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We'll always have Paris

 


La obsesión con la monarquía británica es real y, mientras más material de Diana Spencer nos dan, más consumimos. Disfruté mucho la cuarta temporada de "The Crown", pero la depresión post final de temporada también es real, así que, después de un par de documentales, recurrí a la película de 2006, "The Queen". No me había llamado la atención, ya que parece ser de aquellas  películas que sólo hacen para que se destace durante la temporada de premios, pero cuando leí que la trama se trataba de los días posteriores al accidente en París, la curiosidad me ganó.

Tras la muerte de Diana, la familia real debe decidir qué hacer frente a la tragedia; la respuesta es rápida: nada. El clan, liderado por la reina Isabel (Helen Mirren), decide quedarse en su refugio de Balmoral y aprovechar la privacidad por el bien de William y Harry. Al mismo tiempo, en Londres, el primer ministro Tony Blair (Michael Sheen) debe lidiar con la opinión pública, ya que todo el mundo se dedica a destrozar a la familia real por no hacerse presente frente a la pérdida de la princesa del pueblo. ¿Qué esperaban? ¿Que los siguieran queriendo?

Debido a la inclusión de escenas de noticias reales, "The Queen" se siente mucho más cercana e interesante, pero tiene un aire a película para televisión hecha por la BBC que nada ni nadie le podría quitar de encima. Recuerdo que durante una escena de "The Crown", la reina Isabel, interpretada por Olivia Colman. dice que hacer nada es la parte más difícil de ser reina. Tanto en la serie como en esta película, aquella frase queda muy bien reflejada.
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Como cualquier otro curioso sobre historias de asesinos en serie, también me hubiese atrevido hacer el viaje a cada locación icónica en donde cada asesinato ocurrió. La idea de Brian Kessler (David Duchovny) no era una mala idea, debe ser entretenido viajar en automóvil hasta California, pero debió haber escuchado a Carrie Laughlin (Michelle Forbes), su novia fotógrafa. No se acepta la compañía de dos extraños, así como así.

Los extraños en cuestión son Adele Corners (Juliette Lewis) y Early Grayce (Brad Pitt), una pareja redneck capaz de incomodar a cualquier otra persona; no se trata de una cosa de apariencias lo que provoca la desconfianza, sino que también, porque sabemos desde un principio que Early es un ladrón y asesino que no parece sentir ningún remordimiento de sus varios crímenes. Early es el sujeto de observación perfecto para el nuevo libro de Brian, un asesino en serie con un pasado digno de investigar; el problema es que Brian no tiene idea con quién se acaba de juntar. El viaje hasta California es incómodo y, rápidamente, comienzan a aparecer los roces: Early no aporta con dinero, no tiene modales, Adele confiesa lo violento y machista que Early es, Carrie le da un ultimátum a Brian hasta que, por fin, en una gasolinera, la verdad sale a la luz.

A pesar de no ser una película del tipo descubra al asesino, "Kalifornia" también tiene su cuota de suspenso ya que el personaje de Brad Pitt, como todo buen asesino, es totalmente impredecible; no le importa nada ni nadie y llegamos a compartir la frustración con Brian, ya que nunca conoceremos a fondo su pasado o alguna otra razón que haya llevado a Early a ser de la manera en que era.

Los años noventa fueron una muy buena época para Brad Pitt.
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Recuerdo perfectamente el momento en que una amiga del colegio llegó contándome la trama de “Dracula 2000”; ese entusiasmo con el que una persona habla sobre alguna película que le gusta nunca se olvida. Ella estaba tan emocionada que me contó toda la trama, spoilers incluidos; no la culpo. Creo que se debió a que, como estábamos en un colegio católico, el tipo de desenlace que tiene esta película siempre fue parte de un tema algo controversial.

Basándose en la novela de Bram Stoker, como todas sus predecesoras, “Dracula 2000” también se centra en la figura del clásico vampiro, pero lo trae hasta la era moderna, en donde Abraham Van Helsing (Christopher Plummer) todavía trata de evitar el regreso del demonio. Esta vez, lo hace por razones más personales: Van Helsing está tratando también de proteger a su hija, Mary (Justine Waddell). El ayudante de Abraham, Simon Sheppard (Jonny Lee Miller) asume la responsabilidad de cuidar la joven luego de que la tumba de Drácula fuese abierta. El vampiro, tal y como en el pasado, vuelve a cruzar océanos con tal de encontrarse con su nuevo desafío amoroso.

A pesar de los varios clichés y de las malas actuaciones que rodean a esta película, su desenlace final no puede dejar de intrigarme. Es tan entretenido que, esta vez, la verdadera identidad de Drácula sea Judas y que varias de las características clásicas del vampiro hasta tengan sentido como, por ejemplo, su aborrecimiento frente a algún símbolo católico o su vulnerabilidad frente a la plata y a los amaneceres; es tan interesante como divertido.

Exijo un remake.
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Existen miles de respuestas frente a las preguntas acerca de la soledad y sobre el porqué algunas  personas disfrutan su propia compañía. La mayoría de aquellas respuestas tiene relación con una necesidad de tranquilidad, de paz, de búsqueda, pero, para Fern (Frances McDormand), la respuesta tiene relación con lo inevitable.

Tras el cierre de la empresa Empire, todos sus trabajadores no sólo debieron renunciar a sus trabajos, sino que también debieron abandonar el lugar en donde vivían, allá por el desierto de Nevada. Fern se vio obligada a vender todas sus cosas y a emprender camino hacia nuevos horizontes dentro de una van, a la cual bautiza como Van-guardia. Junto a su fiel medio de locomoción, Fern comienza a recorrer el país, realizando distintos trabajos, como en Amazon, por ejemplo. Fern no quiere vivir sólo de los pocos beneficios que le da el hecho de ser jubilada, beneficios que son tan insuficientes como los de este país.

Una de sus amigaa, Linda (Linda May), invita a Fern a una comunidad de personas nómades, grupo que también sirve de apoyo para todos aquellos que se suben a una camioneta y viajan a través de Estados Unidos, personas que buscan, justamente, un consuelo para su soledad. Aunque "Nomadland" idealiza ciertas situaciones acerca de esta forma de vida, también muestra todos aquellos problemas que conlleva ser un adulto mayor viviendo, realmente, bajo tus propios términos, problemas que no solamente son una gran carga para los solitarios, sino que también son situaciones que sólo los valientes pueden enfrentar.

Ojalá el talento de Chloé Zhao (escritora, editora y directora) no se pierda ahora que trabajará para una cinta de Marvel.
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Siempre ha existido una relación de amor y de odio con el heavy metal, en el sentido de que lo odio (con la excepción de algunas canciones), pero lo amo cuando presenta la posibilidad de mostrar a Riz Ahmed como protagonista de una película sobre un baterista apasionado por su arte.

Ruben Stone (Ahmed) forma parte del dúo de heavy metal, Blackgammon, banda liderada por Lou Berger (Olivia Cooke), también su novia. El grupo se encuentra realizando una gira por Estados Unidos y las cosas parecen ir muy bien, hasta que sucede una de las peores cosas que le puede suceder a un músico: Ruben pierde la audición. La distorsión del sonido en algunas de las escenas consigue que la sensación de terror y frustración sea compartida, además, la actuación de Riz Ahmed es tan intensa que pasa a ser una fuerte candidata para los próximos premios Oscars.

Tras saber su poco esperanzador diagnóstico, Ruben entra de mala gana a un centro para personas sordas, en donde comienza a convivir con su nueva realidad, pero tiene problemas para adaptarse a la filosofía del lugar. El líder del grupo, Joe (Paul Raci), y el resto de sus compañeros no consideran que la sordera sea una discapacidad; Ruben, en cambio, se obsesiona pensando en una futura operación que le ayude a corregir su audición y, de esa manera, poder volver a la música. La frustración de Ruben es comprensible y dolorosa, ya que no sólo perdió un sentido, también perdió su vida, la vida que giraba alrededor de su banda. No sólo queda sin audición, Ruben siente que ha quedado sin nada.

Escrita por Derek Cianfrance, el mismo guionista de "Blue Valentine", la película nos predispone a enfrentarnos a muchas escenas de dolor verdadero, pero "Sound of Metal" está lejos de ser aquella película de superación algo cliché, que muchas veces también es una cinta biográfica, en donde el protagonista vence su problema y luego sale a disfrutar de esta nueva vida llena de posibilidades y las cosas se alinean y todos son felices; en esta película, sucede lo contrario. Parece un ejemplo de aquella frase que nos recuerda que, si no puedes cambiar tu realidad, al menos puedes cambiar la manera en que la enfrentas. Siempre va a ser más interesante mostrar la parte complicada de aquel camino.
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Andaba sola a esa hora. Bebió demasiado. Se expuso al peligro. Lo estaba incitando. Soy un buen tipo. Éramos jóvenes. Si te acuestas con cualquiera, nadie te creerá cuando algo malo pase. No hay suficiente evidencia. Él dijo, ella dijo. Las niñas tienen que ser cuidadosas. Una mujer tiene que darse a respetar. Es tu culpa. Una acusación así puede arruinar la vida de un hombre. Hay que darles el beneficio de la duda. Es la peor pesadilla de un hombre.

¿Puedes adivinar cuál es la peor pesadilla de una mujer?

Siempre será frustrante escuchar aquellas clásicas frases que han transformado a la cultura de la violación en algo, lamentablemente, normalizado, por lo que, cuando aparece una película como “Promising Young Woman”, es inevitable sentir una especie de alivio liberador. Liberador, porque es bueno recordar que no estamos solas y liberador también, porque, personalmente, me encantaría hacer algo más al respecto, algo como lo que hace de Cassie Thomas (Carey Mulligan), protagonista de esta historia. La revancha nunca es buena, bla blá, pero enfrentar y desenmascarar a un sexista es algo de ensueño.

Cassandra Thomas (Carey Mulligan) es una joven de treinta años que, cada semana va a un club distinto, finge estar excesivamente borracha y espera a que algún buen chico la ayude y la lleve hasta su hogar. Cuando este buen chico está a punto de aprovecharse de ella, Cassie los espanta con la verdad y le recalca que se está aprovechando de una mujer y que su acto de buena persona no es más que una violación. El experimento de Cassandra tiene un trasfondo: la tragedia de su mejor amiga, Nina, una herida todavía abierta y que se agudiza todavía más luego de que la joven decida reencontrarse con varios de los involucrados en aquel incidente. Cassie nota lo increíblemente injusto que es que las vidas de personas que causaron tanto daño sean vidas exitosas y normales, por lo que la joven se encargará de que nadie vuelva a olvidar a su mejor amiga.

No siempre preferiré ver películas con cierta temática que gire alrededor de la cultura de la violación, pero cuando hubo mujeres detrás de cámara, aquella opinión puede variar; "Promising Young Woman" ofrece un discurso distinto, maduro y sensible al mismo tiempo. Contado con una vibra que recuerda a un thriller de venganza y decorada con una estética llena de colores pasteles y de luces de neón, la película también pasa por momentos en donde coquetea con la comedia romántica y con el humor negro. Aquella enigmática combinación se debe al talento de su directora y guionista, Emerald Fennell; entre sus créditos se encuentra la serie "Killing Eve", por lo que, además de una buena historia, también nos entrega una interesante protagonista, tan dulce y tierna como lo es fría y calculadora. Fennell trata el tema del abuso con mucha sensatez y, en lugar de provocar miedo con una posible escena de violación que nunca será bienvenida, la directora decide provocar incomodidad al retratar la negligencia y la indiferencia con la que estas acusaciones son tratadas; un fiel retrato de la sociedad siempre será más angustioso de presenciar.

Si "Promising Young Woman" consigue incomodar a más de alguno, ya sea debido a este retrato o debido a la actitud de la protagonista, creo que la película habrá cumplido con su objetivo.

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Un nuevo año para este blog 💜

El talento de Emma Thompson debería ser utilizado y aprovechado en todas las áreas de las producciones cinematográficas y bien lo supo Lindsay Doran, encargada de cintas como “This is Spinal Tap” o “Stranger tan Fiction”. Doran siempre quiso llevar a la pantalla grande una de las obras de la escritora Jane Austen y, para esta labor, la productora confió en el ingenio y el carisma de Emma Thompson.

La actriz inglesa nunca había escrito un guión antes y le tomó cinco años preparar la adaptación de “Sense and Sensibility”, esfuerzo que rindió sus frutos, ya que Thompson luego fue galardonada con un premio Oscar por Mejor Guión Adaptado. Dirigida por Ang Lee, “Sense and Sensibility” cuenta la historia de las hermanas Dashwood, Elinor (Emma Thompson) y Marianne (Kate Winslet), quienes ven afectada su estabilidad económica cuando su medio hermano, John (James Fleet), es quien hereda toda la fortuna de su padre.

Las hermanas Dashwood deben buscar un nuevo hogar y, además de los problemas económicos, también aparecen en sus vidas dos hombres tan caballerosos y educados como se esperaría que fuesen los héroes de las historias de Jane Austen. Por un lado, conoce al coronel Brandon (Alan Rickman), un hombre mayor y respetuoso que, inmediatamente, se enamora de Marianne, pero ella sólo tiene ojos para John Willoughby (Greg Wise). Por otro lado, Elinor comienza una amistad con Edward Ferrars (Hugh Grant), hermano de su cuñada; debido al posible compromiso de Edward con otra joven, Elinor debe callar la verdad acerca de sus sentimientos.

Además de retratar de manera perfecta cuál es la hermana que representa a la sensatez y a la sensibilidad, Emma Thompson también se tomó la libertad de adaptar una historia con la que pudiéramos empatizar, a pesar de que la temática sea un problema del siglo pasado; la actriz modificó rasgos de los personajes y les dio más vida, más carisma y más realismo del que se hubiese esperado. Thompson, además, consiguió integrar ese humor tan característico de su personalidad, junto con atenuar el suspenso hacia el final de la trama, sin que parezca un drama exagerado, sino que más bien, un alivio para nuestra querida Elinor.

“Sense and Sensibility” es una historia adorable y atemporal, la cual sólo nos recuerda la maravillosa escritora que Jane Austen fue y la maravillosa escritora en la que Emma Thompson pudo convertirse a través de aquellas obras tan femeninas como feministas.

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Hola

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Catalina.
Basada en hechos reales.

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