We'll always have Paris

En la ceremonia de los premios de la Academia de 1969, se produjo una situación muy particular, quizás al nivel de lectura equivocada del sobre a la ganadora como Mejor Película hace unos años atrás; cuando Ingrid Bergman anunció a la ganadora de la estatuilla como Mejor Actriz, todo el mundo quedo perplejo ante el anuncio de un empate entre la legendaria Katharine Hepburn y la novata Barbra Streisand.

Katharine Hepburn recibía su tercera estatuilla dorada en aquella categoría y se convirtió en la segunda actriz, luego de Luise Rainer, en ganar dos años consecutivos; Hepburn había ganado en la ceremonia anterior por la película “Guess Who's Coming to Dinner”. Por otro lado, Barbra Streisand era la nueva sensación; había maravillado a todo el mundo con “Funny Girl”, musical de Broadway llevado a la pantalla grande por William Wyler. De hecho, hay un video de Be Kind Rewind que lo explica muy bien.

“Funny Girl” había conseguido ser un éxito rotundo tanto en el teatro como en el cine y todo se debió a la increíble presencia en pantalla de Barbra Streisand. Interpretando a Fanny Brice, reconocida comediante y cantante de los años cuarenta, Streisand convierte a su debut en uno de los mejores y más sobresalientes de la historia del cine. Su personaje es una adorable, carismática y divertida criatura, capaz de conquistar a todo el mundo con su talento y sentido del humor.

Tal y como ciertas personas tienen la audacia de criticar la apariencia de Barbra, la apariencia de Fanny también siempre era cuestionada, pero ella confiaba mucho en su talento y logró ser parte de las actrices de la producción "Ziegfeld Follies", algo con lo que había soñado toda su vida. Fanny luego se convierte en el número principal, pero su pasión no conoce límites y estuvo a punto de dejarlo todo por Nick Arnstein (Omar Sharif), un atractivo y caballeroso apostador.

“Funny Girl” es un musical que demuestra a creces lo que Barbra y Fanny eran capaces de hacer. Las canciones son tan entretenidas como emocionantes, sobre todo “Don’t Rain on My Parade”, pero la segunda hora de película se siente algo más tediosa, ya que la historia se concentra en los problemas maritales entre Fanny y Nick. En aquella época, el personaje de Nick pudo haber sido visto como un personaje complejo, que necesitaba apoyo y consejo, pero en esta época, pasaría al grupo de aquellos hombres que sufren de una masculinidad bastante frágil, de esos que no soportan que su esposa gane más dinero que ellos.

Pero, más allá del final de la trama y, a pesar de que tenga ciertos tintes que recuerdan a “A Star is Born”, película también protagonizada por Barbra Streisand, “Funny Girl” logró convertirse en un musical icónico para aquellos fanáticos de este género y para la comunidad LGBTQ+, que, como sabemos, ha inmortalizado a Barbra como una de sus principales divas. Es que es imposible no adorarla.

“Space Jam” es una película muy entretenida, una que juega con la animación de los clásicos Looney Tunes y que, para varios de los que crecimos en aquella época, todavía es una película icónica. Lamentablemente, su sucesora, “Space Jam: A New Legacy”, está muy lejos de pasar a la historia de una manera tan buena como lo hizo la primera entrega.

En esta versión, el basquetbolista encargado de liderar la cinta es LeBron James. Al igual que Michael Jordan, LeBron también tiene una familia ficticia que se asemeja a su familia real, en donde destaca el personaje de Dom (Cedric Joe), su segundo hijo, creador de un videojuego inspirado en el deporte familiar. El conflicto entre ellos es que LeBron quiere que su hijo siga sus pasos, pero Dom tiene ideas distintas sobre su futuro. Aquel conflicto de los diferentes sueños entre padre e hijo (“This is your dream!”, “No, dad, it’s your dream”) ha sido utilizado hasta el cansancio; ¿seis guionistas y nadie pudo pensar en otra cosa?

Durante una visita a los estudios de Warner Bros., LeBron y Dom son secuestrados por un malvado algoritmo, llamado Al-G Rhythm (Don Cheadle). Para recuperar a su hijo y volver al mundo real, LeBron debe reunir a un equipo de dibujos animados y vencer al equipo del algoritmo. Si esta trama suena algo ridícula, es porque lo es; incluso para una película de este género y estilo, la historia principal no es lo suficientemente interesante.

Como si la historia no fuese lo único malo, “Space Jam: A New Legacy” se presenta como una propaganda de Warner Bros., en donde la gracia de los Looney Tunes pasa a segundo plano y las escenas se llenan de personajes de los que la empresa es dueña: "Game of Thrones", Harry Potter, Mad Max, "Casablanca", Pennywise; en lugar de disfrutar estas especies de cameos, cada aparición se vuelve insoportable.

Las actuaciones tampoco contribuyen mucho. A pesar de que LeBron James supo destacarse en “Trainwreck”, película en donde también se interpretó a sí mismo, en “Space Jam” no logra lucirse en ninguna escena. Por otro lado, tanto el personaje como la actuación de Don Cheadle son dignos de vergüenza ajena. La película tampoco es graciosa cuando intenta serlo y, en lugar de sacarle partido a los Looney Tunes, decide ocupar más tiempo en la relación padre e hijo con ese típico tono familiar sacado de otra gran empresa: Disney.

Por último, “Space Jam: A New Legacy” no se preocupa ni siquiera de darle un espacio al basketball. Los personajes podrían haber jugado fútbol o tenis y hubiese dado, absolutamente, lo mismo, cuando lo divertido de ver “Space Jam” en los años noventa era, básicamente, ver a Michael Jordan mostrando su talento junto a Bugs Bunny. Remember fun?

“¡Jo, qué noche!” debe ser uno de los peores títulos en español de toda la historia.

Luego de otro tedioso día de trabajo, Paul Hackett (Griffin Dunne) decide pasar a un típico café neoyorkino. En ese lugar, conoce a Marcy Franklin (Rosanna Arquette), con quien conversa sobre Henry Miller y su libro, “Trópico de Cáncer”. Marcy también le cuenta que vive con Kiki Bridges (Linda Fiorentino), una escultora que hace pisapapeles con forma de bagels; utilizando esto como excusa, Paul promete pasar por la casa de Marcy durante la noche.

Desde el momento en que Paul toma un taxi para llegar al loft en donde vive Marcy hasta que los vecinos de Soho lo confunden con un ladrón de departamentos, la noche del protagonista se convierte en una total y completa pesadilla; pareciera que Paul hubiese entrado a un laberinto de infortunios, en donde cada suceso es peor o igual de malo que el anterior. La desesperación es tan intensa que es imposible no sentir un poco compasión por él.

La gracia de “After Hours” es que Martin Scorsese puede tomar todas esas tragedias y presentarlas dentro de una comedia de humor negro que es tan disfrutable como otra de sus comedias ochenteras y, una de mis nuevas películas favoritas, “The King of Comedy”. Ambas son diferentes, claro, pero de igual manera, tienen aquella atmósfera oscura e impredecible que sólo se vuelve más soportable con un poco de humor.

La encantadora ciudad de Portorosso tiene todo lo que se necesita para convertirse en un paraíso: mar, pastas, atardeceres y, francamente, está ubicada en la Riviera italiana. Luca Paguro (Jacob Tremblay) no conoce ninguna de estas maravillas, ya que es un pequeño monstruo marino que vive cerca de la costa de la ciudad.

Luca disfruta de una vida tranquila: cuida a un travieso rebaño de peces y vive junto a sus padres, Daniella (Maya Rudolph) y Lorenzo (Jim Gaffigan), quienes lo sobreprotegen y le advierten que nunca debe interactuar con los monstruos terrestres, los humanos. La abuela de Luca (Sandy Martin), en cambio, ayuda a despertar la curiosidad que el pequeño siente por el mundo que está más allá de la superficie. 

Cierto día, Luca conoce a Alberto Scorfano (Jack Dylan Grazer), otro pequeño monstruo marino, pero quien, a diferencia de Luca, no le teme a la superficie. Debido a que estos seres marinos cambian su apariencia a la de un humano una vez que salen del mar, Alberto aprovecha aquella condición para disfrutar de varias aventuras en las que ahora puede involucrar a Luca. Una de ellas es conseguir dinero para comprar una motocicleta Vespa, con la cual planean recorrer el mundo, pero esto significa interactuar con humanos y poner en peligro su verdadera identidad.

A pesar de que Pixar cumple una vez más con entregarnos una historia adorable y divertida sobre el valor de la amistad y el valor de la familia, lo más interesante de “Luca” es aquel subtexto que se deja entrever, sobre todo, en los momentos finales de la película. Podríamos asociarlo rápidamente a una metáfora sobre la inmigración, ya que varias veces los humanos le recuerdan a Luca y a Alberto que “ellos no pertenecen aquí”, pero, en otra lectura, también podemos relacionar este subtexto con la comunidad LGBTQ+.

Luca y Alberto deben esconder sus verdaderas identidades durante todo el curso de la película para poder mantenerse a salvo y, al mismo tiempo, el cariño que sienten por el otro es lo suficientemente profundo y especial como para superar cada obstáculo al que se enfrentan. El director de “Luca”, Enrico Casarosa, explicó que su intención original sólo había sido crear una historia sobre la amistad, pero que recibía de buena manera las variadas interpretaciones de la película.

Decido también quedarme con aquella última interpretación y disfrutar “Luca” como una versión animada e infantil (en el buen sentido de la palabra) de “Call Me By Your Name”.

Luego de la cancelación a Mel Gibson tras varias de sus actitudes racistas y misóginas, además de lo revelador que es notar aquellas mismas actitudes en varias películas luego de pasarlas bajo la lupa del feminismo, por ejemplo, provocaba mucha vergüenza decir que, en alguna época, disfrutaba viendo “What Women Want”.

Aquella película, en donde el personaje de Nick Marshall podía escuchar los pensamientos de cada mujer a su alrededor, era considerada divertida y hasta trasgresora, pero, para no detenerme en los cambios de percepción a través del tiempo, una versión de aquella historia en donde ahora una mujer pudiese escuchar lo que los hombres piensan, sonaba bastante más interesante, debido a nuestro contexto actual.

En “What Men Want”, el rol protagónico está a cargo de Taraji P. Henson, quien interpreta a Alison Davis, una trabajólica y exitosa representante deportiva que ha logrado avanzar en un ámbito exclusivamente masculino, pero que, de todos modos, se siente poco valorada. Para consolidar su lugar en el negocio, Alison deberá contratar a Jamal Barry (Shane Paul McGhie), la nueva joven promesa del básquetbol, trabajo que no será nada de fácil, ya que Jamal está a cargo de un padre (Tracy Morgan) bastante sobreprotector y misógino.

A diferencia del accidente eléctrico que Mel Gibson sufría en “What Women Want”, Alison sólo bebe de una extraña infusión que le da Sister (Erykah Badu), una excéntrica psíquica que conoce en una celebración con sus amigas. Y, al igual que Mel Gibson, Alison ahora puede escuchar cada pensamiento del género opuesto; al principio, le parece una maldición, pero luego aprende que este nuevo poder le servirá para poder a entrar a ese boys club del que siempre ha sido excluida.

Pudo haber sido algo más entretenida, pero “What Men Want” es, en su totalidad, una oportunidad perdida. La historia pudo haber abarcado muchos otros temas de diferencias de género que ahora, con todo este nuevo despertar feminista, podemos tratar con mucha más inteligencia y paridad. Alison pudo haber lidiado con el acoso laboral, con la igualdad de pago, con los comentarios sexistas hacia las compañeras de trabajo, pero no, aquel gran poder sólo servía para poder contratar a un buen cliente.

No puedo creer que una película con una protagonista exitosa y empoderada me haga extrañar a una película que tenía a un racista como protagonista.

Debido a esta decisión, Kramer expulsa a Billie, y a otras ocho jugadoras que la siguieron fielmente, de la Asociación de Tenis Estadounidense. Billie Jean, Julie Heldman, Valerie Ziegenfuss, Judy Dalton, Kristy Pigeon, Peaches Bartkowicz, Kerry Melville Reid, Nancy Richey y Rosie Casals no se rinden tan fácilmente y continúan realizando giras y competencias. Esto llama la atención de toda la nación y también de Bobby Riggs (Steve Carell), un ex tenista ya retirado, insatisfecho con su vida, adicto a las apuestas, quien decide desafiar a Billie Jean a un partido de tenis para demostrar cuál es, en realidad, el sexo más fuerte.

Aprovechando el contexto de la segunda ola de feminismo, Billie Jean King defendió a muerte sus ideales de igualdad en un entorno donde recibía, sin parar, comentarios machistas y retrógrados que la querían de vuelta a la cocina, que criticaban tanto su apariencia física como la de sus compañeras tenistas, que denigraban su género y que no lo consideraban apto para realizar un deporte. Cada comentario que Billie o las tenistas recibían, también se recibe con algo de rabia y hastío, no sólo porque no corresponden, sino porque también, hasta el día de hoy tenemos que escuchar todas esas cosas como si no hubiésemos avanzado nada en materia de igualdad.

Es una realidad deprimente que “Battle of the Sexes” retrata bastante bien, con mucha empatía y altura de miras. Lo interesante de esta película es que no sólo trata este tema, sino que también nos muestra un poco más acerca de la vida personal de Billie Jean King, ya que, mientras se embarcaba en esta aventura de torneos independientes, también hacía una viaje de autodescubrimiento al involucrarse con una estilista llamada Marilyn Barnett (Andrea Riseborough), un romance que puso en peligro su matrimonio con Larry King (Austin Stowell) y que pudo haber arriesgado su contrato con patrocinadores o su imagen ante el público.

A pesar de la molestia que puedan provocar algunos de los comentarios sexistas que aparecen a través de la película, “Battle of the Sexes” es una historia necesaria de ver. Primero, nos muestra a una ídola, tanto del deporte como del activismo LGBTQ+, a la que es imposible no llegar a querer; segundo, el tenis no pasa a segundo plano y la escena del partido entre ella y Riggs está llena de emoción; y tercero, no debemos olvidar todas aquellas batallas y logros que distintas mujeres han conseguido en varios ámbitos con tal de obtener lo mínimo que merecemos.

En abril de 2009, el barco Maersk Alabama, el cual había zarpado con rumbo a Kenia, fue interceptado por cuatro piratas, de entre quince y dieciocho años. A pesar de los esfuerzos que la tripulación hizo para que los piratas no pudieran subir al barco, ellos entraron de todos modos y tomaron un par de rehenes, incluyendo al capitán Richard Phillips, en quien recayó toda la responsabilidad de llegar a un acuerdo con los piratas a cambio de la seguridad de su tripulación.

Esta historia fue la elegida por el director Paul Greengrass para su película de 2013, “Captain Phillips”. Basándose en el libro escrito por el mismo capitán, “A Captain's Duty”, la película muestra los sucesos que se dieron desde que el Maersk Alabama sale hacia su destino hasta que las cosas se salen de control y el capitán del barco, Richard Phillips (Tom Hanks), es secuestrado por cuatro piratas que, en realidad, eran pescadores sin mucha experiencia en asaltos a embarcaciones.

Tanto tripulación como piratas se ven enfrentados unos a otros, lo que evidencia un paralelo entre Phillips y Abduwali Muse (Barkhad Abdi), ya que ambos actúan como líderes de su respectivo grupo. Sin embargo, hay una clara diferencia en la actitud de cada uno, ya que la experiencia y la voz de autoridad de Phillips ayudaron a mantener el orden en un principio, mientras que la inseguridad y terquedad de Muse lograron que las cosas terminaran de la manera en que terminaron.

Aquel paralelo también se refleja en las actuaciones de Tom Hanks y de Barkhad Abdi. Hanks es un actor más que experimentado y respetado, en cambio, Abdi hace su debut como actor en esta película; de hecho, era la primera vez que todo el grupo de actores que interpretó a los piratas somalíes actuaba en alguna película. Un evento como aquel asalto debió haber sido una experiencia increíblemente traumática e intensa y, gracias a estas actuaciones, además de la técnica de la cámara al hombro que hace que todo parezca mucho más inquietante y cercano, las escenas se sienten llenas de aquella tensión y pánico que los personajes también demuestran.

“Captain Phillips” es una película muy interesante, pero siempre pasa que, tras el estreno de alguna película biográfica, alguien aparece para contradecir la visión de la película, diciendo que el héroe de la historia no fue tan heroico en realidad, arruinando un poco la experiencia al ver una cinta de este género.

Cuando el arzobispo Rushman (Stanley Anderson), un reconocido y respetado clérigo de la ciudad de Chicago, es brutalmente asesinado, el caso se convierte en tema principal de noticiarios y de la opinión pública. Debido a la popularidad del caso, el ambicioso abogado Martin Vail (Richard Gere) acepta tomar el caso y defender al principal sospechoso, Aaron Stampler (Edward Norton).

Aaron es un joven de diecinueve años que trabajaba como acólito en la iglesia del arzobispo; es un tipo tímido y tembloroso, que sufre de un tartamudeo, quien fue visto cerca del cuerpo de la víctima y quien escapó apenas vio llegar a la policía. La abogada Janet Venable (Laura Linney) tiene todo a su favor para condenar a Aaron, pero Martin no se dejará vencer tan fácilmente.

Siguiendo el manual de las películas sobre abogados y juicios, el protagonista comienza a encontrar cada vez más pistas que pueden servir en su caso, pero, al mismo tiempo, también encuentra un incriminatorio video que demostraría los abusos cometidos por el arzobispo en contra de Aaron y otros dos jóvenes. Además de aquellas pistas, la opinión profesional de la psicóloga Molly Arrington (Frances McDormand) sobre la personalidad de Aaron podría dar un vuelco más grande a este caso.

Generalmente, películas como “Primal Fear”, en donde se trata un controversial caso entre abogados y jueces, entre víctimas y victimarios, son bastante disfrutables de ver por toda la tensión y suspenso que conllevan, pero también puede pasar que aquel suspenso no sea suficiente como para entusiasmar la curiosidad. Sin embargo, las cosas se compensan gracias a la actuación, e increíble debut, de Edward Norton.