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We'll always have Paris

 


Tras triunfar nuevamente con películas como “Coco” o “Luca”, Pixar decidió volver a probar su suerte con otra historia ambientada en un lugar tan colorido, ameno y entretenido como lo es México o Italia; en su más reciente entrega, “Encanto”, Pixar nos lleva hasta un pequeño pueblito del mismo nombre, lugar que vive alrededor de una mágica casa que comanda la reconocida y unida familia Madrigal.

Cuenta la leyenda que, tras buscar refugio de las fuerzas malvadas que la querían fuera de su propia villa, abuela Alma (María Cecilia Botero) fue protegida por una vela mágica, quien la salvó de sus atacantes y le entregó a Casita, un hogar que se transformó en el refugio de sus pequeños trillizos: Julieta, Pepa y Bruno. Años después, Encanto se convierte en un prominente pueblo en donde todos viven felices, en especial aquellos que residen en Casita; lo divertido es que, no sólo Casita es el lugar más mágico de la villa, sino que los integrantes de la familia Madrigal también tienen poderes que los hacen sobresalir en el pueblo.

Desde tías que influyen en las condiciones del clima hasta primas que tienen audición supernatural, pasando por hermanas dueñas de una fuerza sobrehumana, cada miembro del clan aporta con su poder tanto al pueblo de Encanto como a cada rincón de Casita, pero ninguna familia es perfecta e incluso los Madrigal tienen un par de conflictos escondidos por allí. Nuestra protagonista, Mirabel (Stephanie Beatriz), por ejemplo, no posee ningún poder que la haga destacar como a sus parientes, algo que también crea una especie de roce con su abuela Alma. La presencia de una abuela, como sucede en la mayoría de las familias latinas, es un recordatorio que la mayoría de nuestras familias se rigen bajo un matriarcado; ojalá pudiéramos decir que esto rige todos los aspectos de nuestra sociedad, pero una fuerte presencia maternal puede dictar varias de nuestras decisiones.

Es debido a la actitud de abuela Alma que nos dan a entender el segundo conflicto de la familia Madrigal: no se habla de Bruno (John Leguizamo). El único hijo de Alma ha sido completamente excluido del clan y la respuesta que Mirabel nos entrega es que fue debido al poder que su tío poseía; nadie habla de Bruno, ya que abuela lo tiene estrictamente prohibido. Es sólo cuando Mirabel comienza a notar pequeñas grietas y cambios en Casita que su curiosidad sobre su hogar y sobre su tío Bruno comenzará a traerle más problemas con abuela Alma de lo que Maribel pensaba. Sus buenas intenciones son confundidas con obstinación y la adolescente podría correr el mismo destino que el personaje de Bruno; en “Encanto” no hay villanos irredimibles como otros de Disney, al nivel de maldad de un Scar o de una Ursula, ni tampoco hay alguna fuerza maligna que debe ser erradicada, sino que sólo lazos afectivos quebrados que necesitan una reparación.

Los quiebres que comienzan a aparecer en Casita son la metáfora perfecta para entender los lazos que se ven afectados durante la trama de “Encanto”, así como también lo son los poderes que algunos de los integrantes de la familia Madrigal poseen. Por ejemplo, el poder de Luisa (Jessica Darrow), la hermana mayor de Maribel, es la fuerza sobrehumana y, debido a esto, siempre tiene que cargar con todo el peso de las cosas a su alrededor, tal y como sucede en las historias de la mayoría de las hermanas mayores, quienes deben hacerse cargo, a temprana de edad, de otras situaciones que involucran a sus padres o a sus hermanos menores. Una vez que Luisa y Maribel lo discuten, ambas pueden conectar mucho mejor.

Al momento de tocar cada uno de esos conflictos, “Encanto” se llena de la magia de Pixar, aquella que combina música, colores y golpes al corazón al mismo tiempo; la película tiene momentos musicales preciosos, uno de los cuales, “No se Habla de Bruno”, consiguió convertirse en una de las canciones más populares de las películas de Pixar, pero, a pesar de contener cada uno de los ingredientes especiales que siempre nos consiguen emocionar, la resolución del conflicto se siente algo apresurada y sólo resuelta a través de una canción. Quizás sea esta la sensación con la que otras personas se quedan al ver las entregas de Pixar, pero es la primera vez que me pasa algo así con alguna de las películas este estudio. 

“Encanto” cumple, de todas formas, al entregarnos una película correcta y satisfactoria, pero aquel detalle deja la sensación de que quizás la película contenía una historia que tenía mucho más que ofrecer. O tal vez es que siempre nos quedamos esperando una disculpa familiar que sólo podemos ver en la ficción.

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Tras vendarle los ojos a aquellos quienes detenían, los torturadores subían el volumen de una música bailable con tal de que ningún vecino escuchara los gritos que la tortura causaría; los arrestados eran llevados hasta el sótano de la casona, en donde eran sometidos a golpes, violaciones y amenazas que destruían por completo su estabilidad física y emocional. Debido a la venda que cubría sus ojos, ellos no podían ver quién los torturaba, pero todos conocían el nombre de Ingrid Olderöck.

Ingrid, “La Mujer de los Perros”, era una oficial de Carabineros, descendiente de alemanes fanáticos del nazismo; cuando comenzó el Golpe Militar en Chile, Ingrid se unió rápidamente a la DINA y se convirtió en una de las torturadoras más crueles de aquella época. Ingrid se encargaba de adiestrar a un pastor alemán, llamado Volodia, el cual violaba a las mujeres que llegaban al lugar.

Todo esto podría sonar como una historia de alguna guerra pasada o como un horrible relato salido de la mente de algún buen escritor o escritora para hacernos recordar los horrores de la dictadura chilena, pero ojalá fuese sólo una historia de ficción y no el peor de los recuerdos para varios de los detenidos. Hugo Covarrubias se encarga de llevar la verdad acerca de La Venda Sexy y de Ingrid Olderöck hasta la pantalla grande, a través de una animación que sirve como el perfecto contraste para una verdad como aquella.

La animación se basa en la técnica del stop motion, la cual nos ha entregado películas tan adorables como “The Nightmare Before Christmas” o “Coraline”; y el personaje principal está hecho a base de porcelana, un material delicado y frágil, pero que trasmite la frialdad e inexpresividad necesaria y que tanto identificaba a la Mujer de los Perros. A pesar de que exista una mascota animada, “Bestia” no nos deja olvidar que no existe ningún elemento de ternura en este relato y aquel contraste es el ideal para contar una historia como esta.

“Bestia”, tal y como su nombre, es brutal, cruel e inexplicable; es un recordatorio de los horrores de la dictadura y de los tantos crímenes que varios de sus perpetuadores no alcanzaron nunca a pagar. El cortometraje está nominado a los premios Oscar y tiene todos los méritos, pero ojalá llegue el día en que Chile se destaque por mucha más que por su oscura historia.

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La encantadora ciudad de Portorosso tiene todo lo que se necesita para convertirse en un paraíso: mar, pastas, atardeceres y, francamente, está ubicada en la Riviera italiana. Luca Paguro (Jacob Tremblay) no conoce ninguna de estas maravillas, ya que es un pequeño monstruo marino que vive cerca de la costa de la ciudad.

Luca disfruta de una vida tranquila: cuida a un travieso rebaño de peces y vive junto a sus padres, Daniella (Maya Rudolph) y Lorenzo (Jim Gaffigan), quienes lo sobreprotegen y le advierten que nunca debe interactuar con los monstruos terrestres, los humanos. La abuela de Luca (Sandy Martin), en cambio, ayuda a despertar la curiosidad que el pequeño siente por el mundo que está más allá de la superficie. 

Cierto día, Luca conoce a Alberto Scorfano (Jack Dylan Grazer), otro pequeño monstruo marino, pero quien, a diferencia de Luca, no le teme a la superficie. Debido a que estos seres marinos cambian su apariencia a la de un humano una vez que salen del mar, Alberto aprovecha aquella condición para disfrutar de varias aventuras en las que ahora puede involucrar a Luca. Una de ellas es conseguir dinero para comprar una motocicleta Vespa, con la cual planean recorrer el mundo, pero esto significa interactuar con humanos y poner en peligro su verdadera identidad.

A pesar de que Pixar cumple una vez más con entregarnos una historia adorable y divertida sobre el valor de la amistad y el valor de la familia, lo más interesante de “Luca” es aquel subtexto que se deja entrever, sobre todo, en los momentos finales de la película. Podríamos asociarlo rápidamente a una metáfora sobre la inmigración, ya que varias veces los humanos le recuerdan a Luca y a Alberto que “ellos no pertenecen aquí”, pero, en otra lectura, también podemos relacionar este subtexto con la comunidad LGBTQ+.

Luca y Alberto deben esconder sus verdaderas identidades durante todo el curso de la película para poder mantenerse a salvo y, al mismo tiempo, el cariño que sienten por el otro es lo suficientemente profundo y especial como para superar cada obstáculo al que se enfrentan. El director de “Luca”, Enrico Casarosa, explicó que su intención original sólo había sido crear una historia sobre la amistad, pero que recibía de buena manera las variadas interpretaciones de la película.

Decido también quedarme con aquella última interpretación y disfrutar “Luca” como una versión animada e infantil (en el buen sentido de la palabra) de “Call Me By Your Name”.

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“Escuché esta historia sobre un pez. Él se topa con un pez viejo y le dice: ‘Amigo, estoy buscando esa cosa a la que le dicen océano’. ‘¿El océano?’, le dice el otro pez, ‘es donde estás ahora’. ‘¿Esto?’, le dice el pez joven. ‘Esto es agua. Lo que yo quiero es el océano’.”

Para una persona que no ha cumplido ninguno de los propósitos que esperaba cumplir durante su vida, la presión de la sociedad es bastante fuerte. Es una presión algo indirecta, pero, de todas formas, está presente en las expectativas que creemos que los demás nos imponen, también está en las películas o en las series que vemos y, claramente, también está en ese positivismo tóxico que anda dando vueltas. “Todos tenemos un propósito”, “cuando por fin cumplimos nuestros propósitos, realmente somos felices”, “sólo alcanzando nuestros propósitos, veremos…”. Es agotador. Por esa razón, cuando una película como “Soul” aparece, el alivio es instantáneo.

“Soul” cuenta la historia de Joe Gardner (Jamie Foxx), un profesor de música que vive en Nueva York y que ama el jazz con toda su alma (guiño guiño). Joe se siente algo frustrado con la vida, ya que nunca ha tenido la gran oportunidad de tocar en alguna banda y de poder vivir de la música, por lo que continúa con una rutina apática y normalizada. Cierto día, la oportunidad llega: convertirse en el pianista de la legendaria Dorothea Williams (Angela Bassett), pero antes de que su sueño se haga realidad, Joe muere repentinamente tras un accidente y su alma debe partir al Gran Más Allá. Joe se niega; no puede morir, mucho menos ahora que por fin consiguió la oportunidad que siempre quiso. 

El músico decide regresar a la Tierra, pero durante su aventura debe acompañar a 22 (Tina Fey), un alma que lleva siglos y siglos tratando de evitar asumir una vida. A pesar de sus diferencias, Joe y 22 se ayudan el uno al otro y aprenden aquellas hermosas lecciones que Pixar sabe enseñar muy bien y que la sociedad debería aprender también. No es necesario tener un propósito en la vida; no nacimos con un solo objetivo y Joe lo aprende una vez que por fin toca con la banda de Dorothea Williams. Cumple su sueño, el concierto es perfecto, obtiene el reconocimiento que siempre esperó y… ¿ahora qué? Ya cumpliste tu sueño, ¿qué vas a hacer ahora con tu vida? Buscamos cumplir meta tras meta tras meta que se nos olvida lo principal: disfrutar el camino. 

Quizás algún día pueda estudiar Periodismo o conseguir una de las becas a las que he postulado o viajar a París o ser jurado en el Festival de Cannes, pero, por el momento, hay que concentrarse en los pequeños detalles, detalles como los que aparecen en aquel montaje de varios recuerdos que Joe atesora. Maldito Pixar, no pasa un año sin que no nos haga llorar.
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Tomando las tierras medievales de Escocia como principal escenario, Pixar decidió contar en “Brave” la historia de la joven princesa Mérida (Kelly MacDonald), una adolescente integrante del clan Dunbroch. A sus cortos dieciséis años, Mérida se debate entre seguir sus ideales y convicciones o complacer a todo su entorno, el cual espera que ella contraiga matrimonio con el hijo mayor de alguno de los otros clanes que viven alrededor.

Cuando se organiza un torneo para elegir al ganador que pedirá la mano de Mérida, ella sorprende a todo el mundo incluyéndose en el concurso para luchar por su propia mano. Mérida es, claramente, superior a cada joven presente, pero su increíble actitud de empoderamiento le trae grandes problemas con su madre, la reina Ellinor (Emma Thompson), quien insiste en que Mérida siga las reglas impuestas para las mujeres. Debido a su rabia, Mérida condena a su madre a un extraño hechizo, el cual sólo se romperá una vez que la joven "repare el vínculo que el orgullo rompió".

Además de contar con su primera protagonista femenina, Pixar también apostó por tomar el camino de los cuentos de hadas o leyendas populares, con lo cual también se nota la influencia de Disney en sus historias. “Brave” es otro adorable cuento infantil capaz de emocionar al adulto más grande; su historia de amor entre madre e hija recuerda a aquellas representadas en “Finding Nemo”, por ejemplo, y el hecho de que cuente con una princesa que no quiera seguir las normas establecidas es un gran respiro entre tanta historia parecida.
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La tercera parte de “Toy Story”, aquella adorable historia en donde los juguetes cobra vida, fue tan emotiva que parecía el cierre perfecto para una saga que nos había acompañado desde la infancia hasta que, varios de nosotros, teníamos una edad cercana a la edad de Andy, el protagonista y dueño de los juguetes. Habíamos visto un tan buen cierre que el anuncio de una cuarta parte se sentía más forzado que necesario.

Para justificar esta nueva entrega, Pixar explicó que sería una especie de spin-off y que seguiría el estilo de una comedia romántica; debieron haberse expandido o quedado con esa explicación, porque “Toy Story 4” está lejos de ser recordada como una querida parte de esta saga. La historia sigue a Woody (Tom Hanks), principalmente, quien está tratando de aceptar que ahora es el juguete de un nuevo niño, y quien luego se reencuentra con Bo Peep (Annie Potts), su antiguo amor de las primeras partes de “Toy Story”.

Además de ser una entrega innecesaria, “Toy Story 4” decepciona también porque ya no es una aventura que involucre a todos los antiguos juguetes de Andy; todos quedan relegados a menos que coprotagonistas y debemos conformarnos con nuevos personajes que no son igual de carismáticos que los primeros. Es divertida la participación de Keanu Reeves, pero ni eso es suficiente para esta olvidable película.
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En otra arriesgada jugada, Pixar se ha preguntado esta vez “¿qué pasaría si los mexicanos tuvieran sentimientos?” para crear “Coco”, una historia sobre aquel increíble amor que sólo una familia te puede entregar.

Coco no es el nombre de aquel adorable niño que aparece en el póster, ni tampoco el de su mascota, ni siquiera es el nombre de una canción. Mamá Coco (Ana Ofelia Murguía) es el apodo de la bisabuela de Miguel (Anthony Gonzalez), el protagonista, un niño de doce años que sueña con ser un músico tan reconocido como su ídolo, Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt); lamentablemente, su familia odia la música y sólo quiere que Miguel se dedique a continuar con el negocio familiar, el cual es la fabricación de zapatos.

La razón por la cual la familia de Miguel odia tanto la música es porque su tatarabuela, Mamá Imelda (Alanna Ubach), fue abandonada por su esposo, un guitarrista; Imelda forjó este odio en su familia, pero Miguel siente que algo en él lo destina a ser músico. Durante el Día de los Muertos, el pequeño termina visitando la Tierra de los Muertos, lugar en donde conoce a varios de sus familiares ya fallecidos, así como también a Héctor (Gael García Bernal), quien necesita ayuda para visitar a su hija durante aquella festividad.

Gracias a su emotiva historia y canción principal, “Coco” es un mar de lágrimas para aquellos que valoran la familia o que guardan muy buenos recuerdos de sus abuelos o bisabuelos; la estética, los personajes y la trama gritan América Latina y es difícil no sentirse identificado con ciertas escenas familiares. Pixar nos tiene ya acostumbrados a aquellos relatos tan adorables como emotivos y “Coco” no es la excepción.
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Basada en el libro homónimo, escrito por Neil Gaiman, “Coraline” es una película animada que, utilizando la técnica del stop-motion, cuenta la historia de la pequeña Coraline Jones (Dakota Fanning), una niña muy inteligente y curiosa que termina enredándose en un gran problema.

Coraline se muda con sus padres, Charlie (John Hodgman) y Mel Jones (Teri Hatcher), a una vieja mansión que ha sido transformada en una especie de pensión. En aquel lugar, Coraline conoce a sus interesantes y excéntricos vecinos: April Spink y Miriam Forcible (Jennifer Saunders), un par de actrices de burlesque que ya jubilaron; Sergei Alexander Bobinsky (Ian McShane), un gimnasta dueño de un circo de ratas; Wybie Lobat (Robert Bailey Jr.), el nieto de la dueña de la mansión y Gato (Keith David), un misterioso gato negro.

Debido a que sus padres están inmersos en trabajo, Coraline pasa sus días quejándose y aburriéndose. Cierto día, descubre una pequeña puerta que la transporta hasta otra versión de su propio mundo; allí se encuentra con su Otra Madre y su Otro Padre, versiones más atentas y más cariñosas de sus propios padres, pero quienes tienen botones en lugar de ojos. Wybie y sus vecinos le advierten a Coraline que tenga cuidado en sus aventuras e, incluso, Gato, quien puede hablar en el Otro Mundo, le advierte que Otra Madre es muy peligrosa.

La estética y producción de “Coraline” es tan hermosa que es fácil olvidar que estamos viendo una historia de terror, razón por la cual tratamos de entender aquel misterio de que a los niños les encanta esta película y no los asusta de la misma manera en que asusta a los adultos.
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Pixar le ha ofrecido sentimientos y una mirada positiva tanto a objetos inanimados como a aquellos seres que no reciben tanta atención, pero con “Ratatouille” fueron demasiado lejos. La historia sobre una pequeña rata que sueña con ser chef, a pesar de todos los problemas que pueda encontrar, es muy inspiradora, pero es imposible hacer que una rata se vea tierna en pantalla, aunque venga en forma de animación.

Remy (Patton Oswalt) es una joven rata que aprecia la sensación y los olores de la cocina, al contrario de su clan, que sólo ven la comida como algo para subsistir. Remy sueña con ser como su ídolo, el chef Auguste Gusteau (Brad Garrett), y, luego de separarse de su grupo, se queda en los alrededores de su antiguo restaurant para aprender las técnicas de los otros chefs. Remy conoce a Alfredo Linguini (Lou Romano), otro joven aprendiz que termina arruinando una sopa; Remy le ayuda, al subirse sobre su cabeza y controlar sus movimientos, logrando que la sopa se convierta en todo un éxito. De esa manera, tanto Remy como Alfredo deciden unirse para seguir creando aquellas maravillas de platos.

“Ratatouille” está llena de imágenes muy lindas, tanto como de la cocina francesa como de sus hermosos paisajes, algo que siempre será placentero de apreciar; el mensaje que nos entrega Pixar también es muy tierno, pero el personaje principal es una rata, después de todo.
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Últimamente, nos han tratado de cambiar la manera en que veíamos a las princesas de Disney, dándoles un enfoque de luchadoras y feministas… cada una a su manera, claro. Pero, de todo el grupo de princesas clásicas, es la protagonista de “Mulan” quien mejor representa este nuevo enfoque. Quizás porque siempre lo demostró.

Los hunos, liderados por Shan Yu (Miguel Ferrer), invaden China al traspasar la Gran Muralla; por lo tanto, el Emperador ordena que un hombre de cada familia se enliste en la defensa del imperio. La familia de Fa Mulan (Ming-Na Wen) se ve en un problema, ya que esto significaría que el padre de Mulan, Fa Zhou (Soon-Tek Oh), deberá volver a combatir, pero su salud no lo acompaña.

Mulan es una joven sobre quien recae el peso de traer honor a su familia, pero ella tiene otras ideas en mente. Mulan corta su largo cabello, usa la armadura de su padre y toma su lugar ante el ejército chino; allí se hace pasar por Ping y es entrenada por Li Shang (BD Wong). Mulan también es acompañada por su fiel caballo y por Mushu (Eddie Murphy), un pequeño dragón al que los ancestros envían para brindarle seguridad.

Mulan se embarca en una aventura tanto de entrenamiento como de superación y, cuando por fin se ha ganado la confianza de Shang y de sus compañeros, el grupo debe demostrar su fuerza ante los hunos. Mulan se luce no sólo por sus dotes para la guerra, sino que también por su inteligencia y valentía, cualidades admirables dentro de cualquier contexto.

Si hay una princesa Disney, entonces, a la que deberíamos poner en un pedestal como la princesa Disney por excelencia es a Fa Mulan. Quizás no tenga un título ni una corona, pero sus acciones y su personalidad la destacan por sobre todas las otras princesas.
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Trece años después del estreno de “Finding Nemo”, Pixar decidió continuar la historia de los pequeños peces que tienen sentimientos con una secuela llamada “Finding Dory”. Nos emocionamos con aquella adorable historia entre un padre e hijo inseparables, pero quien de verdad se ganó nuestros corazones fue Dory, aquella pececilla azul que sufría de pérdida de memoria a corto plazo.

En “Finding Dory”, podemos saber más acerca de su pasado y acerca de cómo fue que se cruzó en el camino de Marlin (Albert Brooks) mientras este intentaba buscar a Nemo (Hayden Rolence). Dory (Ellen DeGeneres) vivía muy feliz con sus padres, Jenny (Diane Keaton) y Charlie (Eugene Levy), quienes siempre temían por la seguridad de su pequeña hija, debido al problema de memoria que ella sufría, pero nunca la desanimaron y practicaban varias técnicas para que Dory no se perdiera.

Ya sabemos que Dory se pierde de todos modos, pero cuando empieza a recordar ciertas cosas de su infancia, Marlin y Nemo deciden ayudarla a encontrar a su familia. Los tres emprenden un viaje hasta California, en donde conocen a varias otras criaturas marinas y Dory, paso a paso, irá conociendo todas las respuestas a las preguntas que había comenzado a hacer.

“Finding Dory” no es tan graciosa como su primera parte, pero sí es igual de emotiva. La película explora otra dinámica entre padres e hijos, una muy distinta a la de Marlin y Nemo, ya que, en este caso, los padres de Dory, en lugar de sobreprotegerla debido a una condición, deciden darle las herramientas necesarias para que ella puede desenvolverse en el mundo y para que también pueda regresar a ellos.

“Finding Dory” es adorable y divertida, pero las primeras partes siempre serán mejores.
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Generalmente, varios episodios importantes de la historia de Chile son momentos terribles que deberían llenarnos de vergüenza, pero si tratamos de convertir esa tristeza en arte, aparecen películas animadas tan hermosas como “Historia de un Oso”.

Dirigida por Gabriel Osorio, este cortometraje cuenta la historia de un viejo oso que sale todos los días a montar un pequeño teatro que él mismo construyó; el teatro tiene unas adorables marionetas y escenarios, las cuales cuentan la historia de una familia de osos que fue separada por unos temibles hombres. Estos hombres aparecían en distintos hogares y se llevaban a los animales a la fuerza, sólo para encerrarlos, golpearlos y exhibirlos en un circo.

El director se inspiró en la historia de su propio abuelo, Leopoldo Osorio, quien estuvo encarcelado durante dos años luego del golpe de Estado en 1973, y creó una hermosa metáfora para contar tan triste relato. “Historia de un Oso” es conmovedora, adorable e importante, ya que también significa el primer premio Oscar para nuestro país.
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Otro de los cortometrajes que vi fue “My First Crush”, un corto animado que muestra las diferentes historias de varios desconocidos y de la primera persona que les gustó. Las historias son contadas con una voz en off, mientras que distintos y tiernos animales interpretan la trama.

Es un cortometraje muy adorable e interesante que también podría servir como tema de conversación. ¿Cuál fue tu primer crush? Leonardo DiCaprio en “Romeo + Juliet”.
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Momentos antes de que comenzara “Inside Out”, el cortometraje llamado “Lava” hace su aparición. 

Basándose en aquellas islas del Océano Pacífico, la película cuenta la historia de amor entre dos volcanes. “Lava” es un corto demasiado hermoso y emotivo, cuya canción principal, inspirada en la música de Israel Kamakawiwoʻole, es capaz de hacer llorar a cualquiera.

Los volcanes también tienen sentimientos.
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Pixar se ha caracterizado por darle un toque más humano a cosas inertes. Hemos visto que los juguetes tienen sentimientos, también los peces, los monstruos, los autos, pero ahora Pixar se preguntó: y, ¿si los sentimientos tuviesen sentimientos?

Riley Andersen (Kaitlyn Dias) es una niña de once años que ha vivido una infancia completamente normal e increíblemente feliz, pero su tranquilidad se ve interrumpida cuando su familia se muda a San Francisco y los sentimientos en su cabeza comienzan a alterarse. Alegría (Amy Poehler) es la emoción principal de Riley, maneja sus respuestas y reacciones, y quiere que esta mudanza ocurra con la mayor naturalidad posible.

Alegría no contaba con la reacción del resto de sus compañeros: Furia (Lewis Black) está molesto con la tardanza, Temor (Bill Hader) se pone nervioso con cada nuevo traspiés, Desagrado (Mindy Kaling) no puede más con la incomodidad y los olores extraños y Tristeza (Phyllis Smith) está a punto de colapsar, por lo que Alegría hace su mejor esfuerzo para que todo siga con normalidad.

Alegría no entiende las repentinas actitudes nostálgicas de Riley, por lo que de inmediato trata de censurar a Tristeza. Cuando Riley comienza a llorar delante de todo su nuevo curso y crea un pensamiento central de color azul, no amarillo como el resto de sus recuerdos principales, Alegría y Tristeza se pelean y son succionadas hasta la memoria a largo plazo, por lo que ahora Desagrado, Furia y Temor están a cargo de las reacciones de Riley.

“Inside Out” debe ser la película más inteligente de Pixar a la fecha y, personalmente, la que más me ha emocionado. Es didáctica, entretenida y una clara metáfora a aquellos episodios depresivos que no sabemos muy bien cómo manejar. El mensaje y la lección que Alegría aprende es, finalmente, la reivindicación de la tristeza, un sentimiento siempre mal visto, pero que, en esta película, cumple una función totalmente necesaria.

Sin Tristeza, no podría haber Alegría.

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Marjane Satrapi es una joven iraní que vive, en primera persona, toda la revolución por lo que su país pasó durante fines de la década del ‘70. Marjane y su familia apoyan la revolución y las protestas, y también celebran la caída del último rey de Irán, el Shah Mohammed, ya que, por fin, el país se convertirá en una república democrática.

Como suele pasar, cuando se acaba un régimen autoritario, la esperanza es destruida por algo bastante decepcionante. Una vez formada la república en Irán, el poder queda en manos de grupos islámicos extremos, por lo que las restricciones hacia el pueblo parecen pan de cada día; por ejemplo, las mujeres deben cubrirse el cabello y las ideas políticas diferentes son perseguidas de todas formas. Marjane ve cómo su tío y otros conocidos de la familia son arrestados o se marchan a otros países.

A medida que Marjane crece, sigue observando las injusticias del gobierno y se rebela contra él. Ya que sus padres temen por su seguridad, la envían a estudiar a Vienna, en donde Marjane no la pasa mejor. La joven está siempre en conflicto entre honrar sus raíces y tratar de esconderlas, para no meterse en problemas.

Historias como las de Marjane siempre me han sido completamente lejanas y desconocidas, por lo que agradezco toparme con películas como “Persepolis”, las cuales son relatos personales, honestos, auténticos, desgarradores y esperanzadores; es imposible no sentir muchas cosas al mismo tiempo al ver esta historia. 

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Elsa (Idina Menzel) y Anna (Kristen Bell) son dos hermanas que viven en el reino de Arendelle; son muy unidas y pasan mucho tiempo juntas, pero sus padres deciden distanciarlas a causa del poder mágico de Elsa. Su poder consiste en controlar el hielo, puede crear nieve y ventiscas y todo lo que tenga relación con el frío. Mientras juegan, Elsa lastima sin intención a Anna y, desde ese momento, sus padres aíslan a Elsa del mundo, pero sólo hasta que aprenda a controlar sus poderes. 

Cuando, trágicamente, los padres de Elsa y Anna mueren, Elsa se encierra mucho más dentro de su pequeño mundo, mientras que Anna crece con la idea de que su hermana mayor no la quiere. Una vez que Elsa cumple dieciocho años, Arendelle se prepara para su ceremonia de coronación y Anna es la más feliz, ya que por fin verá el castillo lleno de invitados, comida, luces y música. La alegría no dura mucho, ya que Anna enfrenta a Elsa y la molestia de la nueva reina sólo saca a relucir sus poderes mágicos, poderes que nadie conocía. Elsa huye, pero Anna está decidida a encontrarla y recibe la ayuda de Kristoff (Jonathan Groff), un reno llamado Sven y un muñeco de nieve llamado Olaf (Josh Gad), para buscar a Elsa y pedirle que traiga de vuelta el verano. 

Primero que todo, es inevitable tener ganas de salir al frío y cantar "Let it Go" después de ver "Frozen". En segundo lugar, hay aplaudir el esfuerzo de Disney de hacer una película que no se trate de la típica historia de la princesa que se enamora de un príncipe; es casi un alivio que "Frozen" cuente una historia de amor entre dos hermanas y que los intereses románticos pasen a segundo plano. Si las niñas de la próxima generación consideran a Elsa como una de sus heroínas, seguiremos andando por el buen camino. No tiene nada de malo querer ser una princesa, pero nuestras prioridades no siempre tienen que girar alrededor del amor romántico.
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Mike Wazowski (Billy Crystal) es un pequeño monstruo que sueña con el ser el mejor asustador del mundo y trabajar en Monsters Inc, pero todos sus cercanos le dicen que él jamás podrá asustar a nadie, debido a la manera en que se ve. Mike crece y ya tiene la edad suficiente para asistir a la Universidad de Monstruos, en donde espera prepararse para cumplir su sueño, pero sus compañeros tienen una opinión muy distinta a la de Mike.

Desde el primer día de clases, todos lo miran en menos, simplemente, porque Mike es pequeño y, con una estatura como esa, jamás podrá asustar a un niño. Mike quiere demostrarles lo contrario, sobre todo a James Sullivan (John Goodman), un popular monstruo a quienes todos admiran, por lo comienza a estudiar como nosotros para los exámenes finales. Ni siquiera tanto estudio es suficiente para Mike, ya que también deberá demostrar sus talentos durante las Sustolimpíadas, en donde participarán las distintas fraternidades de la universidad.

Más que la historia de “Monsters University” en sí, son los personajes secundarios, como Art (“¡No puedo volver a la cárcel!”) o la madre de Squishy, quienes hacen que esta película sea algo entretenida.. No sé si no disfruté tanto esta precuela porque la vi en español o porque, según recordaba, Mike y Sulley se conocían desde que eran niños.
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Hola

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Catalina.
Basada en hechos reales.

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