We'll always have Paris

New York es aquella ciudad en la que nunca he estado, pero que creo conocer muy bien; la mayoría de nosotros podríamos encontrar fácilmente alguna dirección o sabríamos algún clásico lugar de algún clásico vecindario; New York es una ciudad universal. El cine, "Friends" y mi banda favorita han conseguido que sueñe con paseos por Central Park, con viajes en el metro, con caminatas por alguna de las Village o, incluso, con tomar un taxi; todo completamente idealizado. Debido a esto, me pareció que "New York, I Love You" no le hace justicia a la ciudad en la que está inspirada.

La película cuenta distintas historias de distintos desconocidos que deambulan por la Gran Manzana, pero pareciera ser más un collage sin editar de un grupo de enseñanza básica. A pesar de que cuenta con un par de historias interesantes, como la historia del hotel, la historia de los libros o el segmento de los adultos mayores, el resto de los relatos no tiene corazón ni tampoco química. New York pasa muy desapercibido; son historias que hubiesen ocurrido en cualquier otra ciudad del mundo. ¿Han escuchado ese cliché de que "New York se sintió como el quinto personaje de la trama"? En "New York, I Love You", la ciudad ni siquiera alcanzó a ser un extra.

Además, ¿quién preferiría ver a Bradley Cooper antes que cualquier imagen de las luces de Nueva York por las noches?

Dirigida por Kathryn Bigelow, la película que le valió el Oscar (momento histórico💙), no peca de pretenciosa; es una historia intensa y real que disfruté mucho, a pesar de que la temática de mostrar a soldados como pobres héroes no siempre es bienvenida. No es el caso de "The Hurt Locker", película que los muestra como agentes ya exhaustos o, simplemente, como personas que no pueden dejar de pensar en la guerra. 

Bella Swan (Kristen Stewart) es una adolescente que debe mudarse desde Arizona hasta la fría y oscura ciudad de Forks, en Washington. Bella es tímida y reservada, pero, por razones que recuerdan a las fanfictions, de inmediato llama la atención de varias personas dentro su nuevo colegio. Una de esas personas es Edward Cullen (Robert Pattinson), un misterioso joven que es tan reservado como Bella; la joven también se siente atraída hacia él, pero el aire misterioso de Edward esconde un secreto más grande: es, en realidad, un vampiro.

No culpo a Bella de haberse fijado en un vampiro, ya que sí tienen un aire muy interesante y pueden otorgarte la vida eterna, pero el personaje de Edward, esa especie de galán adolescente sensible y traumado que la ama, pero que no quiere hacerle daño y por eso la ignora y la aleja, ya es algo del pasado. Tampoco culpo a Kristen Stewart por la falta de carisma de su personaje; recuerdo que leí un par de capítulos del primer libro de “Twilight” y, de verdad, no hay mucho qué hacer con Bella. Pero si “Twilight” tiene un mérito es que, por alguna razón y, con el tiempo, ha conseguido convertirse en una especie de obra de culto, de la cual nos podemos burlar o podemos admirar por igual.

Los negocios inmobiliarios de Londres han caído en la corrupción y en el tráfico de drogas. El mafioso ruso, Uri Omovich (Karel Roden) hace una compra ilegal de terrenos, por lo que todo delincuente quiere exigir su parte, incluyendo al capo Lenny Cole (Tom Wilkinson) y a la banda "The Wild Bunch", formada por One-Two (Gerard Butler), su compañero Mumbles (Idris Elba) y su chofer, Handsome Bob (Tom Hardy).

Uri llega a un acuerdo monetario de siete millones con Lenny y, como voto de confianza, le entrega su pintura de la suerte. Stella (Thandie Newton), contadora de Uri, traiciona a su jefe y contrata a The Wild Bunch para que roben el dinero. Al mismo tiempo, el hijastro de Lenny, Johnny Quid (Toby Kebbell) roba la pintura y finge su propia muerte.

Siguiendo situaciones dignas de “Snatch”, otra de las películas dirigidas por Guy Ritchie, “RocknRolla” también es bien entretenida. A veces se enreda en sí misma, pero es entretenida, de todas formas.

“Mamma Mia!” es un musical basado en canciones del grupo sueco ABBA. Fue escrito en 1998 por Catherine Johnson y llevado a la pantalla grande, diez años después, por Phyllida Lloyd.

La película cuenta la historia de Sophie Sheridan (Amanda Seyfried), una joven de veinte años que está a punto de casarse con Sky Ramand (Dominic Cooper. Sophie es hija de Donna (Meryl Streep), quien nunca le habló sobre la identidad de su verdadero padre; días antes de su matrimonio, Sophie encuentra el diario de su madre, gracias al cual llega a tres posibles candidatos de paternidad: Sam Carmichael (Pierce Brosnan), Harry Bright (Colin Firth) y Bill Anderson (Stellan Skarsgård). Sophie, sin contarle a su madre, invita a los tres candidatos a su boda, con tal de que su verdadero padre la lleve hasta el altar, lo que también significará un enorme impacto en la tranquila vida de Donna.

Es increíble cómo las canciones de ABBA se mezclan de manera perfecta en cada número musical dentro de la película, casi como si hubiesen sido creadas única y particularmente para “Mamma Mia!”. A pesar de que algunos momentos parecen estar de más, en general, la película es un excelente musical y me alegra que ABBA haya prestado sus maravillosas canciones y que hayan anunciado su regreso a la música esta semana.

“El tipo puede cambiar de todo: de cara, de casa, de familia, de novia, de religión, de dios, pero hay una cosa que no puede cambiar… no puede cambiar de pasión”. Esa frase pertenece a otra película, pero no dejé de repetirla en mi cabeza durante las dos horas de “Rudo y Cursi”, ya que esta cinta mexicana gira alrededor del fútbol y cuenta con la participación de Guillermo Francella. Es muy difícil superar “El Secreto de sus Ojos”.

En “Rudo y Cursi”, Darío Vidali (Francella) es un buscador de talentos que trabaja en el ámbito del fútbol. Durante una búsqueda de potenciales jugadores en México, Darío se topa con dos hermanos mientras ellos juegan un partido entre amigos: Beto (Diego Luna) y Tato Verdusco (Gael García Bernal). Ambos aman el fútbol, pero también son muy diferentes entre sí.

Beto está casado con Toña (Adriana Paz), con quien tiene dos hijos; juega en la posición de arquero y debido a la manera en que juega, es apodado como “Rudo”. Tato, por otro lado, es mucho más relajado y agradable, siempre se está enamorando y le gusta tocar el acordeón; además de ser un jugador profesional de fútbol, también sueña con ser un famoso cantante, por lo que todo el mundo le dice “Cursi”.

Desde el momento en que Darío decide reclutarlos, los roces entre ambos hermanos comienzan a aparecer; hay envidia en cuanto a quién elegirán primero y en cuánto a los clubes que los contratarán. Una vez que ya se encuentran en la capital, a los dos les empieza a ir bastante bien, pero sus adicciones a las apuestas y al amor también se interpondrán en el camino de su éxito.

A pesar de no disfrutar de algún partido de fútbol en especial o con tanta pasión, “Rudo y Cursi” sí resulta ser una película bastante placentera de ver. La química entre Diego Luna y Gael García Bernal es increíble y las escenas entre ambos están llenas de momentos tan graciosos como intensos. Y, quizás se debe al hecho de que fue grabada en Latinoamérica, pero “Rudo y Cursi” retrata muy bien aquellos aspectos del tercer mundo que tan bien conocemos.

Luego de que Joy le organiza una fiesta de cumpleaños sorpresa a su prometido, este termina con él. Jack, por su parte, es despedido de su trabajo por su padre y sus amigos deciden llevarlo a Las Vegas para pasar el mal rato. Joey y Jack se conocen luego de un error con sus habitaciones en el hotel, salen a beber y a bailar y terminan casándose en una de aquellas típicas capillas en donde siempre hay dobles de Elvis Presley.

Luego de acordar divorciarse, Jack gana tres millones de dólares tras usar una ficha de Joy; los planes de separación cambian y, cuando regresan a Nueva York, un juez los obliga a convivir seis meses antes de decidir divorciarlos. Si intentan vivir con el otro por un tiempo, Jack y Joy podrán quedarse con la mitad del premio de Las Vegas. Ambos tratarán de hacerse la vida imposible, pero también comenzarán a sentir cosas por el otro.

“What Happens in Vegas” podría haber funcionado de alguna manera, pero insisto en que Ashton Kutcher casi no tiene química con ninguna de sus protagonistas.

Cierto día, unos nuevos vecinos llegan al departamento de al lado: Håkan (Per Ragnar) y Eli (Lina Leandersson), quienes parecer ser padre e hija. Eli de inmediato llama la atención de Oskar, ya que parece una niña tan solitaria como él; además, su aspecto increíblemente pálido no puede pasar desapercibido. Este dato, además del hecho de que Håkan pasa todas las noches recolectando sangre humana para Eli, nos dejan entrever su verdadera identidad.

El ambiente frío y oscuro de los días en Estocolmo se convierte en el ambiente perfecto para una película de terror y los creadores de “Let The Right One In”, su título en inglés, aprovecharon cada recurso que la ciudad les ofrecía. La película es terrorífica, intimidante y helada, en todo sentido de aquella palabra; es una prueba más de la reivindicación del género de los vampiros como género del terror.

Georgia Nicolson (Georgia Groome) es una adolescente inglesa de catorce años que está pasando por una crisis existencial. No se siente muy bonita ("my nose is the size of Jupiter"), tiene problemas con la mentalidad medieval de sus padres, no le gusta su colegio, está obsesionada con la idea de conseguir un novio y presiente que su fiesta de quince años será todo un fracaso. Al menos, Georgia tiene tres mejores amigas: Jas (Eleanor Tomlinson), Rosie (Georgia Henshaw) y Ellen (Manjeeven Grewal) y, por fin, algo sucede en su aburrida ciudad. 

Aparece un potencial interés amoroso, pero no cualquier potencial interés amoroso, ya que este es el adolescente más bonito de toda Inglaterra: Robbie Jennings (Aaron Taylor-Johnson). Para hacerlo más interesante, Robbie también es músico y muestra, de inmediato, una simpatía hacia Georgia. Ella se enamora rápidamente de él, por lo que empieza a planear estrategias para que Robbie se fije en ella. Lo que Georgia, como toda adolescente, todavía no sabe, es que las cosas no se hacen de esa manera y su crisis existencial comienza a empeorar cada vez más. 

"Angus, Thongs and Perfect Snogging" es, claramente, una película dirigida para adolescentes, pero es inevitable terminar queriéndola; es tierna, divertida y tiene un excelente soundtrack. También es imposible no identificarse con Georgia y con todos aquellos dramas de la adolescencia que parecen tan triviales, pero todos tuvimos catorce alguna vez.

Inglaterra, siglo XVI. Thomas Boleyn (Mark Rylance) y su esposa Elizabeth (Kristin Scott Thomas) tienen tres lindos hijos: Anne (Natalie Portman), Mary (Scarlett Johansson) y George (Jim Sturgess). Thomas es ambicioso y desea que, en el futuro, estos hijos puedan contribuir a la reputación de la familia Boleyn. Primero, decide casar a Mary con William Carey (Benedict Cumberbatch), un hombre bastante decente para la época, pero Thomas tiene más esperanzas para Anne, quien es tan ambiciosa como él. 

Gracias a la ayuda del hermano de Elizabeth, la familia consigue arreglar una visita del rey Henry VIII (Eric Bana) y tienen la esperanza de que él se fije en Anne, ya que está casi desesperado por tener un heredero varón. En un principio, el rey sí parece interesado en la joven Anne, pero luego desvía la mirada hacia Mary. Sin importar su estado civil, ella es llevada a la Corte, para hacer de dama de compañía de reina Catalina de Aragón (Ana Torrent). Tiempo después, Mary le da el ansiado varón a Henry, pero su atención se ha vuelto nuevamente hacia Anne.

La obsesión por todo lo que tenga que ver con la realeza, herederos al trono, traiciones, ambiciones y juegos de poder es real; debe ser uno de los episodios favoritos dentro de la historia del Reino Unido. "The Other Boleyn Girl" cumple con ese objetivo de darle un toque más dramático e idealizado a estos hechos históricos y, a pesar de que varias veces me incomodan los estadounidenses tratando de hacer acentos ingleses, ambas protagonistas hacen un buen trabajo.

Una vez me dijeron: “esta actriz que te gusta a ti, la rubia… la Amy Poehler”, y fue genial que, de cierta manera, me asociaran con ella. La verdad es que me sí gusta mucho Amy Poehler; es talentosa, ingeniosa, divertida, inteligente y, a veces, sólo mirar su rostro me alegra el día. Lo mismo me pasa también con Tina Fey, pero en menor cantidad, sólo porque todavía no termino de ver "30 Rock". 

Kate Holbrook (Tina Fey) es una mujer de 37 años; es muy exitosa en su trabajo, ya que es la vice presidenta de una empresa que se preocupa de la alimentación sana: comida orgánica y cosas así. En lo que Kate no tiene mucha suerte es en el plano amoroso; no ha tenido una relación seria en años y se da cuenta de que su reloj biológico ya está marcando. Kate quiere ser madre a toda costa: consulta adopciones, inseminaciones in vitro y nada resulta, por lo que recurre a la última solución: un vientre de alquiler.

Kate visita una agencia que se encarga de buscar madres sustitutas y, es de esa manera, que la contactan con Angie Ostrowski (Amy Poehler), una joven algo dispersa que no entiende mucho de la vida, pero que al menos sí entiende el proceso del embarazo. Kate no lo duda ni un segundo y continúa con toda la burocracia con tal de que Angie quede embarazada de su bebé (“Angie, I’m gonna put my baby in you”). Luego de unas semanas, Kate recibe una buena noticia por parte de Angie, pero debido a su dispersión, ella no sabe si el bebé que espera es, en realidad, el de Kate o si es de su novio Carl (Dax Shepard).

Antes de ver esta película, leí un par de comentarios en donde decían que “Baby Mama” era muy predecible; quizás yo tenga poca imaginación, pero me pareció todo lo contrario. Al menos es interesante, porque tiene a dos de mis comediantes favoritas como protagonistas y también porque el tema de los vientres de alquiler siempre da para debate.

Desaparecí un tiempo de este blog, pero fue por una buena causa: estaba estudiando para mi examen de Traducción. Todo salió bien, soy traductora ahora, mini wave in celebration of me; espero que eso le dé un toque especial a esta página o algo parecido. Lo bueno es que, antes de encerrarme a estudiar, alcancé a ver dos películas; una de esas fue “La Belle Personne”.

La película, adaptación de la novela "La Princesse de Clèves", cuenta la historia de Junie (Léa Seydoux), una adolescente que acaba de perder a su madre. Como no se lleva bien con su padre, Junie debe irse a vivir a casa de unos tíos, en París. Una vez allí, comienza a asistir al mismo colegio que su primo, Matthias (Esteban Carvajal Alegría), lugar en donde Junie llama rápidamente la atención gracias a su belleza y al hecho de ser la misteriosa compañera nueva.

Uno de sus varios compañeros, Otto (Grégoire Leprince-Ringuet), se enamora perdidamente de ella, pero es algo tímido y tiene problemas para acercarse, en un principio. Para alivio de Otto, Junie siente lo mismo por él y los dos comienzan una de esas tiernas relaciones adolescentes, en donde parece que todo saldrá bien... hasta cierta clase de italiano, en donde Junie conoce al profesor Nemours (Louis Garrel). Pareciera ser que la atracción es mutua y el secreto queda bien guardado, pero una carta que pasa de mano en mano revelará las intenciones de más de alguno.

Una de las razones de mi cariño hacia las películas francesas es que, como aprendí inglés viendo películas estadounidenses, asumo que también podría aprender francés de la misma forma. “La Belle Personne” pareciera ser la película ideal para aprender. También es de esas películas que me recuerda lo hermoso que es el invierno, pero lo más destacable es toda esa pasión, ese misterio y ese romanticismo que emiten los personajes principales. Louis Garrel es perfecto como el profesor atormentado frente a la idea de enamorarse y, por otro lado, Léa Seydoux es maravillosa como aquella protagonista tan fría y tan reservada al mismo tiempo. 

La nostalgia por cosas, o personas, que no podemos tener es real.

Si tuviera que elegir un género de película en el cual ver por siempre a Anne Hathaway, elegiría el drama. A veces ha tomado tan malas decisiones con otros estilos que la sola mención a “Bride Wars” me da náuseas. Es por eso que elegí “Rachel Getting Married” como la siguiente película de su filmografía para completar.

Kym (Hathaway) es una ex modelo que lleva varios meses dentro de un centro de rehabilitación debido a un problema con las drogas y el alcohol. Cierto fin de semana, a Kym se le da permiso para salir y asistir al matrimonio de su hermana mayor, Rachel (Rosemarie Dewitt). Rachel es todo lo contrario a Kym: es una mujer madura, responsable y cariñosa que ha sabido sacar adelante a su familia después de varios problemas. Kym, por su parte, es la causante de todos esos problemas.

Apenas Kym llega a su casa, se ve enfrentada a miradas que sólo la juzgan, situaciones incómodas con la familia del novio de Rachel, recriminación y muchas conversaciones fuertes de esas que sólo tú y tu familia disfuncional pueden tener. También hay una especie de guerra de egos, ya que Rachel no quiere que todos estén pendientes una vez más de las actitudes de Kym durante el día de su matrimonio, mientras que Kym quiere que su familia tome en cuenta todo por lo que ella ha pasado.

“Rachel Getting Married” es una película muy triste. Sus personajes son tristes, el ambiente, los secretos de familia, todo tiene una atmósfera que deprimiría a cualquiera. Quizás lo único que puede sacarnos una sonrisa es el hecho de que los personajes se reunían en torno a un matrimonio y una fiesta así siempre anima, de todos modos. La película no es de esos dramas que hacen llorar a mares, pero sí consigue emocionar.

La actuación de Anne Hathaway es destacable; mi teoría de que es mucho más entretenido verla participando en dramas fue comprobada de nuevo. De hecho, creo que hasta me gustó más su papel de Kym que el de Fantine, por el cual ganó el Oscar. Me gusta juzgar a los actores por sus películas. Si tuviera que odiar a Anne Hathaway dependiendo de su filmografía… a pesar de todo, creo que no lo haría.

Este es el corto de Disney que ganó el Oscar y que no alcancé a ver a su debido tiempo. Paperman cuenta la historia de un tipo que de inmediato se siente atraído por una niña en el metro. Cree que nunca más la volverá a ver, pero descubre que ella está en el edificio frente al suyo. Entonces, haciéndole honor a su trabajo como paperman, el tipo trata de contactar a esta joven y recibirá una  mágica ayuda por parte del papel. 

Disfruté mucho este corto; muy Disney para sus cosas (duh), lo que lo hace adorable. La historia de Paperman me recordó a Signs en un principio.

Este corto de The Simpsons también estuvo nominado al Oscar, por increíble que eso suene. Se trata de una mañana en la vida de Maggie Simpson: es dejada en una guardería y tiene que enfrentarse al bebé malo del lugar. Maggie quiere salvar a una pequeña oruga que pronto se transformará en mariposa.

Demasiado tierno como para ser algo hecho por los mismos creadores de The Simpsons. Sé hay capítulos con ternura igual dentro de la serie, pero esto me superó.

No me acuerdo cómo llegué a este corto, pero debe ser porque estaba revisando la carrera de Rodrigo Santoro. La historia se trata de un tipo quizás famoso o quizás rebelde, que está fumando en una habitación de hotel en un sector para no fumadores. Uno de los hombres que trabaja en este hotel va a darle una educada advertencia, pero en lugar de repetirle que no puede fumar, el tipo del hotel se queda fumando con el famoso.

Este debe ser el más divertido de los tres cortos; uno, porque Rodrigo Santoro es casi irreconocible con esos dientes raros y dos, porque cuando descubres la razón el título aparece una bombilla prendida sobre tu cabeza.