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We'll always have Paris

 


Tuve muchas dudas en cuanto a ver "Trainwreck" o dejarla pasar y todo se debe a la presencia de Amy Schumer; nunca me ha parecido la increíblemente graciosa e innovadora comediante que todos describen y no entiendo por qué a todos les fascina. Traté de ver su programa y sus rutinas de stand-up, pero no funcionó; entiendo esa actitud de hacerle frente a los kilos de más y beber y tomar y tener sexo como lo haría un hombre, pero a veces bordea los límites de la imagen de "cool girl". Siento que muchas comediantes toman ese camino, se afirman del feminismo y sólo presentan rutinas sobre sexo, alcohol y amigas, y genial por ellas, pero el abuso siempre aburre. Y el otro punto negativo, quizás el peor, es el racismo de Amy Schumer, presenta en todas sus rutinas; siempre está haciendo "chistes" en contra de los hombres afroamericanos y, en especial, contra los latinos.

A pesar de lo prometedor que se veía el tráiler, el cual supieron vender, se sabía que la película vendría cargada de aquel humor tan especial de Schumer, pero traté de verla con una mentalidad más abierta. Así que empecé a rescatar las cosas positivas: Bill Hader, una irreconocible Tilda Swinton, las participaciones de Ezra Miller y de Colin Quinn, además de una película ficticia protagonizada por Daniel Radcliffe, la cual se convierte en la explicación de aquella foto que ninguno de nosotros entendía cuando salió a la luz. Varios puntos a favor hasta ese momento; sigamos con la trama.

“Trainwreck” se centra en Amy Townsend (Schumer), una treintañera a la que le gusta salir a fiestas, beber, fumar y tener sexo; no cree en la monogamia, ya que sus papás se divorciaron cuando ella era pequeña y su padre le enseñó que era imposible quedarse con una sola persona para siempre, por lo que Amy sólo se dedica a pasarlo bien. La protagonista trabaja en una revista para hombres, la cual es muy sexista, y su jefa le asigna entrevistar a un doctor, Aaron Conners (Bill Hader), quien sólo atiende a deportistas famosos; Amy no entiende nada de deportes, pero le gusta Aaron y terminan acostándose. El problema es cuando Amy se enamora y cada aspecto de su vida comienza a colapsar.

Si sigo rescatando cosas positivas, es interesante que se intentara hacer un cambio de roles, en donde la mujer le rompe el corazón al hombre y este pasa a ser un romántico que cree en las relaciones de pareja, pero el humor de Amy Schumer arruina toda aquella idea. Hay un par de momentos graciosos, pero no deja el racismo de lado. Primero, el personaje de Amy habla sobre un tipo con el que se acostó y lo trata de “Gollum puertorriqueño”; ¿era necesario? Durante otra escena, al personaje de Bill Hader le preguntan con qué atletas trabaja y él responde que con Tom Brady, por lo que todos se maravillan hasta que el nombre de Alex Rodríguez aparece. Silencio total. Alguien responde “Fuck that guy!”. Bill vuelve a mencionar nombres estadounidenses y continúan los elogios. Espero que eso se deba a que el tipo hizo una mala jugada alguna vez, o porque quizás sea de otro equipo, y no a su nombre.

El sexismo también está presente, ya que Amy Schumer también es muy sexista. Su personaje denigra a un grupo de cheerleaders y expresa que sólo “les falta un caño engrasado”, como si el trabajo de una stripper fuese un insulto y, durante el comienza de la película, Amy también describe a una mujer como “fuckable”. No quiero sonar grave, pero si vas a hacer una película y quieres aferrarte del feminismo para salir adelante, podrías hacer algo para cambiar ese tipo de comentarios. Ya no es gracioso reírse de cosas así y resulta muy extraño que provengan de alguien que dice ser tan liberal y girl power.

Finalmente, "Trainwreck" es un ejemplo de cómo no hacer una comedia romántica, pero, en especial, es un ejemplo más de una corriente no muy grata, llamada white feminism. 
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Qué época más estresante es aquella en donde debes escribir tu tesis; investigar, estudiar, escribir, revisar, fecha límite... al menos, no la recuerdo con tanto odio, ya que la hice sola, pero sí recuerdo el estrés. En "Tesis", el personaje de Ángela (Ana Torrent) tampoco tenía mucho de qué quejarse, ya que escribía su tesis sobre la violencia audiovisual en el cine; cualquier trabajo para la universidad que tenga que ver con películas se hace feliz. Ángela necesita un poco más de material para complementar su tesis, por lo que le pide a su profesor guía unos videos de la cineteca de la universidad; él va hasta allá, pero se encuentra con lo que parece ser una sección prohibida. Toma un video y lo ve; al día siguiente, Ángela lo encuentra muerto y decide llevarse el video.

Ángela no puede ver la cinta por sí sola, por lo que la ve junto a su compañero de curso, Chema (Fele Martínez), un fanático del cine de terror que usa camisetas de “Holocausto Caníbal” y tiene la palabra “redrum” escrita en su pared; Ángela sólo tiene un poster de “My Own Private Idaho”. Podemos apreciar las diferentes personalidades. Chema nota que la película es de esas del estilo snuff, en donde se tortura y asesina a los protagonistas de manera real. Ya que ambos son estudiantes de Audiovisual, también descubren el tipo de cámara que fue utilizada en aquella grabación. Es así como dan con Bosco (Eduardo Noriega), un compañero de universidad que tiene una cámara como la que buscan y que conocía a Vanessa (Olga Margallo), la víctima del video.

El resto de la película es un rally, en donde nadie puede confiar en nadie. Ángela tiene a tres sospechosos frente a ella, pero no tiene las suficientes pruebas como para culpar a uno de manera convincente. Tanta desconfianza consigue que "Tesis" esté llena de suspenso de principio a fin; desde las escenas en que Ángela se ve acorralada incluso en su propio hogar hasta que ella y Chema caminan en la oscuridad de la universidad, cualquier momento puede significar tensión pura. 

Lo más terrible de todo este contexto no es sólo la tensión, sino que también lo es enterarse de que las snuff movies, al parecer, existen de verdad, películas en donde idiotas llevan el gore a niveles reales con tal de entretener o de provocar distintas reacciones. Existe mucho debate sobre estas cintas y todo un submundo de grupos y seguidores. Qué miedo. Pero, sacando el contexto sólo un momento, Alejandro Amenábar supo cómo realizar una ópera prima; muestra violencia sin avalarla, critica incluso al cine español y presenta a una protagonista femenina. Excelente.
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Pedro Pascal debe ser el chileno más famoso del planeta y me encanta que su carrera haya despegado y que le vaya tan bien, pero sólo lo he visto participando más en series de lo que lo he visto en alguna película. Decidí partir con uno de sus más recientes estrenos, “Bloodsucking Bastards”.

Evan Sanders (Fran Kranz) tiene mala suerte en el amor y mala suerte en el trabajo. Cuando su novia, Amanda (Emma Fitzpatrick), le dice que lo ama, Evan sólo responde “no” y cuando su jefe le quita la oportunidad de un ascenso para dárselo a Max Phillips (Pedro Pascal), Evan se reencuentra con su antiguo amigo de la universidad, aquel excelente amigo que se acostó con su novia de aquella época.

Desde su primer día en la oficina, Max comienza a hacerle la vida imposible a Evan e, incluso, coquetea con Amanda, por lo que Evan trata de buscar alguna excusa para que el resto de sus compañeros lo odie también. Finalmente, Evan descubre un extraño y sorprendente secreto: Max es, en realidad, un vampiro, quien busca asesinar a todos los empleados de la oficina y convertirlos en vampiros también.

“Bloodsucking Bastards” recuerda en varias a escenas a las técnicas que fueron usadas también en “Shaun of the Dead”, técnicas que siempre funcionan y que convierten a ambas películas en cintas muy graciosas y entretenidas; también tiene su cuota de sangre y violencia, pero todo funciona con un poco de humor. Además, es muy interesante ver a Pedro Pascal haciendo de villano cuando ya casi nos tenía acostumbradas a verlo siempre triunfar; la sangre encima le queda muy bien.
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Una de las mejores enseñanzas que dejan las madres es la música, sobre todo aquella que le rinde homenaje a las mañanas de hacer el aseo durante el fin de semana. Muchas canciones nos llevan de regreso a esos días y una de esas canciones, para mí, es “Porque te vas”, de Jeanette. Con el tiempo, supe que esa canción era parte del soundtrack de “Cría Cuervos”, una película española tan triste como adorable.

La película cuenta la historia de tres hermanas: Irene (Conchi Pérez), Ana (Ana Torrent) y Maite (Maite Sánchez), pero se enfoca mucho más en la perspectiva de Ana. Las tres perdieron a sus padres y deben ser criadas por su tía Paulina (Mónica Randall), una mujer muy estricta, y también por su abuela (Josefina Díaz), quien apenas habla y sólo vive ya de la nostalgia. La infancia de Ana, como ella misma la describe, no fue una época alegre, sino que fue demasiado triste y eterna. Primero, su madre fallece y una de sus mayores penas fue la infelicidad matrimonial; era una madre dedicada e incluso había abandonado su sueño de ser pianista por estar con sus pequeñas. Su marido había sido un militar quien, años después, moriría de un ataque al corazón después de haber estado con una de sus amantes.

Ana es la más sensible y curiosa de las tres hermanas, por lo que observa todo lo que pasa a su alrededor; sabía acerca de los problemas de su madre y había visto el sufrimiento que le provocaba su enfermedad. La pequeña también estaba al tanto del comportamiento de su padre e incluso sabía la razón de su muerte. Ana está obsesionada con la idea de la muerte: hace preguntas incómodas, finge que asesina a sus hermanas para luego revivirlas e, incluso, cree que tiene un veneno capaz de acabar con la vida de alguien.

La imaginación de los niños es muy poderosa y Ana es prueba de aquello; su curiosidad por la muerte sólo se debía a que extrañaba mucho a su madre. “Cría Cuervos” es increíble, ya que demuestra la complejidad de los personajes femeninos, complejidad que nos rodea desde que somos pequeñas; es genial ver personajes que no sean unidimensionales. Todas las mujeres presentes en la película son interesantes: las hermanas, la madre, interpretada por Geraldine Chaplin, tía Paulina, la abuela y Rosa (Florinda Chico), todas tienen mucho que aportar.

Sólo queda celebrar "Cría Cuervos" y escuchar "Porque te vas" todo el día.
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Hace tiempo que no veía una película de Woody Allen, debido a todo el contexto de la declaración de Dylan Farrow, pero la curiosidad es mayor cuando, año tras año, aparece una nueva cinta con actores que admiras y que no tienen problemas para trabajar bajo las órdenes de Allen. Sólo para ver qué era lo que Emma Stone había hecho, decidí ver “Magic in the Moonlight”.

La historia se da en Francia durante los años ‘20, esa época hermosa de charlestón, vestidos lindos y cigarrillos elegantes que me hace desear haber vivido de fiesta en fiesta en aquellos años. Todo comienza cuando Howard (Simon McBurney) le pide ayuda a su amigo Stanley (Colin Firth) para desenmascarar a una vidente que ni él mismo pudo desenmascarar. Stanley es un mago de renombre, cuyo nombre artístico es Wei Ling Soo, basado en un mago que de verdad se hacía pasar por asiático. Stanley también es la persona más escéptica que existe, por lo que acepta de inmediato la oferta de atrapar a la famosa vidente.

La vidente es Sophie Baxter (Emma Stone), una adorable criatura que viste ropa hermosa y que ya tiene en sus manos a la millonaria familia Catledge, sobre todo a Brice (Hamish Linklater), quien le hace miles de regalos, le canta serenatas y hasta le propone matrimonio. Desde el momento en que Stanley conoce a Sophie, no le cree absolutamente nada, pero ella no para de demostrar su talento al adivinar cosas sobre su vida privada y también al comunicarse con el más allá. Y si Stanley tenía sus dudas en un principio, luego termina muy sorprendido con el don que tiene Sophie y deja de ser tan racional para empezar a disfrutar de la vida tranquilamente, sin cuestionar cada detalle.

Déjenme decir algo sobre las personas racionales: nunca dejaremos de ser racionales, por muy convincente que sea Emma Stone o por mucho que alguna tía necesite ayuda; nunca dejamos de dudar acerca de todo. Por lo mismo, también deberíamos dejar de ver películas de Woody Allen, no importa cuánto admiremos a alguno de los actores que consigue contratar.
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Terminando, por ahora, con esta maratón de películas de terror, también vi “The Babadook”, película de la cual sólo he leído buenos comentarios, algo que siempre me motiva y que, esta vez, no defraudó. 

Uno de los mejores detalles de “The Babadook” es que fue escrita, dirigida y protagonizada por mujeres; eso consigue que el drama en la historia sea tratado con una sensibilidad mucho más diferente. La protagonista, Amelia (Essie Davis), vive atormentada por la muerte de su marido, quien había fallecido seis años antes, justo en el momento en el que la llevaba al hospital para dar a luz a su hijo, Sam (Noah Wiseman). Amelia todavía está pasando por un proceso de luto, pero nunca habla de aquello y guarda todas las cosas de su marido en el sótano, cosas que no deja que Sam vea.

Sam representa otro problema para Amelia; primero, de cierta manera, ella lo culpaba de la muerte de su marido y segundo, Sam es un niño que sufre de aquel clásico miedo al monstruo que está debajo de la cama o dentro del closet, pero Sam lo lleva a otro nivel. Todas las noches, Amelia tiene que revisar la habitación sólo para no encontrar absolutamente nada, mientras que Sam se dedica a crear armas para vencer al monstruo, es expulsado de su colegio, le rompe la nariz a su prima, entre otros problemas. 

La situación empeora luego de que ambos leen un libro llamado The Babadook, el libro más escalofriante que existe; poco a poco, Amelia empieza a creer que hay una presencia dentro de su hogar y no para nada producto de su paranoia. Una especie de hombre muy alto, vestido sólo de color negro, comienza a aparecer por todas partes, amenazando tanto su seguridad como la de Sam.

La trama en "The Babadook" también cambia de asustado a asustador, lo que me hizo recordar a “Goodnight, Mommy”; en un principio, es Amelia quien teme tanto de su hijo como de los miedos que él sufre, pero luego es Sam el que teme al ver los efectos de Babadook en su madre. Ellos no son las únicas víctimas, ya que cada detalle de esta película sirve como causante de pesadillas. Y de no querer responder nunca más el teléfono.
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El pasado viernes, vi "Goodnight Mommy" en un especial del terror que organizó Insomnia Cine en el Teatro Condell, famoso por haber sido uno de los centros culturales del cine porno durante años anteriores, pero que ya recuperó su verdadero propósito y se agradece, ya que siempre había anuncios de su programación en plena vereda. También estuvo presente Hermes el Sabio, mostraron “A Nightmare on Elm Street” y me traje un “Flims: El Libro” de recuerdo.

No sabía nada acerca de "Goodnight Mommy", pero la ausencia de expectativas funcionó. La película se trata de dos hermanos gemelos y de su madre; como dijo Hermes, existen dos películas de terror en una. Primero, tenemos una historia contada desde la perspectiva de los niños; Lukas (Lukas Schwarz) y Elias (Elias Schwarz) le temen a la figura de su madre (Susanne Wuest), una mujer que acaba de operar su rostro, por lo que siempre está cubierta de vendas, es muy estricta y dura con los gemelos. Su madre podría haber sido una modelo o actriz famosa, se acaba de separar y está enfrentando una crisis. Un detalle que la convierte en una figura mucho más tenebrosa es que, en distintos lugares del hogar, hay un par de retratos en donde su rostro se ve algo borroso, por lo que no podemos ver muy bien cómo se veía. Lukas y Elias temen que esta mujer no sea su verdadera madre.

Los gemelos comienzan a sospechar de aquella mujer y deciden ponerla a prueba, preguntándole cosas como la canción favorita de uno de ellos o mostrándole una imagen en la que ella aparece con una amiga. Pero la trama también gira y quien ahora se convierte en la persona que teme es la madre, ya que sus hijos comienzan a hacer cosas más drásticas, como atarla a una cama y obligarla a contar la verdad; es durante esos momentos que la técnica de los gemelos terroríficos funciona a la perfección.

"Goodnight Mommy" es prueba de que la imaginación infantil es tan grande que puede aterrorizar y llevar hasta las últimas consecuencias. Los gemelos también son tan espeluznantes que la película es otra de aquellas que podrían funcionar como método anticonceptivo.
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Hola

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Catalina.
Basada en hechos reales.

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