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We'll always have Paris

 


Recuerdo perfectamente el momento en que una amiga del colegio llegó contándome la trama de “Dracula 2000”; ese entusiasmo con el que una persona habla sobre alguna película que le gusta nunca se olvida. Ella estaba tan emocionada que me contó toda la trama, spoilers incluidos; no la culpo. Creo que se debió a que, como estábamos en un colegio católico, el tipo de desenlace que tiene esta película siempre fue parte de un tema algo controversial.

Basándose en la novela de Bram Stoker, como todas sus predecesoras, “Dracula 2000” también se centra en la figura del clásico vampiro, pero lo trae hasta la era moderna, en donde Abraham Van Helsing (Christopher Plummer) todavía trata de evitar el regreso del demonio. Esta vez, lo hace por razones más personales: Van Helsing está tratando también de proteger a su hija, Mary (Justine Waddell). El ayudante de Abraham, Simon Sheppard (Jonny Lee Miller) asume la responsabilidad de cuidar la joven luego de que la tumba de Drácula fuese abierta. El vampiro, tal y como en el pasado, vuelve a cruzar océanos con tal de encontrarse con su nuevo desafío amoroso.

A pesar de los varios clichés y de las malas actuaciones que rodean a esta película, su desenlace final no puede dejar de intrigarme. Es tan entretenido que, esta vez, la verdadera identidad de Drácula sea Judas y que varias de las características clásicas del vampiro hasta tengan sentido como, por ejemplo, su aborrecimiento frente a algún símbolo católico o su vulnerabilidad frente a la plata y a los amaneceres; es tan interesante como divertido.

Exijo un remake.
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Existen miles de respuestas frente a las preguntas acerca de la soledad y sobre el porqué algunas  personas disfrutan su propia compañía. La mayoría de aquellas respuestas tiene relación con una necesidad de tranquilidad, de paz, de búsqueda, pero, para Fern (Frances McDormand), la respuesta tiene relación con lo inevitable.

Tras el cierre de la empresa Empire, todos sus trabajadores no sólo debieron renunciar a sus trabajos, sino que también debieron abandonar el lugar en donde vivían, allá por el desierto de Nevada. Fern se vio obligada a vender todas sus cosas y a emprender camino hacia nuevos horizontes dentro de una van, a la cual bautiza como Van-guardia. Junto a su fiel medio de locomoción, Fern comienza a recorrer el país, realizando distintos trabajos, como en Amazon, por ejemplo. Fern no quiere vivir sólo de los pocos beneficios que le da el hecho de ser jubilada, beneficios que son tan insuficientes como los de este país.

Una de sus amigaa, Linda (Linda May), invita a Fern a una comunidad de personas nómades, grupo que también sirve de apoyo para todos aquellos que se suben a una camioneta y viajan a través de Estados Unidos, personas que buscan, justamente, un consuelo para su soledad. Aunque "Nomadland" idealiza ciertas situaciones acerca de esta forma de vida, también muestra todos aquellos problemas que conlleva ser un adulto mayor viviendo, realmente, bajo tus propios términos, problemas que no solamente son una gran carga para los solitarios, sino que también son situaciones que sólo los valientes pueden enfrentar.

Ojalá el talento de Chloé Zhao (escritora, editora y directora) no se pierda ahora que trabajará para una cinta de Marvel.
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Siempre ha existido una relación de amor y de odio con el heavy metal, en el sentido de que lo odio (con la excepción de algunas canciones), pero lo amo cuando presenta la posibilidad de mostrar a Riz Ahmed como protagonista de una película sobre un baterista apasionado por su arte.

Ruben Stone (Ahmed) forma parte del dúo de heavy metal, Blackgammon, banda liderada por Lou Berger (Olivia Cooke), también su novia. El grupo se encuentra realizando una gira por Estados Unidos y las cosas parecen ir muy bien, hasta que sucede una de las peores cosas que le puede suceder a un músico: Ruben pierde la audición. La distorsión del sonido en algunas de las escenas consigue que la sensación de terror y frustración sea compartida, además, la actuación de Riz Ahmed es tan intensa que pasa a ser una fuerte candidata para los próximos premios Oscars.

Tras saber su poco esperanzador diagnóstico, Ruben entra de mala gana a un centro para personas sordas, en donde comienza a convivir con su nueva realidad, pero tiene problemas para adaptarse a la filosofía del lugar. El líder del grupo, Joe (Paul Raci), y el resto de sus compañeros no consideran que la sordera sea una discapacidad; Ruben, en cambio, se obsesiona pensando en una futura operación que le ayude a corregir su audición y, de esa manera, poder volver a la música. La frustración de Ruben es comprensible y dolorosa, ya que no sólo perdió un sentido, también perdió su vida, la vida que giraba alrededor de su banda. No sólo queda sin audición, Ruben siente que ha quedado sin nada.

Escrita por Derek Cianfrance, el mismo guionista de "Blue Valentine", la película nos predispone a enfrentarnos a muchas escenas de dolor verdadero, pero "Sound of Metal" está lejos de ser aquella película de superación algo cliché, que muchas veces también es una cinta biográfica, en donde el protagonista vence su problema y luego sale a disfrutar de esta nueva vida llena de posibilidades y las cosas se alinean y todos son felices; en esta película, sucede lo contrario. Parece un ejemplo de aquella frase que nos recuerda que, si no puedes cambiar tu realidad, al menos puedes cambiar la manera en que la enfrentas. Siempre va a ser más interesante mostrar la parte complicada de aquel camino.
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Andaba sola a esa hora. Bebió demasiado. Se expuso al peligro. Lo estaba incitando. Soy un buen tipo. Éramos jóvenes. Si te acuestas con cualquiera, nadie te creerá cuando algo malo pase. No hay suficiente evidencia. Él dijo, ella dijo. Las niñas tienen que ser cuidadosas. Una mujer tiene que darse a respetar. Es tu culpa. Una acusación así puede arruinar la vida de un hombre. Hay que darles el beneficio de la duda. Es la peor pesadilla de un hombre.

¿Puedes adivinar cuál es la peor pesadilla de una mujer?

Siempre será frustrante escuchar aquellas clásicas frases que han transformado a la cultura de la violación en algo, lamentablemente, normalizado, por lo que, cuando aparece una película como “Promising Young Woman”, es inevitable sentir una especie de alivio liberador. Liberador, porque es bueno recordar que no estamos solas y liberador también, porque, personalmente, me encantaría hacer algo más al respecto, algo como lo que hace de Cassie Thomas (Carey Mulligan), protagonista de esta historia. La revancha nunca es buena, bla blá, pero enfrentar y desenmascarar a un sexista es algo de ensueño.

Cassandra Thomas (Carey Mulligan) es una joven de treinta años que, cada semana va a un club distinto, finge estar excesivamente borracha y espera a que algún buen chico la ayude y la lleve hasta su hogar. Cuando este buen chico está a punto de aprovecharse de ella, Cassie los espanta con la verdad y le recalca que se está aprovechando de una mujer y que su acto de buena persona no es más que una violación. El experimento de Cassandra tiene un trasfondo: la tragedia de su mejor amiga, Nina, una herida todavía abierta y que se agudiza todavía más luego de que la joven decida reencontrarse con varios de los involucrados en aquel incidente. Cassie nota lo increíblemente injusto que es que las vidas de personas que causaron tanto daño sean vidas exitosas y normales, por lo que la joven se encargará de que nadie vuelva a olvidar a su mejor amiga.

No siempre preferiré ver películas con cierta temática que gire alrededor de la cultura de la violación, pero cuando hubo mujeres detrás de cámara, aquella opinión puede variar; "Promising Young Woman" ofrece un discurso distinto, maduro y sensible al mismo tiempo. Contado con una vibra que recuerda a un thriller de venganza y decorada con una estética llena de colores pasteles y de luces de neón, la película también pasa por momentos en donde coquetea con la comedia romántica y con el humor negro. Aquella enigmática combinación se debe al talento de su directora y guionista, Emerald Fennell; entre sus créditos se encuentra la serie "Killing Eve", por lo que, además de una buena historia, también nos entrega una interesante protagonista, tan dulce y tierna como lo es fría y calculadora. Fennell trata el tema del abuso con mucha sensatez y, en lugar de provocar miedo con una posible escena de violación que nunca será bienvenida, la directora decide provocar incomodidad al retratar la negligencia y la indiferencia con la que estas acusaciones son tratadas; un fiel retrato de la sociedad siempre será más angustioso de presenciar.

Si "Promising Young Woman" consigue incomodar a más de alguno, ya sea debido a este retrato o debido a la actitud de la protagonista, creo que la película habrá cumplido con su objetivo.

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Un nuevo año para este blog 💜

El talento de Emma Thompson debería ser utilizado y aprovechado en todas las áreas de las producciones cinematográficas y bien lo supo Lindsay Doran, encargada de cintas como “This is Spinal Tap” o “Stranger tan Fiction”. Doran siempre quiso llevar a la pantalla grande una de las obras de la escritora Jane Austen y, para esta labor, la productora confió en el ingenio y el carisma de Emma Thompson.

La actriz inglesa nunca había escrito un guión antes y le tomó cinco años preparar la adaptación de “Sense and Sensibility”, esfuerzo que rindió sus frutos, ya que Thompson luego fue galardonada con un premio Oscar por Mejor Guión Adaptado. Dirigida por Ang Lee, “Sense and Sensibility” cuenta la historia de las hermanas Dashwood, Elinor (Emma Thompson) y Marianne (Kate Winslet), quienes ven afectada su estabilidad económica cuando su medio hermano, John (James Fleet), es quien hereda toda la fortuna de su padre.

Las hermanas Dashwood deben buscar un nuevo hogar y, además de los problemas económicos, también aparecen en sus vidas dos hombres tan caballerosos y educados como se esperaría que fuesen los héroes de las historias de Jane Austen. Por un lado, conoce al coronel Brandon (Alan Rickman), un hombre mayor y respetuoso que, inmediatamente, se enamora de Marianne, pero ella sólo tiene ojos para John Willoughby (Greg Wise). Por otro lado, Elinor comienza una amistad con Edward Ferrars (Hugh Grant), hermano de su cuñada; debido al posible compromiso de Edward con otra joven, Elinor debe callar la verdad acerca de sus sentimientos.

Además de retratar de manera perfecta cuál es la hermana que representa a la sensatez y a la sensibilidad, Emma Thompson también se tomó la libertad de adaptar una historia con la que pudiéramos empatizar, a pesar de que la temática sea un problema del siglo pasado; la actriz modificó rasgos de los personajes y les dio más vida, más carisma y más realismo del que se hubiese esperado. Thompson, además, consiguió integrar ese humor tan característico de su personalidad, junto con atenuar el suspenso hacia el final de la trama, sin que parezca un drama exagerado, sino que más bien, un alivio para nuestra querida Elinor.

“Sense and Sensibility” es una historia adorable y atemporal, la cual sólo nos recuerda la maravillosa escritora que Jane Austen fue y la maravillosa escritora en la que Emma Thompson pudo convertirse a través de aquellas obras tan femeninas como feministas.

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“Escuché esta historia sobre un pez. Él se topa con un pez viejo y le dice: ‘Amigo, estoy buscando esa cosa a la que le dicen océano’. ‘¿El océano?’, le dice el otro pez, ‘es donde estás ahora’. ‘¿Esto?’, le dice el pez joven. ‘Esto es agua. Lo que yo quiero es el océano’.”

Para una persona que no ha cumplido ninguno de los propósitos que esperaba cumplir durante su vida, la presión de la sociedad es bastante fuerte. Es una presión algo indirecta, pero, de todas formas, está presente en las expectativas que creemos que los demás nos imponen, también está en las películas o en las series que vemos y, claramente, también está en ese positivismo tóxico que anda dando vueltas. “Todos tenemos un propósito”, “cuando por fin cumplimos nuestros propósitos, realmente somos felices”, “sólo alcanzando nuestros propósitos, veremos…”. Es agotador. Por esa razón, cuando una película como “Soul” aparece, el alivio es instantáneo.

“Soul” cuenta la historia de Joe Gardner (Jamie Foxx), un profesor de música que vive en Nueva York y que ama el jazz con toda su alma (guiño guiño). Joe se siente algo frustrado con la vida, ya que nunca ha tenido la gran oportunidad de tocar en alguna banda y de poder vivir de la música, por lo que continúa con una rutina apática y normalizada. Cierto día, la oportunidad llega: convertirse en el pianista de la legendaria Dorothea Williams (Angela Bassett), pero antes de que su sueño se haga realidad, Joe muere repentinamente tras un accidente y su alma debe partir al Gran Más Allá. Joe se niega; no puede morir, mucho menos ahora que por fin consiguió la oportunidad que siempre quiso. 

El músico decide regresar a la Tierra, pero durante su aventura debe acompañar a 22 (Tina Fey), un alma que lleva siglos y siglos tratando de evitar asumir una vida. A pesar de sus diferencias, Joe y 22 se ayudan el uno al otro y aprenden aquellas hermosas lecciones que Pixar sabe enseñar muy bien y que la sociedad debería aprender también. No es necesario tener un propósito en la vida; no nacimos con un solo objetivo y Joe lo aprende una vez que por fin toca con la banda de Dorothea Williams. Cumple su sueño, el concierto es perfecto, obtiene el reconocimiento que siempre esperó y… ¿ahora qué? Ya cumpliste tu sueño, ¿qué vas a hacer ahora con tu vida? Buscamos cumplir meta tras meta tras meta que se nos olvida lo principal: disfrutar el camino. 

Quizás algún día pueda estudiar Periodismo o conseguir una de las becas a las que he postulado o viajar a París o ser jurado en el Festival de Cannes, pero, por el momento, hay que concentrarse en los pequeños detalles, detalles como los que aparecen en aquel montaje de varios recuerdos que Joe atesora. Maldito Pixar, no pasa un año sin que no nos haga llorar.
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No podíamos tener nada bueno este año, ¿cierto? 

En general, las películas de superhéroes siempre me dejan con una sensación muy decepcionante, pero cuando vi la primera entrega de "Wonder Woman" en 2017, la sensación fue distinta: una historia entretenida, llena de girl power y una esperanza de que, quizás, próximas películas de este género podrían seguir el ejemplo que la película estaba asentando.

Cuando anunciaron la secuela, por supuesto que se sentía emoción; tendríamos a Pedro Pascal como el villano principal y la historia se centraría en la década de los ochenta. Además, ese tráiler con aquella versión de Blue Monday era hermoso, ¿cierto? Durante 1984, sesenta y seis años después de vencer a Ares, Diana Prince (Gal Gadot) trabaja como antropóloga en el Instituto Smithsonian; allí conoce a Barbara Minerva (Kristen Wiig), una gemóloga insegura y tímida que la idolatra. Cierto día, el FBI le pide a Barbara identificar el origen de varios objetos robados; entre ellos, se encuentra una misteriosa piedra de cuarzo. Ni Barbara ni Diana lo notan, pero el cuarzo es una piedra muy poderosa capaz de cumplir cualquier tipo de deseo, motivo por el cual Maxwell Lord (Pedro Pascal), una especie de personalidad de infomerciales, la necesita con desesperación. Su negocio tipo estafa piramidal se fue a la ruina y Max utilizará el cuarzo para conseguir dinero y fama. El poder de la piedra también afecta a Barbara y a Diana; Barbara comienza a sentirse tan segura y poderosa como su ídola, mientras que la princesa se distrae con la presencia de Steve Trevor (Chris Pine), quien ha vuelto a la vida.

Hasta ese momento en la trama, todo parecía ir bien. Luego de más de una hora de película, cuando se nota que las cosas se están volviendo tediosas, aparecen fuegos artificiales, un viaje a Cairo, misiles, escenas de peleas que no eran para nada dignas de todo aquel inmenso presupuesto, una armadura dorada que publicitaron demasiado y que se luce menos que la mismísima Gal Gadot, además de una Kristen Wiig salida directamente de "Cats", decepción tras decepción dentro de una película innecesariamente larga y aburridísima. 

Para contener en su título un año de una década que los estadounidenses no parecen querer dejar ir, "Wonder Woman 1984" no ofrece nada más que un par de prendas que recuerdan aquella época; hay tanto que se puede hacer con un soundtrack ochentero que es imposible fallar y perder aquella oportunidad entregada en bandeja, pero la película justamente falla y pierde aquella oportunidad. También existe mucho material en cuanto al recelo hacia los malls de la época,  hacia los infomerciales y todos aquellos años en donde reinaba Reagan; si "Wonder Woman 1984" hubiese tomado ese camino, sería una película un poco más entretenida. Tampoco es buena señal que, durante más de dos horas, sólo queramos ver al villano; no porque sea Pedro Pascal, sino también porque, como los protagonistas se sienten tan planos, el carisma de Max Lord es más interesante que la historia de amor entre Diana y Steve. Pedro aprovecha y se destaca; Kristen Wiig también lo hace en un principio, pero no es mucho lo que puede hacer con aquel personaje cliché del nerd que pierde su humanidad cuando se vuelve popular.

Durante el comienzo de "Wonder Woman 1984", la pequeña princesa Diana es parte de unas olimpiadas que se llevan a cabo en Themyscira. Todo está dado para su éxito, pero luego de quedar atrás en una etapa, Diana toma un atajo hacia la meta; cuando está a punto de ser la vencedora, Antíope (Robin Wright) le enseña una valiosa lección. Los realizadores de esta película podrían haber tomado nota de aquella lección también.
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Hola

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Catalina.
Basada en hechos reales.

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