We'll always have Paris

Cuando se organiza un torneo para elegir al ganador que pedirá la mano de Mérida, ella sorprende a todo el mundo incluyéndose en el concurso para luchar por su propia mano. Mérida es, claramente, superior a cada joven presente, pero su increíble actitud de empoderamiento le trae grandes problemas con su madre, la reina Ellinor (Emma Thompson), quien insiste en que Mérida siga las reglas impuestas para las mujeres. Debido a su rabia, Mérida condena a su madre a un extraño hechizo, el cual sólo se romperá una vez que la joven "repare el vínculo que el orgullo rompió".

Además de contar con su primera protagonista femenina, Pixar también apostó por tomar el camino de los cuentos de hadas o leyendas populares, con lo cual también se nota la influencia de Disney en sus historias. “Brave” es otro adorable cuento infantil capaz de emocionar al adulto más grande; su historia de amor entre madre e hija recuerda a aquellas representadas en “Finding Nemo”, por ejemplo, y el hecho de que cuente con una princesa que no quiera seguir las normas establecidas es un gran respiro entre tanta historia parecida.

Hace un tiempo, Netflix estrenó “Queer Eye”, una serie de la cual es imposible no enamorarse, así como también es inevitable enamorarse de Antoni Porowski, uno de los integrantes del grupo ya llamado Fab Five. Antes de participar en “Queer Eye”, Antoni probó suerte en el cine y fue parte de un par de películas; una de ellas es “Elliot Loves”.

Dirigida por Terracino, la película cuenta la historia de Elliot (Fabio Costaprado) durante dos etapas de su vida. Durante la primera etapa, Elliot trata de conectarse con su madre (Elena Goode), quien, luego del rechazo de su ex novio (Antoni Porowski), se convierte en una joven madre soltera. La segunda etapa de la vida de Elliot nos muestra su búsqueda del amor en Nueva York; él no tiene problemas para demostrar su homosexualidad, pero la sociedad, constantemente, lo rechaza.

“Elliot Loves” es el triste y real retrato de un joven gay en una agitada ciudad, pero tiene cierto aire de esperanza también.

Los encargados de revivir esta serie y esta trama para nuestra generación son Jonah Hill y Channing Tatum. Interpretando a Morton Schmidt y a Greg Jenko, respectivamente, ambos también son parte del escuadrón 21 Jump Street y se les asigna la misión de infiltrarse en la secundaria Sagan High School con tal de descubrir quiénes son los distribuidores de una nueva droga llamada HFS ("Holy Fucking Shit").

Y algo muy interesante pasa cuando ambos vuelven a la secundaria: se dan cuenta de que los roles se han invertido. Cuando ellos eran adolescentes, el ser inteligente era algo de perdedores y ser rudo era de bacanes, pero ahora se rudo es visto como algo machista y el ser inteligente ya no es algo nerd, sino que es digno de admiración. Lo bueno es que Schmidt y Jenko también consiguen convertirse en amigos de un posible distribuidor, algo que los ayudará a resolver su caso.

No esperaba que una película en la que apareciera Channing Tatum fuese una película tan graciosa, pero es que al igual como pasó con su personaje, el invertir los roles y dejarlo como el sidekick y no como el galán de la historia, funciona a la perfección. Tampoco esperaríamos que Jonah Hill fuese el galán, pero su papel también funciona. Incluso el cameo de Johnny Depp, totalmente sorpresivo, es demasiado gracioso.

Laurence Alia (Melvil Poupaud) es un hombre de 35 años, un exitoso novelista y profesor de Literatura que vive en Montreal. Está muy enamorado de su novia Frédérique, "Fred", Bellair (Suzanne Clément) y ambos disfrutan de una normal y alegre vida, pero durante el día de cumpleaños de Fred, Laurence le cuenta su mayor secreto: siempre ha sentido que nació en el cuerpo equivocado y que, desde ahora en adelante, vivirá su vida como una mujer.

Fred no se toma muy bien la noticia, acusa a Laurence de ser gay y lo deja, pero luego de reflexionar las cosas, decide volver con ella y ayudarle durante su transición. Laurence comienza a usar ropa más femenina y aprende a maquillarse, y pasa por un momento de mucha reafirmación cuando aparece en su trabajo demostrando su verdadera identidad. Sin embargo, a pesar de lo mucho que se aman, la relación con Fred vuelve a peligrar.

Xavier Dolan sabe cómo contar historias tan hermosas como desgarradoras; viendo “Laurence Anyways” puedes sufrir viendo cómo dos personas que se aman no pueden estar juntas, pero también tu visión se llena de colores, formas y escenas preciosas; creo que ese tipo de contradicción hace que las películas sean más interesantes.

También es interesante ver una historia como la de Laurence sin caer en clichés o estereotipos molestos; todo está tratado con mucho respeto y hasta podría ser usado para demostrarle a los demás que las cosas no son tan terribles como lo piensan. Lo que todavía no entiendo es cómo Suzanne Clément no se ganó ni una nominación al Oscar después de esta escena.

Marion también tiene una nueva pareja, Mingus (Chris Rock), quien, al mismo tiempo, también tiene una hija de una relación anterior. Los cuatro viven muy felices en Nueva York, pero, cierto día, la familia de Marion aparece en su departamento para pasar las vacaciones junto a ellos. Su padre, Jeannot (Albert Delpy), y su hermana Rose (Alexia Landeau) llegan para desordenar el panorama, tal como lo hicieron años antes con Jack.

Aprecio mucho a Julie Delpy como actriz, ya que la trilogía de “Before…” es una de mis favoritas; me encanta ese estilo de las conversaciones realistas y las conexiones entre dos personas y me encanta también que, como directora y guionista, haya traspasado eso a “2 Days in Paris”. El problema es que no lo sentí en esta segunda parte.

Tom Solomon (Jason Segel) y Violet Barnes (Emily Blunt) son una linda pareja que lleva un año saliendo. Durante su aniversario, en la noche de Año Nuevo, Tom le propone matrimonio a Violet y ella acepta. Debido a que están tan enamorados, la planificación del matrimonio comienza rápidamente y organizan una cena de compromiso para celebrar. Sus planes sufren un cambio cuando Alex (Chris Pratt), el mejor amigo de Tom, embaraza a Suzie (Alison Brie), la hermana de Violet, y terminan casándose antes que los protagonistas. 

Luego de un tiempo y, mientras trata de retomar los planes de boda, Violet recibe una oferta para ir la Universidad de Michigan, en donde podrá realizar un doctorado en Psicología. Tom la quiere tanto que acepta ir con ella hasta Michigan y viven allí durante dos años. Violet disfruta de su éxito, pero Tom tiene que conformarse con un trabajo mediocre y, a pesar de que saben que ambos no son muy felices, se quedan de todos modos durante un tiempo, mientras los planes de matrimonio continúan retrasándose cada vez más. 

Tengo esa pésima costumbre de leer críticas antes de ver una película; sé que es una pésima práctica, pero no puedo evitarlo. Había leído unas críticas pésimas sobre "The Five-Year Engagement", por lo que no tenía mucha fe; quizás debí haber leído las críticas de personas algo amargadas, porque la película es bastante divertida. Tiene esa mezcla de comedia y ternura que termina ganándote; además, cualquier película que incluya esta canción siempre tendrá un lugar en mi corazón.

"Magic Mike" cuenta la historia de Mike (Channing Tatum), un stripper que lleva varios años siendo una sensación en el negocio. Mike es un excelente bailarín y es el stripper más popular del lugar en donde trabaja, Xquisite Strip Club, un lugar dirigido por Dallas (Matthew McConaughey), un ex stripper. En este club también trabajan Tito (Adam Rodriguez), el latin lover; Ken (Matt Bomer), el niño bonito; Tarzan (Kevin Nash), el macho; y Big Dick Richie (Joe Manganiello), cuyo nombre lo dice todo. 

A pesar de ser muy exitoso, Mike no quiere ser un bailarín para siempre. Su verdadera pasión es hacer hermosos muebles y su sueño es formar su propio negocio; para concretarlo, Mike hace varios trabajos extras durante el día, los cuales le ayudan a juntar el dinero que necesita. Es en uno de estos trabajos en donde Mike conoce a Adam (Alex Pettyfer), un tipo de diecinueve años que todavía no sabe qué hacer con su vida. Mike quiere ayudar a Adam y lo lleva hasta el club Xquisite, en donde el joven comienza a hacerse de una carrera, pero Mike también tiene que cuidarlo de los excesos de aquel trabajo. 

"Magic Mike" debe ser la sorpresa del año. Todo parecía indicar que una película sobre vedettos se convertiría en una comedia romántica desechable del montón, pero hay que darle créditos por no ser la obra superficial que, perfectamente, podría haber sido. Es una historia a la que le dieron contenido, sin caer en los clichés del drama, y es bien entretenida. Channing Tatum, además de ser un buen protagonista, es un increíble bailarín.

Todo lo que pensaba acerca de los strippers ahora ya dejó de ser un prejuicio.

“The Place Beyond the Pines” fue dirigida por el mismo director de "Blue Valentine", Derek Cianfrance, por lo que es normal imaginar que la película podría tratarse de alguna relación tormentosa rodeada de mucho drama, pero la verdad es que la película pareciera estar dirigida por Nicolas Winding Refn, ya que el personaje de Ryan Gosling recuerda mucho al personaje principal de “Drive”: rudo, pocas palabras y miradas intensas por todas partes. 

Luke Glanton (Gosling) es un motociclista que se gana la vida haciendo espectáculos en estas ferias estadounidenses que viajan por distintas ciudades. Cuando pasan por Schenectady, cerca de Nueva York, Luke conoce a Romina Gutiérrez (Eva Mendes), una mujer con la que tiene un encuentro de una sola noche. Un año más tarde, Luke regresa a la ciudad y aprovecha la ocasión para volver a ver a Romina, pero se entera de que es padre de un bebé, Jason, del cual nunca supo su existencia.

Luke, entonces, renuncia a su trabajo en la feria y decide quedarse en Schenectady para cuidar y mantener a su nueva familia; Romina no está muy de acuerdo con la idea, ya que Luke no tiene de dónde sacar dinero y ella tiene una pareja nueva, Kofi Kancam (Mahershala Ali). Luke no encuentra otra solución que asaltar bancos en su motocicleta; durante cierta ocasión, es acorralado por un policía llamado Avery Cross (Bradley Cooper) y la carrera de Luke como asaltante termina abruptamente. Luego de quince años y, por estas cosas del destino, los hijos de Avery y Luke se hacen amigos y la historia del pasado entre sus padres comienza a salir a la luz.

“The Place Beyond the Pines” comenzó a partir de una idea de Derek Cianfrance, luego de que Ryan Gosling le dijera que siempre había querido robar un banco... si tan solo las cosas fueran así de fáciles. Desde ahí, el director definió muy bien la estructura de las tres historias, incluida la escena de la persecución entre Luke y Avery. Hubiese sido genial ver más al personaje de Ryan, sobre todo porque la película dura, aproximadamente, dos horas y media y el actor sólo aparece unos cincuenta minutos, pero, de todos modos, sorprende que un director elimine a uno de los personajes principales antes de la hora de película, utilizando aquel recurso de "Psycho". Sorprende también la aparición de Bradley Cooper, porque ni yo sospechaba que él podía hacer películas mejores que las que ha estado haciendo últimamente. 

Frances Halladay (Greta Gerwig) es una joven de 27 años que sueña con ser una bailarina profesional y mundialmente famosa. Frances vive con su mejor amiga, Sophie (Mickey Sumner), a quien conoce desde la época de la universidad. Cada una tiene su respectivo novio, pero pasan tanto tiempo juntas que todos les dicen que la verdadera pareja parecen ellas. El novio de Frances, Dan (Michael Esper), le pide que vivan juntos, pero ella rechaza la idea, porque vivir con Sophie es más importante. Sophie luego le cuenta a Frances que tiene la oportunidad de mudarse a un mejor departamento.

Frances debe mudarse a otro departamento también y comienza a vivir con Lev Shapiro (Adam Driver) y Benji (Michael Zegen), un escultor y un escritor, respectivamente, quienes se las arreglan para vivir en Nueva York. Frances continúa practicando danza moderna, con el propósito de asegurar un lugar en la presentación de Navidad que la compañía donde pertenece realizará, pero su vida comienza a dar muchas vueltas, las que incluyen otros cambios de departamento, roces con Sophie e, incluso, un viaje a París.

"Frances Ha" pasará a mi lista de nuevas películas favoritas. La cinematografía en blanco y negro es preciosa y le da un toque muy nostálgico, sobre todo a cada rincón de Nueva York que nos muestran. El personaje de Frances es una protagonista ideal: es divertida, es alegre, es tierna y, como varios de nosotros millenials, sólo está tratando de vivir sus veinteañeros años lo mejor que puede; es un gran reflejo de la generación endeudada y perdida de la que somos parte. Es imposible no enamorarse de ella y de sus aventuras, sobre todo aquella que va al ritmo de  “Modern Love”.

Susanna (Julianne Moore) es una cantante de rock que vive en un hermoso departamento, ubicado en Nueva York. Susanna está en una complicada relación con Beale (Steve Coogan), un inglés que siempre está ocupado con sus negocios, y los dos tienen una hija en común: Maisie (Onata Aprile). Maisie tiene cinco años, es la niña más tierna y adorable del mundo y, es tan inocente, que apenas entiende la situación por la que están pasando sus padres.

Susanna y Beale ya no se soportan, por lo que su relación termina en divorcio. La justicia les otorga custodia compartida, por lo que Maisie debe pasar diez días con su padre y otros diez, con su madre. Mientras está en el departamento de Beale, Maisie queda bajo el cuidado de Margo (Joanna Vanderham), la nueva esposa de su padre, ya que él continúa bastante ocupado con sus negocios. Cuando Maisie vuelve al departamento de Susanna, queda al cuidado de Lincoln (Alexander Skarsgård), un barman con el que Susanna se casó solamente para poder obtener la custodia completa de Maisie; los dos apenas se conocen. Algo abandonada por sus padres, Maisie se ve en la encrucijada de pasar más tiempo con sus padrastros que con sus propios progenitores.

“What Maisie Knew” es tan adorable como su misma protagonista, ya que la historia está contada a través de la perspectiva de la pequeña; durante las escenas entre Susanna y Beale, por ejemplo, no podemos escuchar ni observar muy bien las cosas hasta que Maisie aparece en escena. Existen algunas películas que sirven como anticonceptivo y existen otras, como "What Maisie Knew", que te dejan con muchas ganas de tener una hija como Onata Aprile y criarla junto a Alexander Skarsgård.

Alain van Versch (Matthias Schoenaerts), más conocido como "Ali", es un tipo que ha perdido la dirección en su vida. Practica boxeo y kickboxing y tenía un futuro bastante prometedor en el ambiente, pero su entrenador fallece. Al mismo tiempo, Ali debe asumir la custodia de su pequeño hijo, Sam (Armand Verdure), ya que su madre lo estaba utilizando para traficar drogas. Ali, entonces, sin trabajo y sin hogar, decide pedirle ayuda a su hermana, quien lo recibe con los brazos abiertos.

Una vez asentado, Ali consigue trabajo como guardia de seguridad en una discoteca. Mientras ayuda a controlar una pelea callejera, Ali conoce a Stéphanie (Marion Cotillard), una mujer que fue golpeada por el tipo que había comenzado la pelea; ella queda herida, por lo que Ali decide llevarla a casa. Stéphanie resulta ser una entrenadora de orcas que trabaja en estos centros de entretención acuáticos; es una de las mejores, pero, durante un show, sufre un horrible accidente y pierde ambas piernas. Luego de las primeras recuperaciones, Ali y Stéphanie continúan la amistad, justo en el momento en el que él se une a participar en peleas clandestinas para poder ganar algo más de dinero.

“Rust and Bone” es una película hermosa, llena de actuaciones perfectas, las cuales muestran aquellas situaciones tan tristes de una manera muy realista, por lo que es imposible no involucrarse con las historias de los personajes y desearles sólo el bien. Marion Cotillard vuelve a demostrar lo maravillosa actriz que es. Existiendo actuaciones como la de ella, o como la de Jessica Chastain o la de Emmanuelle Riva, van y le dan el Oscar a la actuación de Jennifer Lawrence. Jamás lo entenderé.

Hace unos días, mi hermana y yo hicimos un trato: ella vería “Pineapple Express”, película que vengo recomendándole hace meses, sólo si yo veía “Stefan vs Kramer”, película que ella también viene recomendándome desde hace tiempo. Deal or no deal? Acepté. Siempre me ha gustado el trabajo de Kramer, pero nunca tuve muchas ganas de ver "Stefan vs Kramer", porque, en general, sabemos que las comedias chilenas no funcionan.

Tras su paso por el Festival de Viña del Mar, Stefan Kramer (interpretándose a sí mismo) se convirtió en uno de esos famosos VIP y los eventos aparecen por todos lados. Su mánager, Arturo Longton, se encarga de todo, para que Stefan sólo se dedique a mejorar las imitaciones y a pasar tiempo con su familia; pero más trabajo significa menos tiempo en casa. A esta situación también se le suma que la esposa de Stefan, Olivia (Paloma Soto), está aburrida de la rutina y de sólo ser conocida como “la señora de Kramer”.

Al mismo tiempo, el "excelentísimo" presidente de Chile tiene todo un plan maligno en acción para que Kramer no continúe imitándolo. Para llevarlo a cabo, contrata a Pablo Zalaquett, Leonardo Farkas, Rafael Araneda, Javiera Acevedo y a Marcelo Bielsa, quienes harán de las suyas con tal de que Olivia salga de la sombra de Kramer hacia la luz pública y este termine solo, sin amigos y sin trabajo.

El talento de Stefan Kramer es innegable; sus imitaciones están al nivel de las imitaciones de otros comediantes que también me gustan, como por ejemplo, las de Jay Pharoah o las de Jimmy Fallon y las de Darrell Hammond. En cuanto a la película en sí, esperaba mucho más en cuanto a desarrollo se trata; quizás más complot o más secuestro, como dejaron ver en el tráiler. Si bien no es la mejor película chilena, sí es mucho más destacable que otras comedias que no quiero nombrar, pero que todos sabemos cuáles son.

Llegué a esta película gracias a un post en tumblr con una frase muy interesante, dicha por el personaje de Elizabeth Olsen: "You think it’s cool to hate things, but it’s not. It’s boring. Talk about what you love, keep quiet about what you don’t.”. Siento que, especialmente en internet, todos pecamos de esto. Odiamos cosas a veces sólo por odiar o porque odiamos a quienes les gusta cierta contenido y es bueno que nos recuerden lo mal que eso está.

Jesse Fisher (Josh Radnor) tiene 35 años y es un graduado de Literatura e Historia que estudió en la Universidad de Ohio. Vive en Nueva York y lee todos los libros que puede y que quiere. Cierto día, su segundo profesor favorito de la universidad, Peter Hoberg (Richard Jenkins), lo llama para invitarlo a su ceremonia de retiro. Jesse acepta de inmediato la invitación y, durante un almuerzo con amigos de su profesor, conoce a Zibby (Elizabeth Olsen), una estudiante de Drama de tan sólo 19 años.

Zibby y Jesse sienten una conexión desde el momento en que se conocen; comienzan a tener conversaciones interminables sobre las cosas que les gustan, se escriben cartas y también se recomiendan libros. A pesar de que se llevan muy bien, Jesse se siente algo inseguro de la relación debido a la diferencia de edad; dieciséis años no es cualquier cosa. Pero al mismo tiempo, Zibby le demuestra que es más madura de lo que él cree; le enseña cosas que Jesse no conocía o a las que jamás le hubiese puesto atención en su vida.

Para ser sincera, no confiaba mucho en esta película después de notar que la había escrito y dirigido Josh Radnor. El año pasado vi su “Happythankyoumoreplease” y me pareció demasiado pretenciosa, así que vi "Liberal Arts", principalmente, por Elizabeth Olsen, quien no decepciona. Hay momentos en los que su personaje puede llegar a ser algo cliché, una especie de manic pixie dream girl intelectual, pero Olsen es tan talentosa y adorable que logra que Zibby se convierta en un personaje interesante.

En cuanto a la película en sí, esta también es interesante; que los personajes giren en torno a los libros y que varios hayan estudiado Literatura siempre será motivo de envidia. El romance con diferencia de edad, aunque no siempre está bien retratado, también capturó mi atención. Hay otras cosas entretenidas también, como el debate de los personajes principales sobre "Twilight"; no puedes odiar algo que no has leído, una lección que trataré de aplicar más seguido.

Josh Radnor me convenció tanto con “Liberal Arts” que espero desde ya una próxima película de su autoría.

Recuerdo que durante la temporada de premios de este año, “The Sessions” dio harto de qué hablar. Se decía que era una película algo controversial y que sus actuaciones estaban dentro de las mejores del año. Sentí mucha curiosidad por verla, pero en esa época de premiaciones estaba más enfocada en terminar 365mm. No recuerdo si “The Sessions” llegó al cine acá; quizás sólo en Santiago para variar.

Mark O’Brien (John Hawkes) es un hombre que ha sufrido de paraplejia durante toda su vida; sólo puede mover la cabeza y debe estar conectado a un respirador la mayor parte del día. A pesar de todo, Mark es un luchador y un hombre muy feliz. Su enfermedad no le impidió graduarse hasta de la universidad y a sus 38 años ya era todo un poeta y escritor. Pero, a pesar de la felicidad, a Mark de todas maneras le falta algo: el amor. Se ha enamorado, pero no puede hacer nada más allá de eso. 

Para pasar las penas, Mark se confiesa con su cura amigo, el padre Brendan (William H. Macy), a quien le cuenta que también siente curiosidad por tener sexo. Mark es un hombre muy creyente, por lo que necesita la aprobación del padre Brendan. Una vez que él se la da, Mark se contacta con una terapeuta sexual llamada Cheryl Cohen-Greene (Helen Hunt). Ella le explica que realizarán seis sesiones de sexo, en donde Cheryl intentará descubrir qué es lo que a Mark le gusta y de qué manera él pudiera desarrollarse, a pesar de su inmovilidad.

“The Sessions” debe ser una de las películas más maravillosas del último tiempo. Es muy emotiva y tierna; la trama, más allá de ser controversial o no, está tratada con delicadeza y madurez. Las actuaciones también son excelentes, sobre todo la de John Hawkes, de quien esperaba mucho tras verlo en “Martha Marcy May Marlene”. Mientras que, por su lado, Helen Hunt se luce como actriz de reparto.

La película deja mucho en qué pensar, algo que siempre rescato cuando de ver cine se trata.

En “Aftershock”, el cineasta recluta a más cuicos para una historia sobre un terremoto en Valparaíso y las secuelas que deja no sólo en la ciudad, sino que también en sus habitantes. Los protagonistas son Pollo (Nicolás Martínez), Ariel (Ariel Levy) y Gringo (Eli Roth), tres amigos que están vacacionando en la ciudad y que conocen a tres jóvenes: Kylie (Lorenza Izzo), Mónica (Andrea Osvárt) e Irina (Natasha Yarovenko). Todos disfrutan del carrete porteño hasta que un terremoto acaba con la diversión.

Y creo también que, desde ese momento, la película comienza a ser cada vez peor. En un Valparaíso que no tiene nada de Valparaíso, los protagonistas recorren calles sin sentido con tal de buscar refugio, ya que el terremoto provocó una fuga en la cárcel de la ciudad. Todo se vuelve un caos y las personas no demuestran ninguna otra cosa más que ser peligrosas. Entiendo que sea una película de terror con tintes de gore, pero en “Aftershock” nada funciona.

Sentí mucha vergüenza ajena por Eli Roth, el Oso Judío de “Inglourious Basterds”; no sólo se queda con esta imagen del cine chileno, sino que también tuvo que actuar en este bodrio. Pero eso no es lo peor: para los personajes de esta película, los presos de la cárcel son fáciles de identificar por sus tatuajes. TATUAJES.

Qué vergüenza.

El viernes era mi primer día de relajo tras el examen de Interpretación. No hice nada de nada y fui feliz, pero se me quedaba algo en el tintero: el tema de la próxima columna para Juvenoide. No podía pensar en ninguna idea buena y andaba con cero inspiración, así que lo único que se me ocurrió hacer fue ver una película que hace mucho tiempo tenía ganas de ver.

Supe de la existencia de “Smashed” cuando vi el trailer, gracias al dato de un amigo. Me encantó el hecho de que Aaron Paul estuviese metido en esto, porque como estaba obsesionada con “Breaking Bad” en ese entonces, también estaba obsesionada con él. Además, podría ver a Mary Elizabeth Winstead de nuevo para decir que no sólo la vi en ese somnífero que me pareció “Scott Pilgrim vs. the World”, película que sólo es soportable para mí por Kieran Culkin y, sobre todo, por Jason Schwartzman.

“Smashed” cuenta la historia de Charlie y Kate Hannah, una joven pareja de recién casados que se la pasa de bar en bar, de carrete en carrete y de caña en caña. Charlie trabaja desde casa, así que no tiene problema con recuperarse allí, pero Kate trabaja como profesora en una escuela de educación básica, por lo que debe sufrir las consecuencias cada mañana. Durante cierta clase, Kate no consigue aguantar el vómito delante de sus alumnos y no encuentra mejor solución que decirles que está embarazada luego de las miradas atónitas y las miles de preguntas de los pequeños.

Kate comienza a darse cuenta de que está tocando fondo, sobre todo después de dos incidentes: termina fumando crack y despertando sola en la calle; días después, estando ya ebria, intenta comprar una botella de vino y se orina dentro de la misma tienda. Un compañero de trabajo nota lo que le está pasando a Kate, por lo que la invita a una junta de Alcóholicos Anónimos. Desde ese momento, Kate necesitará tanto el apoyo de sus compañeros como el de su marido, quien no parece darse cuenta del problema que ambos enfrentan.

Cuando terminé de ver “Smashed”, lo único que pensaba fue “¿por qué rayos inflaron tanto la actuación de Jennifer Lawrence en "Silver Linings Playbook" y no le dieron ni la hora a la actuación de Mary Elizabeth Winstead?”. Hollywood se farreó una buena oportunidad ahí. Si “Smashed” es la película buena que es, todo es gracias a Mary Elizabeth Winstead; ella lleva el peso de la película y lo hace genial. Es una actuación muy honesta y que pudo haberse sido mucho más reconocida.

El reparto no lo hace nada de mal tampoco. Aaron Paul es un buen acompañante, Octavia Spencer también, y es increíble ver a Nick Offerman en un papel más serio que el que hace en “Parks & Recreation”. También me gustó el estilo con el que está dirigida la película; quizás sea algo indie, pero al menos no quiere aparentar de más. Me gustó la sensación que me dejó. Quizás sea una cinta triste, pero me pareció sentir algo de esperanza por ahí.

Este es el corto de Disney que ganó el Oscar y que no alcancé a ver a su debido tiempo. Paperman cuenta la historia de un tipo que de inmediato se siente atraído por una niña en el metro. Cree que nunca más la volverá a ver, pero descubre que ella está en el edificio frente al suyo. Entonces, haciéndole honor a su trabajo como paperman, el tipo trata de contactar a esta joven y recibirá una  mágica ayuda por parte del papel. 

Disfruté mucho este corto; muy Disney para sus cosas (duh), lo que lo hace adorable. La historia de Paperman me recordó a Signs en un principio.

Este corto de The Simpsons también estuvo nominado al Oscar, por increíble que eso suene. Se trata de una mañana en la vida de Maggie Simpson: es dejada en una guardería y tiene que enfrentarse al bebé malo del lugar. Maggie quiere salvar a una pequeña oruga que pronto se transformará en mariposa.

Demasiado tierno como para ser algo hecho por los mismos creadores de The Simpsons. Sé hay capítulos con ternura igual dentro de la serie, pero esto me superó.

No me acuerdo cómo llegué a este corto, pero debe ser porque estaba revisando la carrera de Rodrigo Santoro. La historia se trata de un tipo quizás famoso o quizás rebelde, que está fumando en una habitación de hotel en un sector para no fumadores. Uno de los hombres que trabaja en este hotel va a darle una educada advertencia, pero en lugar de repetirle que no puede fumar, el tipo del hotel se queda fumando con el famoso.

Este debe ser el más divertido de los tres cortos; uno, porque Rodrigo Santoro es casi irreconocible con esos dientes raros y dos, porque cuando descubres la razón el título aparece una bombilla prendida sobre tu cabeza.