We'll always have Paris

Luego de que Joy le organiza una fiesta de cumpleaños sorpresa a su prometido, este termina con él. Jack, por su parte, es despedido de su trabajo por su padre y sus amigos deciden llevarlo a Las Vegas para pasar el mal rato. Joey y Jack se conocen luego de un error con sus habitaciones en el hotel, salen a beber y a bailar y terminan casándose en una de aquellas típicas capillas en donde siempre hay dobles de Elvis Presley.

Luego de acordar divorciarse, Jack gana tres millones de dólares tras usar una ficha de Joy; los planes de separación cambian y, cuando regresan a Nueva York, un juez los obliga a convivir seis meses antes de decidir divorciarlos. Si intentan vivir con el otro por un tiempo, Jack y Joy podrán quedarse con la mitad del premio de Las Vegas. Ambos tratarán de hacerse la vida imposible, pero también comenzarán a sentir cosas por el otro.

“What Happens in Vegas” podría haber funcionado de alguna manera, pero insisto en que Ashton Kutcher casi no tiene química con ninguna de sus protagonistas.

Como toda persona de color que vive en Estados Unidos, Cecil no tuvo una vida fácil. Creció en una plantación de algodón de Georgia, en donde tuvo que ver a su padre morir y a su madre ser violada a manos del dueño del lugar. Poco a poco, Cecil fue aprendiendo las técnicas de trabajo de la servidumbre gracias a distintas personas que le enseñaron y, de esa manera, fue cómo llegó a la Casa Blanca.

Cecil siempre destacó en vida laboral, pero era su vida personal la cual siempre le traía más conflictos. Su esposa, Gloria (Oprah Winfrey) cree que Cecil siempre pone su trabajo antes que cualquier otra cosa y su hijo mayor, Louis (David Oyelowo), se involucra en la lucha de los derechos civiles para los afroamericanos e incluso se une a los Pantera Negra, algo que podría poner el peligro el lugar de Cecil en la Casa Blanca.

A pesar de que aquel último conflicto entre ambos es bastante interesante de ver y de que cada participación de presidente tras presidente también es entretenida de ver, “The Butler” sigue siendo una película de aquellas que llaman “Oscar buzz”, además de tener ese sentimiento de una bandera estadounidense flameando al viento como escena final.

La mayoría de los musicales trata la misma historia de amor, pero “All that Jazz” se destaca entre tanto cliché. La trama gira en torno al egocéntrico, exigente, adicto, narcisista coreógrafo Joe Gidean (Roy Scheider), quien sufre una fuerte crisis de salud luego de producir otra de sus grandes producciones de Broadway. Joe, además, tiene un problema de adicción a ciertas pastillas, tiene problemas con su ex esposa y nueva novia y, como si fuera poco, tiene ciertas visiones sobre un ángel de la muerte llamado Angelique (Jessica Lange).

De hecho, una de las cosas más interesantes de "All That Jazz" son las alucinaciones de Joe, las cuales nos van mostrando detalles acerca de su pasado y las cuales concluyen con unos números de canto y baile que parecen ser mil veces mejores que la verdadera última obra producida por Joe; es cuando por fin podemos ver la calidad de "All That Jazz".

"Bye Bye Life" será muy difícil de olvidar.

Todos recordamos dónde estábamos el día en que anunciaron que los 33 mineros de San José estaban sanos y salvos tras aquel terrible derrumbe que los dejó completamente aislados durante varias semanas. Lamentablemente, debido al gobierno que teníamos en aquella época, su rescate se convirtió en un circo mediático, pero los mineros al menos supieron aprovechar el momento.

Que una película acerca de esta historia, hecha con todo aquel aire hollywoodense de superación y de supervivencia, se estrenara unos años después, imagino que no fue sorpresa para nadie, pero lo que sí fue una sorpresa fue leer nombre tras nombre del elenco que protagonizaría “The 33”. ¿Cómo habrán convencido a Juliette Binoche, una ganadora del Oscar, para hacer una película así? Ni idea. ¿O a Rodrigo Santoro? ¿Le habrán mostrado una foto del ex ministro Golborne? ¿Le habrán dicho que todo lo que vino después parecía una campaña para llegar a la presidencia?

A pesar de aquellos detalles, “The 33” es una película interesante de ver y, a pesar de que está llena de clichés y momentos en los que no puedes evitar reírte, al menos se encarga de dejar muy en claro quiénes fueron los verdaderos culpables y responsables tanto del accidente en la mina como de la poca seguridad que se les ofrece a los trabajadores.

Si existe una tendencia dentro de las películas que estoy comenzando a odiar es aquella del grupo de amigos que se va a celebrar a Las Vegas, por lo general, durante una despedida de soltero. O las despedidas de solteros. O los grupos de amigos. Nada en contra de celebrar, es sólo que ni directores ni guionistas han podido sacarle a este género todas esas actitudes machistas que aburren a morir.

“The Hangover” es un ejemplo de esta tendencia y una película tan exitosa que no consigue entender cómo lo logró; si al menos fuese graciosa y no se apoyara en comentarios racistas u homofóbicos, pero no, la mayoría de su humo se basa en eso. Pensé que habíamos superado aquella etapa de “Old School” o de “Scary Movie”.

Por esta razón, no esperaba mucho de “Last Vegas”, una película que cuenta la aventura de cuatro amigos, ya bastante mayores de edad, que deciden viajar a la ciudad del pecado para celebrar la despedida de soltero de uno de ellos. Billy (Michael Douglas) es un exitoso empresario que le acaba de pedir matrimonio a su joven novia de 31 años, Lisa (Bre Blair). Sus amigos Archie (Morgan Freeman), Paddy (Robert de Niro) y Sam (Kevin Kline) deciden acompañarlo durante una gran celebración que no está libre de rencores, de apuestas ni de alcohol.

Quizás sea el cariño que le tenemos a este grupo de veteranos actores o quizás sea la ternura que ya provocan, pero siento que “Last Vegas” debe ser la más pasable de todas las películas que tienen esta misma trama. Quizás también se deba a que trata mucho más acerca de la amistad entre ellos que de lanzarse a vivir la vida.

Con la película entonces, por supuesto que pasó algo parecido. No pueden vender algo como “el nuevo romance de este siglo” sino existe algo de química entre sus protagonistas, no pueden vender una película erótica finalmente para mujeres si quien pasa más tiempo desnuda en pantalla es la protagonista y no su interés amoroso y tampoco pueden promocionar a Christian Grey como un príncipe azul moderno cuando el personaje es un abusivo manipulador y stalker que no entiende que de límites ni de respeto.

Por último, tampoco pueden dejar tan mal parada a la comunidad BDSM; en primer lugar, porque la protagonista juzga mucho aquella práctica como si fuera lo peor que dos personas que se gustan pueden hacerse y, en segundo lugar, porque segundo protagonista, quien es seguidor de esta práctica, es todo lo contrario a lo que propone el BDSM; como escribí anteriormente, no entiende lo que es el respeto.

Tanto la versión literaria como la versión fílmica de la saga de "Fifty Shades of Grey" son una prueba más de lo poco que hemos avanzado como para que una relación abusiva y tóxica como la de Anastasia y Christian sea idealizada de esta manera. Incluso aquella defensa de que luego Anastasia toma las riendas de la relación, es una defensa infundada; sólo vieron la película que quisieron ver.

La trama cuenta que el profesor Harold Monroe (Robert Kerman) sospecha lo peor del destino de un grupo de sus estudiantes, a quienes les gusta viajar por el mundo grabando documentales. El grupo, compuesto por Faye Daniels (Francesca Ciardi), Mark Tomaso (Luca Barbareschi), Alan Yates (Gabriel Yorke) y Jack Anders (Perry Pirkanen), se encontraba en las profundidades del Amazonas, buscando aborígenes y tratando de registrar en cámara la manera en que estos vivían. La idea era interesante, pero ninguno de aquellos estudiantes siquiera imaginaba el peligro al que se estaban exponiendo.

"Cannibal Holocaust" es una película que no volvería a ver; tiene muchas escenas extremadamente violentas y abusivas que sólo pueden ser vistas una vez. Si alguien me dijera que ni siquiera alcanzó a verla hasta el final, es totalmente comprensible.

"Love" me trajo muchos buenos recuerdos de “9 Songs”: un hombre recuerda los mejores momentos que vivió junto a una mujer a la que amó demasiado y quien ahora ya no es parte de su vida. “Love” es protagonizada por Murphy (Karl Glusman), un estadounidense que viajó a París para estudiar Cine, cuya película favorita es “2001: A Space Odyssey″ y quien tiene actitudes bastante cuestionables. Es el 1ero de enero y Murphy recibe una llamada de Nora, madre de Electra (Aomi Muyock), quien le pregunta por su hija; ella no la ha visto desde hace meses y Murphy no la ha visto desde que terminaron su relación dos años antes. Gracias a los monólogos internos de Murphy y los flashbacks de la película, podemos saber cómo había sido la relación entre él y Electra.

La relación entre ambos era tan apasionada como tóxica. No dudaban en experimentar todo en cuanto a drogas y a sexo se trataba, ni tampoco Murphy dudaba cuando la trataba de stupid, cunt, whore, slut y bitch. Sin embargo, una de las cosas más intensas que marcó su relación fue el momento en que decidieron hacer un trío con una de sus vecinas, Omi (Klara Kristin), una joven tierna y rubia, justo como les gustaba. La escena de aquel trío es tan inolvidable como bien coreografiada, pero las actitudes cuestionables de Murphy vuelven a apoderarse de él y se acuesta con Omi, esta vez a espaldas de Electra. Cuando Omi les cuenta que está embarazada, Electra termina con Murphy.

Sebastián Badilla vuelve a interpretar una versión de lo que él cree que es, un cuico sensible, tierno y esforzado que merece el amor de la eterna mujer de sus sueños sólo porque sí. Ojalá hubiese podido rescatar algo de esta película, pero no hay actor entre los varios del elenco que sobresalga ni escena que sea graciosa. Además, esa publicidad, TODA esa publicidad.

Hace mucho tiempo que la calidad actoral de Adam Sandler ha estado bajo mucho cuestionamiento. Quizás porque ya no funciona la fórmula que lo hizo tan popular en la década de los ’90, pero, de vez en cuando, Sandler salía con algo mejor de lo normal. Lo mejor fue cuando pasó de la comedia al drama, gracias a la ayuda de Paul Thomas Anderson, cuando lo eligió para protagonizar “Punch-Drunk Love”.

En aquella época en que la vi, leí varios comentarios que hablaban de otra buena actuación de Sandler, pero de regreso al género de la comedia dentro de una película llamada “Funny People”, dirigida por Judd Apatow y la cual incluía a varios de los seguidores del mismo Sandler. Sin alejarse mucho de la realidad, este interpreta a George Simmons, un exponente de stand-up que luego se convirtió en estrella de cine.

Cierto día, George se entera de que sufre de leucemia, por lo que decide volver a sus raíces en el stand-up y tratar de enmendar las cosas con las personas a su alrededor. George conoce a Ira Wright (Seth Rogen), un aspirante a comediante que siempre lo ha admirado y a quien decide convertir en su protegido. Al mismo tiempo, George decide recuperar a Laura (Leslie Mann), su ex novia, quien ahora está casada con Clarke (Eric Bana) y con quien tiene dos pequeñas hijas.

¿Una de las mejores actuaciones de Adam Sandler? No. ¿Podríamos incluirla en el mismo grupo en el que “Punch-Drunk Love” está? No. “Funny People” sólo es otra comedia más hecha por Judd Apatow y todo su grupo de colaboradores; la diferencia es que sólo incluyeron a Adam Sandler esta vez.

Me encanta que Antonio Banderas trabaje con Pedro Almodóvar, ya que se nota que sus personajes están siendo bien dirigidos. En "La Piel que Habito", Banderas interpreta al doctor Robert Ledgard, un cirujano de renombre que ha pasado años tratando de perfeccionar una piel artificial. Su esposa había sufrido graves quemaduras tras un accidente de auto y Robert trató de ayudarla, pero cuando ella se vio al espejo, no resistió ver en lo que se había convertido y se suicidó. Robert anuncia a la comunidad científica el estado de su investigación, pero le prohíben seguir experimentando, sin siquiera sospechar el verdadero secreto que su trabajo esconde.

A pesar de lo prometedor que se veía el tráiler, el cual supieron vender, se sabía que la película vendría cargada de aquel humor tan especial de Schumer, pero traté de verla con una mentalidad más abierta. Así que empecé a rescatar las cosas positivas: Bill Hader, una irreconocible Tilda Swinton, las participaciones de Ezra Miller y de Colin Quinn, además de una película ficticia protagonizada por Daniel Radcliffe, la cual se convierte en la explicación de aquella foto que ninguno de nosotros entendía cuando salió a la luz. Varios puntos a favor hasta ese momento; sigamos con la trama.

“Trainwreck” se centra en Amy Townsend (Schumer), una treintañera a la que le gusta salir a fiestas, beber, fumar y tener sexo; no cree en la monogamia, ya que sus papás se divorciaron cuando ella era pequeña y su padre le enseñó que era imposible quedarse con una sola persona para siempre, por lo que Amy sólo se dedica a pasarlo bien. La protagonista trabaja en una revista para hombres, la cual es muy sexista, y su jefa le asigna entrevistar a un doctor, Aaron Conners (Bill Hader), quien sólo atiende a deportistas famosos; Amy no entiende nada de deportes, pero le gusta Aaron y terminan acostándose. El problema es cuando Amy se enamora y cada aspecto de su vida comienza a colapsar.

Qué época más estresante es aquella en donde debes escribir tu tesis; investigar, estudiar, escribir, revisar, fecha límite... al menos, no la recuerdo con tanto odio, ya que la hice sola, pero sí recuerdo el estrés. En "Tesis", el personaje de Ángela (Ana Torrent) tampoco tenía mucho de qué quejarse, ya que escribía su tesis sobre la violencia audiovisual en el cine; cualquier trabajo para la universidad que tenga que ver con películas se hace feliz. Ángela necesita un poco más de material para complementar su tesis, por lo que le pide a su profesor guía unos videos de la cineteca de la universidad; él va hasta allá, pero se encuentra con lo que parece ser una sección prohibida. Toma un video y lo ve; al día siguiente, Ángela lo encuentra muerto y decide llevarse el video.

Evan Sanders (Fran Kranz) tiene mala suerte en el amor y mala suerte en el trabajo. Cuando su novia, Amanda (Emma Fitzpatrick), le dice que lo ama, Evan sólo responde “no” y cuando su jefe le quita la oportunidad de un ascenso para dárselo a Max Phillips (Pedro Pascal), Evan se reencuentra con su antiguo amigo de la universidad, aquel excelente amigo que se acostó con su novia de aquella época.

Desde su primer día en la oficina, Max comienza a hacerle la vida imposible a Evan e, incluso, coquetea con Amanda, por lo que Evan trata de buscar alguna excusa para que el resto de sus compañeros lo odie también. Finalmente, Evan descubre un extraño y sorprendente secreto: Max es, en realidad, un vampiro, quien busca asesinar a todos los empleados de la oficina y convertirlos en vampiros también.

“Bloodsucking Bastards” recuerda en varias a escenas a las técnicas que fueron usadas también en “Shaun of the Dead”, técnicas que siempre funcionan y que convierten a ambas películas en cintas muy graciosas y entretenidas; también tiene su cuota de sangre y violencia, pero todo funciona con un poco de humor. Además, es muy interesante ver a Pedro Pascal haciendo de villano cuando ya casi nos tenía acostumbradas a verlo siempre triunfar; la sangre encima le queda muy bien.

La película cuenta la historia de tres hermanas: Irene (Conchi Pérez), Ana (Ana Torrent) y Maite (Maite Sánchez), pero se enfoca mucho más en la perspectiva de Ana. Las tres perdieron a sus padres y deben ser criadas por su tía Paulina (Mónica Randall), una mujer muy estricta, y también por su abuela (Josefina Díaz), quien apenas habla y sólo vive ya de la nostalgia. La infancia de Ana, como ella misma la describe, no fue una época alegre, sino que fue demasiado triste y eterna. Primero, su madre fallece y una de sus mayores penas fue la infelicidad matrimonial; era una madre dedicada e incluso había abandonado su sueño de ser pianista por estar con sus pequeñas. Su marido había sido un militar quien, años después, moriría de un ataque al corazón después de haber estado con una de sus amantes.

Ana es la más sensible y curiosa de las tres hermanas, por lo que observa todo lo que pasa a su alrededor; sabía acerca de los problemas de su madre y había visto el sufrimiento que le provocaba su enfermedad. La pequeña también estaba al tanto del comportamiento de su padre e incluso sabía la razón de su muerte. Ana está obsesionada con la idea de la muerte: hace preguntas incómodas, finge que asesina a sus hermanas para luego revivirlas e, incluso, cree que tiene un veneno capaz de acabar con la vida de alguien.

La historia se da en Francia durante los años ‘20, esa época hermosa de charlestón, vestidos lindos y cigarrillos elegantes que me hace desear haber vivido de fiesta en fiesta en aquellos años. Todo comienza cuando Howard (Simon McBurney) le pide ayuda a su amigo Stanley (Colin Firth) para desenmascarar a una vidente que ni él mismo pudo desenmascarar. Stanley es un mago de renombre, cuyo nombre artístico es Wei Ling Soo, basado en un mago que de verdad se hacía pasar por asiático. Stanley también es la persona más escéptica que existe, por lo que acepta de inmediato la oferta de atrapar a la famosa vidente.

La vidente es Sophie Baxter (Emma Stone), una adorable criatura que viste ropa hermosa y que ya tiene en sus manos a la millonaria familia Catledge, sobre todo a Brice (Hamish Linklater), quien le hace miles de regalos, le canta serenatas y hasta le propone matrimonio. Desde el momento en que Stanley conoce a Sophie, no le cree absolutamente nada, pero ella no para de demostrar su talento al adivinar cosas sobre su vida privada y también al comunicarse con el más allá. Y si Stanley tenía sus dudas en un principio, luego termina muy sorprendido con el don que tiene Sophie y deja de ser tan racional para empezar a disfrutar de la vida tranquilamente, sin cuestionar cada detalle.

Déjenme decir algo sobre las personas racionales: nunca dejaremos de ser racionales, por muy convincente que sea Emma Stone o por mucho que alguna tía necesite ayuda; nunca dejamos de dudar acerca de todo. Por lo mismo, también deberíamos dejar de ver películas de Woody Allen, no importa cuánto admiremos a alguno de los actores que consigue contratar.

Uno de los mejores detalles de “The Babadook” es que fue escrita, dirigida y protagonizada por mujeres; eso consigue que el drama en la historia sea tratado con una sensibilidad mucho más diferente. La protagonista, Amelia (Essie Davis), vive atormentada por la muerte de su marido, quien había fallecido seis años antes, justo en el momento en el que la llevaba al hospital para dar a luz a su hijo, Sam (Noah Wiseman). Amelia todavía está pasando por un proceso de luto, pero nunca habla de aquello y guarda todas las cosas de su marido en el sótano, cosas que no deja que Sam vea.

Sam representa otro problema para Amelia; primero, de cierta manera, ella lo culpaba de la muerte de su marido y segundo, Sam es un niño que sufre de aquel clásico miedo al monstruo que está debajo de la cama o dentro del closet, pero Sam lo lleva a otro nivel. Todas las noches, Amelia tiene que revisar la habitación sólo para no encontrar absolutamente nada, mientras que Sam se dedica a crear armas para vencer al monstruo, es expulsado de su colegio, le rompe la nariz a su prima, entre otros problemas. 

La situación empeora luego de que ambos leen un libro llamado The Babadook, el libro más escalofriante que existe; poco a poco, Amelia empieza a creer que hay una presencia dentro de su hogar y no para nada producto de su paranoia. Una especie de hombre muy alto, vestido sólo de color negro, comienza a aparecer por todas partes, amenazando tanto su seguridad como la de Sam.

No sabía nada acerca de "Goodnight Mommy", pero la ausencia de expectativas funcionó. La película se trata de dos hermanos gemelos y de su madre; como dijo Hermes, existen dos películas de terror en una. Primero, tenemos una historia contada desde la perspectiva de los niños; Lukas (Lukas Schwarz) y Elias (Elias Schwarz) le temen a la figura de su madre (Susanne Wuest), una mujer que acaba de operar su rostro, por lo que siempre está cubierta de vendas, es muy estricta y dura con los gemelos. Su madre podría haber sido una modelo o actriz famosa, se acaba de separar y está enfrentando una crisis. Un detalle que la convierte en una figura mucho más tenebrosa es que, en distintos lugares del hogar, hay un par de retratos en donde su rostro se ve algo borroso, por lo que no podemos ver muy bien cómo se veía. Lukas y Elias temen que esta mujer no sea su verdadera madre.

Los gemelos comienzan a sospechar de aquella mujer y deciden ponerla a prueba, preguntándole cosas como la canción favorita de uno de ellos o mostrándole una imagen en la que ella aparece con una amiga. Pero la trama también gira y quien ahora se convierte en la persona que teme es la madre, ya que sus hijos comienzan a hacer cosas más drásticas, como atarla a una cama y obligarla a contar la verdad; es durante esos momentos que la técnica de los gemelos terroríficos funciona a la perfección.