno de sus intentos de acercamiento a Jerry; hasta se vuelve incómodo pensar durante dos horas en qué tan gracioso es en realidad el número que quiere presentar en el programa del animador. ¿Es Rupert tan talentoso como asegura ser? ¿Es simplemente un psicópata? 

Porque si se trata de psicópatas, Jerry Langford los conoce bien. No sólo tiene que lidiar con los cada vez más peligrosos acercamientos de Rupert, sino que también tiene que evadir la inagotable insistencia de Masha (Sandra Bernhard), una obsesiva fanática quien es capaz de estar todo el día en las afueras del canal esperando a Jerry, de enviarle todas las cartas que pueda o de, incluso, entrar a su auto privado con tal de ser escuchada. Para mala suerte de Jerry, Masha y Rupert son amigos, ambos fanáticos sin control, dispuestos a hacer lo que sea con tal de conseguir la atención del animador.

La historia continúa entre escenas del día a día del personaje principal, las cuales se mezclan con sus fantasías, en donde él ya es un reconocido comediante y la relación con Jerry da un giro: él admira a Rupert y es quien necesita de su ayuda. Pareciera que ninguna escena sobra, ya que cada una es tan divertida, por más incómodo y desubicado que sea el momento; la gracia está, claro, en las actuaciones, pero también en ese humor negro que tanto funciona. La falla de Rupert con las tarjetas o el grito “I hope you get cancer!” todavía me hacen reír.

Las consecuencias que Rupert debe afrontar son las consecuencias prácticas que cualquier fanático obsesivo hubiese tenido que enfrentar también, pero, al mismo tiempo, representan una segunda oportunidad para la realidad en la que vive el comediante. Rupert vive totalmente desconectado de la verdad a su alrededor; es el héroe de su propia historia y cualquier oportunidad de ser el centro de la atención es un mérito. Todos los méritos también los tiene "The King of Comedy", pasando a ser ahora una de mis películas favoritas. La reconciliación entre la filmografía de Martin Scorsese y yo es un hecho.

“Better to be king for a night than a schmuck for a lifetime”.

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Al son de una cálida canción de Stevie Wonder que decora los créditos iniciales, "The Outsiders" pareciera ser una película hecha casi para uno de esos especiales Hallmark de la televisión cliché estadounidense. La realidad es, completamente, diferente; "The Outsiders" es un crudo relato sobre un grupo de jóvenes vulnerables tratando de sobrevivir el día a día durante mediados de los años sesenta.

La juventud de la ciudad de Tulsa está dividida en dos grupos. Por un lado, tenemos a la banda de los Greasers, un grupo de adolescentes que debe afrontar la dura realidad de la vida: pobreza, abandono y violencia; mientras que, por el otro, están los Socs: los privilegiados. Entre ambos grupos siempre existen roces y discusiones que terminan en peleas a golpes. Una pelea, en específico, es la que desata la mayor cantidad de problemas, luego de que Ponyboy Curtis (C. Thomas Howell) y Johnny Cade (Ralph Macchio), ambos Greasers, entablaran una amistad con Cherry (Diane Lane), una Soc. El novio de Cherry busca a sus enemigos para darles una lección, pero la pelea no deja más alternativa para Ponyboy y Johnny que escapar de la ciudad y de la ley que quiere condenarlos.

Recuerdo haber leído el libro de S. E. Hinton cuando estaba en el colegio y un par de escenas quedaron marcadas, porque, habiendo estudiado toda la vida en un colegio católico, no leíamos muchos libros con una temática violenta como la de "The Outsiders". De hecho, el libro no era ni siquiera tarea; era la tarea de uno de mis hermanos. Según lo que recuerdo, la película es bastante fiel al libro, lo que siempre es un agrado, pero no conseguí sentir la misma sensación de tristeza y desesperanza que te llega cuando lees el libro. Cuando algo como eso sucede, recuerdo que no es lo mismo consumir cierto contenido durante la adolescencia que hacerlo durante la adultez.

De todos modos, el gran crédito de "The Outsiders" es haber reunido a tanto nombre, posteriormente, famoso que se lució durante la década de los ochenta y la de los noventa: C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Rob Lowe, Patrick Swayze, Tom Cruise, Emilio Estevez y Diane Lane. Sólo faltaron Kevin Bacon y Molly Ringwald.

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La fantasía disco, fantasía que incluye bailes sobre patines, prometía seguir el mismo éxito que había conseguido "Grease" un par de años antes, pero terminó convirtiéndose en uno de los peores fracasos de 1980. Se dijo que la trama no tenía sentido y que las actuaciones dejaban mucho qué desear, pero como un ave fénix renaciendo de las cenizas, "Xanadu" se ha convertido, con el tiempo, en una especie de película de culto.

"Xanadu" lo tenía todo para ser un éxito: Olivia Newton-John recién saliendo del papel de Sandy, un protagonista atractivo según el estándar de los años ochenta, un adorable Gene Kelly, música de Electric Light Orchestra y coreografías creadas por Kenny Ortega ("Dirty Dancing"), pero la película terminó demostrando que también lo tenía todo para fracasar. 

La trama de la película es algo sosa: Kira (Olivia Newton-John) es una musa que reaparece en la Tierra para inspirar a Sonny (Michael Beck) y a Danny (Gene Kelly) a que abran un club llamado Xanadu, un propósito bastante extraño, ya que Sonny es pintor y Danny no sabe en qué invertir todo el dinero que tiene. Se supone que nos presentan una pequeña historia de amor desarrollándose entre Kira y Sonny, pero entre ambos hay tan poca química que sus escenas se vuelven muy incómodas; y sus escenas son varias, por lo que toda la historia se vuelve muy aburrida. De hecho, Sonny tiene más química con Danny y creo que por esta razón es que la película es tan popular en la cultura gay también: subtexto.

Gracias a este detalle y, a pesar de sus defectos, "Xanadu" sí logró convertirse en una película de culto gracias también a ese perfecto soundtrack, el cual vendió millones de copias y que tiene canciones que bailamos hasta el día de hoy. Cuando fui a ver a Olivia Newton-John al Festival de Viña, Xanadu fue una de las canciones más coreadas y bailadas; esa noche, a nadie le importaba si la película había sido mala o una obra de arte infravalorada.

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Nunca fui fanática de Spice Girls durante la adolescencia y, últimamente, me he preguntado qué tan diferente hubiera sido mi vida si hubiese sido influenciada por el girl power, los perfumes de Impulse o la bandera del Reino Unido. Creo que mi adolescencia fue mucho más influenciada por la cultura pop estadounidense y bandas como TLC o Destiny’s Child, quienes también ejercían girl power, pero quizás de una manera distinta.

Por esta razón, tampoco nunca vi "Spice World". Pensaba que se trataba de un simple documental sobre algún momento de alguna gira, pero mientras veía la película y notaba que tenía una trama, distintos personajes e incluso cameos muy interesantes, la historia se vuelve mucho más entretenida. Las Spice Girls deben prepararse para un gran concierto que darán en el Royal Albert Hall, pero tienen muchas distracciones durante el camino: el embarazo de su mejor amiga, paparazzis persiguiéndolas por todas partes, presiones por parte de su manager y otras situaciones que ponen en peligro la realización del concierto.

Entre varias escenas, también encontramos momentos musicales, en donde las clásicas canciones del grupo suenan en una versión más acústica, pero, sin duda, el mejor momento es durante el concierto final. Every boy and every girl, spice up your life ♪ 

"Spice World" tendrá sus momentos "ridículos", pero es muy entretenida.
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Antes de que la Primera Guerra Mundial arruinara la diversión de comienzos de siglos, Jules (Oskar Werner) y Jim (Henri Serre) eran inseparables; ambos disfrutaban de la bohemia francesa y del mundo artístico underground que siempre ha tenido tanto para ofrecer. Mientras que Jules es un tímido escritor y traductor, Jim es mucho más sociable, pero sus personalidades saben complementarse se convierten en los mejores amigos durante aquella época tan idealizada y romántica. Las aventuras de ambos son retratadas en aquel hermoso estilo de la French New Wave: blanco y negro, barridos, travelling y narrador incluido.

Tras varios encuentros desinteresados con distintas mujeres, Jules y Jim conocen a Catherine (
Jeanne Moreau), una joven idéntica a una estatua que ambos amigos adoran desde la primera vez que la vieron. Catherine se une a sus aventuras, pero las cosas se vuelven complicadas, ya que tanto Jules como Jim se enamoran de ella y Catherine, a su vez, se enamora de ambos. No sólo aquella problemática se hace presente, sino que también aparece la guerra europea. Jules debe pelear defendiendo a Austria y Jim, apoyar el lado francés; los amigos no saben siquiera si podrán volverse a ver.

"Jules et Jim" es, claramente, una película sobre un romance, pero más allá de ser la historia sobre el romance entre Catherine y Jim o Catherine y Jules, se trata de la historia de amor entre Jules y Jim, dos amigos que superaron distancias, tiempo, guerras, amores, amigos que siempre se respetaron y se quisieron. Podrían haber solucionado muchas cosas, podrían haber vivido junto a Catherine, los tres juntos, para siempre y, debido a aquella frustración, el final se siente tan desconsolador.

"La amistad de Jules y Jim no tenía equivalente en el amor"
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Estuve varios años evitando ver "Mr. & Mrs. Smith"; en un principio, la evitaba a toda costa, porque siempre he sido y siempre seré #teamJennifer y porque, además, con el tiempo me di cuenta de que, si veía esta película, una seguidilla de clichés me estaría esperando, seguidilla capaz de conseguir que terminara odiando todo lo relacionado a "Mr. & Mrs. Smith". Al final, la experiencia no fue tan extrema.

John (Brad Pitt) y Jane (Angelina Jolie) se conocen en una Bogotá sacada completamente de un estereotipo estadounidense; ambos son tan hermosos que la química es inevitable y, luego de un par de meses, contraen matrimonio. El único detalle que podría prevenir su felicidad es que, tanto Jane como John, son agentes secretos a cargo de asesinatos a sueldo y misiones encubiertas. Ambos tratan de vivir una doble vida en aburridos suburbios y sus vidas parecen continuar con tranquilidad, hasta que la misión de uno sea acabar con el otro.

A pesar de que "Mr. & Mrs. Smith" es algo entretenida, pude haberla disfrutado más si no estuviese clavada de tantos clichés durante la mayoría de sus escenas; la mujer usando la camisa del hombre post coito, por ejemplo, ¿hasta cuándo? Tanto cliché sólo consigue menospreciar cierto contenido, aunque Brad  Pitt y Angelina Jolie se vean tan perfectos como se ven cada vez que aparecen en pantalla. Para que una película funcione, se necesita mucho más que simple química.

El lado positivo de todo esto es que la idea de la trama sirve para trabajar y entregar mucho más material, por lo que espero con muchas ansias lo que Phoebe Waller-Bridge y Donald Glover nos tienen para ofrecer con aquella nueva serie que están preparando. Una nueva razón para tener que sobrevivir este 2021.
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En general, las tramas acerca algún drama militar no siempre consiguen entusiasmar el ánimo, sobre todo aquellas que pretenden dejar como grandes héroes de la nación a los integrantes de una institución corrupta y violenta. Esta institución, además, tiene reglas y códigos que son difíciles de comprenden, como el tal código rojo que da comienzo a "A Few Good Men".

En la base estadounidense que se encuentra en Guantánamo, el infante William Santiago (Michael DeLorenzo) es, misteriosamente, asesinado; los sospechosos son dos de sus compañeros: Harold Dawson (Wolfgang Bodison) y Louden Downey (James Marshall). El caso pasa a un tribunal militar, en donde la teniente y abogada, JoAnne Galloway (Demi Moore), cree que los acusados actuaron bajo un supuesto código rojo, aquel tipo de castigos ilegales que se practican, de todas formas, en distintas bases militares. 

La convicción de JoAnne es admirable, pero su profesionalismo es interrumpido por el abogado titular del caso, Daniel Kaffee (Tom Cruise), un tipo que no se toma muy en serio su trabajo; Daniel sólo busca conseguir una declaración de culpabilidad y un par de años de sentencia a ambos acusados y olvidar rápidamente el incidente. A pesar de sus diferencias, JoAnne y Daniel consiguen trabajar juntos y llegar hasta el final de las consecuencias con tal de conseguir la verdad, una verdad que el coronel Nathan Jessup (Jack Nicholson) se niega a entregar.

El hecho de que Rob Reiner sea el director de "A Few Good Men" es lo suficientemente interesante como para dejarse llevar por una trama que quizás nunca hubiese llamado mi atención. Lo malo es que, al final, no prescindimos de aquella escena en donde todo se vuelve patrióticamente estadounidense, bandera flameando, protagonista cayendo dentro de la cualidad white savior. Las cosas parecían ir tan bien por un instante.
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Como a la mayoría de las personas de mi generación, la Britneymanía también me pegó con fuerza; amaba todas sus canciones, sus coreografías y consumía todo lo que MTV nos ofrecía sobre Britney. Recuerdo que, después de la pública ruptura con Justin Timberlake, dejé de escuchar la música de Britney y no puse mucha atención a todo lo relacionado con su matrimonio con Kevin Federline, a sus salidas con Paris Hilton o a sus peleas con los paparazzis. No era nada del otro mundo que una celebridad viviera escándalos como esos.

La prensa de aquella época se daba un festín con cada acto que Britney Spears hacía o dejaba de hacer, y creíamos todo lo que se decía sobre ella: que se había vuelto loca, que estaba fuera de control, que había perdido la custodia de sus hijos debido a su irresponsabilidad, que se rapó todo el cabello sólo para llamar más la atención y varias otras exageraciones; existían hasta camisetas y tazones con la imagen de Britney rapándose la cabeza. La tratábamos como si hubiese sido una broma.

El documental de The New York Times Presents, "Framing Britney Spears", nos recuerda aquella época en donde Britney era un blanco fácil, logrando que abramos los ojos ante lo injusto y crítico que fue nuestro rápido juicio sobre ella durante sus años más difíciles. El documental comienza mostrando la carrera de Britney, desde sus inicios en el Mickey Mouse Club hasta sus residencias en Las Vegas, pero también recalca el nulo apoyo que la cantante tuvo por parte de su familia y la intensidad con la cual la prensa necesitaba mostrar todo lo que tenía relación con su vida personal, incluyendo aquellos debates tan retrógrados e invasivos sobre su virginidad o sobre la talla de su sostén.

La causa #freeBritney es más fácil de comprender también. Debido a una medida legal, pero muy poco ética, Britney Spears no tiene el control de sus finanzas ni de su vida social; su padre, Jamie, quedó a cargo de la vida de su hija cuando Britney tuvo aquellos episodios en donde debió ser internada en clínicas de rehabilitación. Es una medida que, para una persona capaz de hacer giras mundiales, de realizar shows en Las Vegas, de participar de programas de televisión, de recuperar la custodia de sus hijos, es totalmente innecesaria; sus fanáticos defienden a muerte la liberación de la cantante y, según uno de los últimos juicios, las cosas irían mejorando para Britney.

Aquello significa una señal de esperanza para la princesa del pop y la resolución de "Framing Britney Spears" también se siente como una especie de alivio tras toda la culpa y la pena que conlleva el terminar este documental. Una de las entrevistadas, bastante cercana a Britney, dice que accedió a participar para que el mundo recordara lo fantástica y genial artista que Britney era durante los mejores momentos de su carrera. Creo que varios de nosotros la volveremos a recordar así.

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La obsesión con la monarquía británica es real y, mientras más material de Diana Spencer nos dan, más consumimos. Disfruté mucho la cuarta temporada de "The Crown", pero la depresión post final de temporada también es real, así que, después de un par de documentales, recurrí a la película de 2006, "The Queen". No me había llamado la atención, ya que parece ser de aquellas  películas que sólo hacen para que se destace durante la temporada de premios, pero cuando leí que la trama se trataba de los días posteriores al accidente en París, la curiosidad me ganó.

Tras la muerte de Diana, la familia real debe decidir qué hacer frente a la tragedia; la respuesta es rápida: nada. El clan, liderado por la reina Isabel (Helen Mirren), decide quedarse en su refugio de Balmoral y aprovechar la privacidad por el bien de William y Harry. Al mismo tiempo, en Londres, el primer ministro Tony Blair (Michael Sheen) debe lidiar con la opinión pública, ya que todo el mundo se dedica a destrozar a la familia real por no hacerse presente frente a la pérdida de la princesa del pueblo. ¿Qué esperaban? ¿Que los siguieran queriendo?

Debido a la inclusión de escenas de noticias reales, "The Queen" se siente mucho más cercana e interesante, pero tiene un aire a película para televisión hecha por la BBC que nada ni nadie le podría quitar de encima. Recuerdo que durante una escena de "The Crown", la reina Isabel, interpretada por Olivia Colman. dice que hacer nada es la parte más difícil de ser reina. Tanto en la serie como en esta película, aquella frase queda muy bien reflejada.
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Como cualquier otro curioso sobre historias de asesinos en serie, también me hubiese atrevido hacer el viaje a cada locación icónica en donde cada asesinato ocurrió. La idea de Brian Kessler (David Duchovny) no era una mala idea, debe ser entretenido viajar en automóvil hasta California, pero debió haber escuchado a Carrie Laughlin (Michelle Forbes), su novia fotógrafa. No se acepta la compañía de dos extraños, así como así.

Los extraños en cuestión son Adele Corners (Juliette Lewis) y Early Grayce (Brad Pitt), una pareja redneck capaz de incomodar a cualquier otra persona; no se trata de una cosa de apariencias lo que provoca la desconfianza, sino que también, porque sabemos desde un principio que Early es un ladrón y asesino que no parece sentir ningún remordimiento de sus varios crímenes. Early es el sujeto de observación perfecto para el nuevo libro de Brian, un asesino en serie con un pasado digno de investigar; el problema es que Brian no tiene idea con quién se acaba de juntar. El viaje hasta California es incómodo y, rápidamente, comienzan a aparecer los roces: Early no aporta con dinero, no tiene modales, Adele confiesa lo violento y machista que Early es, Carrie le da un ultimátum a Brian hasta que, por fin, en una gasolinera, la verdad sale a la luz.

A pesar de no ser una película del tipo descubra al asesino, "Kalifornia" también tiene su cuota de suspenso ya que el personaje de Brad Pitt, como todo buen asesino, es totalmente impredecible; no le importa nada ni nadie y llegamos a compartir la frustración con Brian, ya que nunca conoceremos a fondo su pasado o alguna otra razón que haya llevado a Early a ser de la manera en que era.

Los años noventa fueron una muy buena época para Brad Pitt.
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Catalina. Basada en hechos reales.

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