We'll always have Paris

Cuando el director japonés, Kinji Fukasaku, decidió adaptar la novela “Battle Royale” a la pantalla grande recordó aquellos instantes de su adolescencia en los que debió protegerse de distintos ataques durante la Segunda Guerra Mundial; junto a sus compañeros de curso, fue obligado a trabajar en una fábrica de municiones y varios de ellos no pudieron escapar durante los bombardeos, por lo que los jóvenes sobrevivientes tuvieron que hacerse cargo de los cuerpos. Luego supieron que el gobierno japonés había mentido sobre la situación de la guerra, lo que gatilló un odio profundo hacia los adultos por parte de Fukasaku.

“Battle Royale” no cuenta los horrores de una guerra, pero sí presenta una especie de sociedad distópica, en donde el gobierno ha decidido crear un evento anual, dentro del cual un grupo de estudiantes debe asesinarse entre sus propios integrantes, dejando victorioso a un gran ganador; la razón tras este evento es prevenir la creciente tasa de delincuencia juvenil y frenar el miedo que sienten los adultos hacia los adolescentes. El grupo elegido para el evento de aquel año es la clase de Shuya Nanahara (Tatsuya Fujiwara), joven que está tratando de superar la trágica muerte de su padre.

Shuya y sus compañeros creen que saldrán a disfrutar un agradable paseo de curso, pero son raptados y llevados hasta una remota isla, en donde les informan que son parte de la Battle Royale anual; a cada uno se le entrega un arma, una mochila con cosas básicas para sobrevivir un par de días en una isla desconocida y un rastreador que no les permitirá escapar. Ninguno de los adolescentes puede creer lo que está pasando ni tampoco pueden creer que, dentro de un período de quince minutos, ya dos de sus compañeros hayan sido asesinados de una manera tan violenta. La violencia presente en “Battle Royale” fue bastante criticada durante su época de estreno, violencia que incluso causó que la película fuese comparada con el mismo efecto que “A Clockwork Orange” provocó durante varios años también. Si bien no es una violencia tan gore como había imaginado, de todos modos, es bastante fuerte ver caer al 95% de los personajes en un contexto gráfico y desesperanzador.

Gracias a numerosos flashbacks, aprendemos las historias de varios de estos adolescentes y, lamentablemente, no es difícil encariñarse con alguno, en especial con el protagonista y con su mejor amigo, Yoshitoki Kuninobu (Yukihiro Kotani), o con Noriko Nakagawa (Aki Maeda); sin embargo, una de las historias más tristes es la de Mitsuko Souma (Kou Shibasaki), gracias a la cual se puede comprender la esencia del personaje. A pesar de que varios alumnos están dispuestos a participar en este cruel evento, otros simplemente se rinden o deciden no participar, decisión que les traerá peores consecuencias.

En contraste con todo el éxito que “Battle Royale” consiguió en Japón, la película no estuvo libre ni de críticas ni de censuras, críticas de aquellas que culpan al cine de ciertos hechos violentos ocurridos y censuras de aquellas eliminan las escenas más provocadoras o censuras que prohíben la circulación de una cinta en varios sectores. Sin embargo, “Battle Royale” también consiguió convertirse en una especie de película de culto que cautivó a directores como Quentin Tarantino; la elección de Chiaki Kuriyama como Gogo Yubari no pudo haber sido al azar.

Violenta y perturbadora, “Battle Royale” no deja de ser una película interesante también, la cual nos ofrece más momentos de tensión y de nostalgia que de provocación pura; no es un relato tan fuerte como imaginé, ya que las expectativas siempre traicionan, pero claro que herirá más de alguna sensibilidad.

Las ciudades más concurridas del mundo siempre funcionan como excelente material para contar historias; sus interesantes habitantes o las clásicas locaciones turísticas nos ofrecen más de alguna buena trama que podría llamar nuestra atención, pero Wong Kar-wai recurre a aquellos personajes que nadie giraría a mirar y a aquellos lugares menos llamativos de Hong Kong para desarrollar las dos historias que conforman “Fallen Angels”.

Concebida originalmente como un tercer relato, el cual iba a ser parte de “Chungking Express”, “Fallen Angels” cuenta primero la historia de Wong Chi-ming (Leon Lai), un misterioso asesino a sueldo, y de su Agente (Michelle Reis); ellos no se conocen, pero la Agente está cargo de entregar cada tarea al asesino, además de limpiar su departamento y otras cosas por el estilo. La Agente está completamente enamorada de Wong Chi-ming, pero él mantiene una relación con Blondie (Karen Mok), una mujer muy risueña y bastante insoportable.

Por otro lado, también nos presentan la historia de Ho Chi-mo (Takeshi Kaneshiro), un delincuente mudo que escapa de la prisión y quien vive en el mismo edificio en donde vive la Agente. Ho Chi-mo pasa las noches entrando a tiendas cerradas y obligando a desconocidos a ser atendidos por él; el joven es peligroso e impredecible, pero su lado más vulnerable brota durante cada escena en la que comparte con su padre (Chan Man-lei). Ho Chi-mo conoce a una joven llamada Charlie (Charlie Yeung), una azafata deprimida tras haber sido abandonada por su novio, quien la dejó por una mujer llamada Blondie.

Ambas historias tienen varios escenarios y nombres en común, pero nunca consiguen entrelazarse del todo, lo que representa una especie de alivio para algunos de sus personajes. Al contrario de “Chungking Express”, “Fallen Angels” es una película mucho más oscura y algo más improvisada que su antecesora; la mayoría de sus escenas fueron grabadas durante la noche, por ejemplo, y el flujo de las historias parece ser uno mucho más natural. Sin embargo, no es tan emotiva como la primera entrega y es una lástima que “Fallen Angels” no haya podido ser parte de una película de tres horas con mucha más atención a la trama; a pesar de aquel detalle, de todos modos, funciona como película individual y sus personajes logran interesar.  

Tanto en “Chungking Express” como en “Fallen Angels”, la estética característica de Wong Kar-wai queda plasmada a la perfección y el uso de un soundtrack específico también logra resaltar. Si tras ver “Chungking Express” no podemos dejar de tararear “California Dreaming”, una vez que “Fallen Angels” termina es imposible no sonreír frente a una nueva versión de “Only You”.

Durante el verano de 1987, un joven Robert Smith paseaba con su novia en la playa de Beachy Head, al sur de Inglaterra; el vocalista de The Cure se encontraba, junto a la banda, grabando las canciones del álbum “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me” cuando la inspiración para crear “Just Like Heaven” llegó a su cabeza, canción que luego se convirtió en una de las mejores obras de la banda inglesa.

“Just Like Heaven” también es el título de una película de 2005, dirigida por Mark Waters, mismo director a cargo de cintas como “Mean Girls” o “Freaky Friday”. Esta comedia romántica comienza decorando el ambiente con una versión de la canción, a la cual debe su nombre, interpretada por Katie Melua, una versión algo más acústica y relajada que la original. Luego de los créditos principales, nos presentan a nuestra heroína: Elizabeth Masterson (Reese Witherspoon), una trabajólica doctora que no tiene tiempo para disfrutar de su vida personal.

Por otro lado, tenemos también a David Abbott (Mark Ruffalo), un arquitecto paisajista que trata de recuperarse luego de la trágica y repentina muerte de su esposa. David se muda al departamento que solía ser de Elizabeth y lo ve como una oportunidad para empezar desde cero, pero el espíritu de la joven doctora comienza a aparecer por todos los rincones. David no puede creer que esté en presencia de un fantasma, mientras que Elizabeth no entiende cómo es que puede atravesar las paredes, por lo que ambos intentarán descubrir la verdad acerca de este inusual misterio.

La aventura que ambos emprenden con tal de resolver la situación es bastante entretenida, pero la conclusión de personajes enamorándose hacia el final de la historia parece algo sacado completamente de contexto, debido a la falta de química romántica entre los actores principales; de hecho, los dos funcionan mucho mejor como dúo investigativo que como potencial pareja. “Just Like Heaven” tiene muchos momentos graciosos y adorables, pero, a ratos, se vuelve una película incómoda y algo forzada.

Si las comparaciones entre “Rocketman” y “Bohemian Rhapsody” han sido inevitables no sólo se debe al hecho de que ambas películas pertenecen al género musical y al género de las biopics, sino que también se debe a que la dirección estuvo a cargo del mismo hombre, Dexter Fletcher; el director tuvo que hacerse cargo de la historia de Freddie Mercury tras la controversial salida de Bryan Singer, pero en el caso de la historia de Elton John, Fletcher pudo embarcarse en el proyecto desde un principio para entregarle un sello distinto y no sólo terminar el trabajo de alguien más.

Siguiendo las reglas del género, “Rocketman” se encarga de contarnos la fascinante y polémica historia de vida de Elton John, desde sus inicios en el piano cuando era un niño hasta que los excesos de la fama le pasan la cuenta; el giro interesante de esta película es que es el mismo personaje de Elton John, interpretado magistralmente por Taron Egerton, el encargado de contarnos su propia historia. A través de varios números musicales, los cuales mezclan la fantasía con la realidad, “Rocketman” nos muestra increíbles pasajes acerca de la vida del músico inglés.

Y qué vida más emocionante. Elton John tuvo que pasar por una problemática infancia, una en donde sus padres nunca le demostraron afecto, sufrió las dudas acerca de su sexualidad y luego enfrentó la soledad y los excesos que la fama le trajo. Más que una imitación, Taron Egerton consigue una personificación respetuosa y acertada, sobre la cual recae todo el peso de “Rocketman” y la cual cumple con satisfacer el deseo de apreciar una interpretación digna sobre los íconos musicales de nuestra época; el hecho de que el propio Egerton cante las obras de Elton John no desentona, sino que crea una especie de universo particular en donde la historia puede apoyarse fácilmente para continuar desarrollándose.

Entrando al terreno de las comparaciones, la actuación de Taron Egerton sobresale mucho más que la de Rami Malek interpretando a Freddie Mercury, por lo que duele que Egerton ni siquiera haya sido nominado para el gran premio que Malek sí aseguró. La calidad de “Rocketman” también es mucho mayor que la de “Bohemian Rhapsody”, ya que la cinta no se encarga de limpiar la imagen de su cantante principal con tal de entregarnos una historia sana y familiar, sino que retrata la vida de Elton John tal y como fue, sin esconder controversias ni polémicas. Como expresó el mismo cantante, él no vivió una vida que pudiese caer en el rango de la calificación PG-13, por lo que una versión más suavizada de su historia no hubiese sido un relato tan real y honesto como “Rocketman” sí lo es.

En general, “Rocketman” es una cinta increíblemente entretenida, tan desoladora como alegre, enigmática y hasta camp, todo lo que podría esperarse de una película que cuente los altos y bajos de una estrella musical tan popular. Elton John, como productor ejecutivo de “Rocketman”, debería estar más que orgulloso.

Suele suceder que, durante la promoción de alguna película, su director o actores principales corren el peligro de exponer un comentario desafortunado o fuera de lugar. En el caso de “Exodus: Gods and Kings”, cinta que antes de su estreno ya estaba siendo criticada por el whitewashing de sus protagonistas, su director, Ridley Scott, defendió la elección del elenco diciendo que no podría arriesgar el éxito de una película de tan magna producción dejándole el papel principal a un actor llamado "Mohammed Tal por Cual"; comentario bastante desatinado. Por supuesto que el éxito de una cinta no sólo recae en comentarios hechos durante una gira promocional, pero frente a tan mal producto, la promoción pudo haber sido mucho mejor.

En “Exodus: Gods and Kings”, Scott muestra su interpretación de la historia bíblica entre el faraón egipcio, Ramsés (Joel Edgerton), y Moisés (Christian Bale), profeta que consigue liberar al pueblo judío y llevarlo hasta la Tierra Prometida; ambos fueron criados como hermanos, pero cuando Moisés supo la verdad acerca de su identidad, quiso librar a su pueblo del dominio egipcio y, ante la negativa de Ramsés, el profeta dejó caer diez plagas sobre la región. Ya hemos visto este relato en la pantalla grande antes; primero de la mano de Cecil B. DeMille en “The Ten Commandments”, estrenada en 1956, y también en una versión animada, “The Prince of Egypt”, de 1998.

Ambas películas fueron grandes producciones y lograron convertirse en grandes éxitos también, ya que presentan todo lo que “Exodus: Gods and Kings” no pudo reflejar. La versión de Ridley Scott es una versión extensa, pausada y oscura, la cual no consigue provocar entusiasmo ni interés y, además, contiene un sobre dramatismo que sólo empeora la calidad de la historia. La cinta no consigue elevarse ni siquiera durante sus secuencias de acción y tampoco puede apoyarse en las actuaciones, dentro de las cuales ninguna destaca. Debido al whitewashing y a la falta de desarrollo de personaje, es bastante difícil empatizar con alguno de ellos o tratar de entender sus razones.

Lo que pudo haber sido un relato apasionante sobre una historia épica y grandiosa, termina convirtiéndose en todo lo contrario. “Exodus: Gods and Kings” se pierde tanto en áreas desérticas como su propio protagonista.

Cada vez que me cruzo con la existencia de algún remake de una película que el mercado de Hollywood considera como extranjera, me convenzo más de que fueron hechos con la sola idea de satisfacer a una audiencia que, de verdad, se rehúsa a leer un par líneas de subtítulos y no con la idea de darle un toque especial o diferente a una nueva versión. Tanta es la decepción que es imposible no sentirse mal por Spike Lee mientras ves su reinterpretación de “Oldboy”, segunda entrega de la trilogía de la venganza, dirigida por Park Chan-wook.

Sin alejarse mucho de la premisa de la versión original, la versión de Lee también cuenta la historia de un hombre que es encarcelado, sin razón y sin juicio, y obligado a pasar años lejos de la sociedad; este hombre, Joe Doucett (Josh Brolin), luego se entera de que fue, erróneamente, acusado de violar y de asesinar a su ex esposa, por lo que jura cobrar venganza y recuperar a su pequeña hija, Mia. Tras ser dejado en libertad, Joe comienza, de inmediato, con sus planes y, durante su camino, conoce a Marie Sebastian (Elizabeth Olsen), una joven enfermera, y se reencuentra con su amigo Chucky (Michael Imperioli), quienes le ayudarán a completar su venganza.

Es bastante fácil y obvio caer en comparaciones, pero lo haré de todas formas, ya que me gusta mucho la versión de Park Chan-wook. Si su entrega de “Oldboy” sobresalía gracias a su intensa trama, a su perturbadora revelación final y gracias a un protagonista tan patético como interesante, la versión de 2013 es todo lo contrario. Podría culpar al hecho de que la historia ya me es familiar, por lo tanto, la revelación no causará ningún impacto, pero la película no tiene un ritmo suficiente como para captar nuestra atención, de todas maneras. Al mismo tiempo, la idea de la venganza parece un plan desabrido y carente de pasión; la venganza en la versión de Spike Lee no es ni dulce ni amarga.

Mientras tanto, quizás el desinterés en el desenlace de la historia se deba a que “Oldboy” también carece de un protagonista interesante, ya que la interpretación de Josh Brolin es vacía e insípida; ni siquiera sus gritos o su desesperación, al momento de escuchar la revelación final, son dignos de empatía. El villano de esta versión, The Stranger (Sharlto Copley), es vergonzoso e incómodo, y la expansión de tal crimen a todo su ámbito familiar era, totalmente, innecesario. Lamentablemente, creo que no hay nada rescatable ni destacable en “Oldboy”; es un tal mal producto que ni siquiera vemos aquel clásico logo de “A Spike Lee Joint”.

Hace unos días, leí que esta versión de "Oldboy", en realidad, tenía una duración de ciento cuarenta minutos y que el estudio había decidido editar la película y convertirla en una cuya duración es de ciento cinco minutos. Quizás aquella versión valga la pena, pero, por ahora, ni siquiera dan ganas de averiguarlo.

Es el año 2022 y Estados Unidos se ha convertido en un país libre de crimen; esta utopía ha sido posible gracias a la instauración en el poder de los Nuevos Padres Fundadores, un grupo político totalitario que estableció la ley de La Purga. Esta ley permite que, durante una noche al año, cualquier tipo de crimen sea, completamente, permitido; la población se puede salir con la suya ya sea robando, asaltando e, incluso, asesinando. Al día siguiente, la sociedad vuelve a la normalidad y aquellos más radicales deben esperar, nuevamente, un año, para poder celebrar la noche de la expiación.

Centrándose en la historia de la familia Sandin, el director James DeMonaco escribió una premisa que parecía prometer bastante dentro de un género que siempre necesita de ideas originales e interesantes, pero la idea principal de “The Purge” sólo se queda en promesas y se convierte en una historia predecible y algo aburrida. Quizás fue la intervención de Michael Bay en la producción o quizás fue el hecho de que la película sólo explora lo que sucede dentro de un solo hogar en lugar de explorar el resto del caos que se da en el país, lo que colaboró en el arruinamiento de la premisa.

La familia Sandin es una familia privilegiada que vive en un barrio acomodado de Los Angeles; la noche de la Purga les concierne, pero no parece preocuparles mucho, ya que James (Ethan Hawke), el padre, y su empresa han creado un sistema de seguridad, completamente impenetrable, que los protegerá durante esta nueva jornada de crímenes. Mary (Lena Headey), la madre, continúa con su rutina, mientras que la hija, Zoey (Adelaide Kane) se ve a escondidas con su novio, y Charlie (Max Burkholder), el hijo menor, descubre a una persona pidiendo ayuda desde las cámaras instaladas en el hogar. Dwayne (Edwin Hodge) es un indigente que está siendo perseguido por un grupo de jóvenes enmascarados que disfrutan de la Purga como si fuese una noche de Halloween más.

Charlie decide ayudar a Dwayne y le permite entrar al hogar, poniendo en peligro la seguridad de su propia familia, ya que el grupo de jóvenes purgadores amenaza con acabar con los Sandin también en caso de que no les entreguen a Dwayne. Durante estos momentos, un debate moral muy interesante se produce tanto en los personajes como en los espectadores, cuando nos presentan una decisión tan compleja como la de salvar a nuestra familia o la de salvar a una persona que necesita de mucha más ayuda, pero tras las amenazas de los purgadores, los integrantes de la familia Sandin comienzan a tomar decisiones bastante cuestionables, como la de mantenerse separados, por ejemplo, lo que sólo consigue que perdamos el interés en ellos.

Cuando la atención es dirigida hacia los personajes de los Purgadores, el interés hacia “The Purge” vuelve a despertar; liderados por un joven bastante educado y formal (Rhys Wakefield), estilo que podría recordar al de los psicópatas de “Funny Games”, los purgadores son fanáticos de esta medida que les permite cometer crímenes y no enfrentar ninguna consecuencia, y están dispuestos a hacer cualquier cosa con tal de intimidar y asesinar, pero su participación sólo está determinada por el líder y su actuación tampoco es suficiente como para inspirar el miedo o la tensión que se necesita en este tipo de cintas.

En general, “The Purge” es sólo una buena idea que fue mal ejecutada. Si la película quizás se hubiese concentrado en otros escenarios o si nos hubiese dado héroes o villanos más interesantes, podría haber resultado. Sin embargo, si la historia cuenta con secuelas y una precuela, algo rescatable debe tener.

Basada en “The Talented Mr. Ripley”, novela escrita por Patricia Highsmith, la película “Plein Soleil” cuenta la primera de las aventuras del personaje de Tom Ripley, personaje que Highsmith luego retomó en otras cuatro novelas, en una saga conocida como “The Ripliad". René Clément, director francés, adaptó la novela y eligió a Alain Delon como protagonista; la mayoría de nosotros quizás estamos más familiarizados con la adaptación realizada por Anthony Minghella en 1999, la cual fue protagonizada por Matt Damon. Sin menospreciar la capacidad actoral de Damon en aquella película, haber crecido con la imagen de un Tom Ripley personificado por alguien como Alain Delon habría hecho maravillas por mi generación.

Disfruto mucho la versión de 1999, la cual es bastante más fiel al libro que la versión de 1960. Tomándose un poco más de libertades, “Plein Soleil” comienza mostrándonos la ya establecida amistad y complicidad entre Tom Ripley y Dickie Greenleaf (Maurice Ronet), llamado Philippe en esta historia. Ambos recorren hermosas locaciones italianas, cenan en elegantes restaurantes y, a pesar de Philippe esté comprometido con Marge Duval (Marie Laforêt), no tiene problemas para salir con otras mujeres, mientras Tom actúa sólo de espectador.

Ripley está completamente obsesionado con la figura de Philippe y con su grandioso estilo de vida, pero el millonario heredero ya se está hartando de la presencia tan empalagosa de Tom. Tras haber sido atrapado imitando a Philippe, utilizando su propia vestimenta, y tras celar la presencia de Freddy Miles (Billy Kearns), Ripley decide asesinar a su querido amigo y asumir su identidad; de esa manera, no se verá obligado a renunciar a varios de los lujos a los cuales ya se estaba acostumbrando.

Creer en las mentiras y engaños de personajes como Tom Ripley no debe ser difícil si consideramos que se trata de personajes extremadamente calculadores, carismáticos, educados y encantadores; sin embargo, Ripley también es un hombre narcisista y egoísta, cuya personalidad debe demostrar rasgos psicópatas también. Alain Delon era, claramente, la opción perfecta para interpretar a Ripley, ya que su carisma natural y su innegable belleza es capaz de cautivar a cualquier persona; no podrías creer que es un asesino serial o un estafador capaz de falsificar firmas o testamentos. Recuerdo que la interpretación de Matt Damon provocó una sensación distinta, ya que su versión de Ripley es algo más intimidante que la versión de Delon.

En lo que “Plein Soleil” y “The Talented Mr. Ripley” sí concuerdan es en aquel suspenso que rodea a la historia, aun cuando, como audiencia, ya sabemos quién es el culpable de los mayores crímenes dentro de las respectivas cintas, pero la tensión frente al próximo movimiento de Ripley o el misterio frente a la investigación de la policía funciona en ambas versiones. Gracias a la música de Nino Rota, compositor conocido por su trabajo junto a directores como Federico Fellini o Francis Ford Coppola, “Plein Soleil” adquiere una atmósfera tan intensa como paradisíaca.

La escena final de la película difiere de la obra original, detalle que no fue del agrado de Patricia Highsmith, ya que no le pareció que el criminal fuese finalmente atrapado por la policía. Concuerdo con que salirse con la suya es parte del encanto del personaje de Tom Ripley, pero aquellos últimos minutos de “Plein Soleil” no están faltos de emoción tampoco.

La dinastía Tudor siempre será una de las dinastías más interesantes de la historia universal, por lo que cada interpretación en la pantalla grande de alguno de sus personajes es bienvenida y celebrada. Los más recientes retratos son el de Mary I, reina de Escocia, y el de su prima, la reconocida reina Isabel I de Inglaterra; de la mano de Saoirse Ronan y de Margot Robbie, respectivamente, “Mary Queen of Scots” podría haber sido un drama histórico obligatorio, pero dos actuaciones no siempre pueden llevar el peso de toda una película.

Dirigida por Josie Rourke, “Mary Queen of Scots” nos ofrece una mirada más feminista a aquellas figuras históricas, lo que permite recrear escenas relacionadas al período menstrual de la reina de Escocia, por ejemplo, o a una práctica de cunnilingus que muchos directores parecen siempre querer esquivar. Rourke también decidió darle a su debut como directora la opción del colour-blind casting, práctica gracias a la cual podemos ver a actores afroamericanos o asiáticos interpretando a personajes que fueron caucásicos, como es el caso de Adrian Lester (Lord Thomas Randolph) y el de Gemma Chan (Elizabeth Hardwick); es una decisión interesante y ojalá pudiera aplicarse en el proceso de casting de personajes principales también, aunque los expertos en exactitud histórica, y el público en general, se escandalizarían.

A pesar de que sí hubo molestias ante ciertos hechos que no concuerdan con la realidad de ambas reinas, “Mary Queen of Scots” logra mostrar las luchas y conflictos que las monarcas debieron enfrentar en otras épocas todavía más sexistas que las actuales. Por un lado, Mary I tuvo que defender el que afirmaba como su derecho al trono y tuvo que ceder ante la presión de contraer matrimonio y engendrar un heredero; mientras que, por el otro, Isabel I no cedió ante aquella presión, pero sí vio en peligro su trono durante la mayoría de su reinado, peligro que involucraba también a Mary I. A pesar de que, en un principio, su comunicación por cartas era amistosa, pronto ese cariño se transformó en hostilidad y Mary tuvo que recurrir a una reunión en persona con Isabel.

Los hechos que suceden en “Mary Queen of Scots”, antes de que ambas gobernantes por fin se vean cara a cara, ocurren con tanta lentitud y tan poco carisma que parecieran conducirnos a, prácticamente, nada. Donde, de verdad, recae toda la importancia y el peso de la historia es en el encuentro de ambas primas y aquella secuencia no decepciona. Saoirse Ronan y Margot Robbie están a la altura y, tanto sus actuaciones como sus interacciones, están llenas de sufrimiento, empatía y respeto mutuo; a pesar de las diferencias entre ambos personajes, no pueden evitar darse cuenta de que las dos han vivido situaciones similares debido a las decisiones y caprichos de los hombres a su alrededor, quienes se interponen en sus deseos y en sus maneras de gobernar.

Sin embargo, una escena casi final, y de apenas unos minutos, no compensa toda la tardanza que nos llevó llegar hasta aquel momento tan esencial en “Mary Queen of Scots”.