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We'll always have Paris

 


A estas alturas de la relación entre Yorgos Lanthimos y yo, ya no debería sorprenderme de nada de lo que salga de su cabeza; sin embargo, si hubiese empezado a ver su filmografía desde sus primeras películas, habría quedado bastante espantada con todo lo que sucede en “Dogtooth”. Es sabido que el cine de Lanthimos busca ser provocador, controversial y muy distinto al resto de sus pares, una intención que aprecio y que muy pocas veces falla.

En “Dogtooth”, Lanthimos nos presenta a una familia que ha decidido criar a los hijos dentro de una burbuja. El padre y la madre tuvieron tres hijos, a quienes llaman simplemente la Mayor (Angeliki Papoulia), el Hijo (Christos Passalis) y la Menor (Mary Tsoni). No sabemos si es una medida de protección extrema o si se trata de un experimento, pero los padres mantienen a sus tres hijos alejados de toda realidad; en la casa no existe la televisión, ni el teléfono, ni siquiera internet. Ellos pasan el día dentro de la generosa propiedad o alrededor del patio, nadando en la piscina o jugando a cualquier distracción que la madre decida por ellos. Los padres han creado una especie de secta, en donde los hijos sólo hacen lo que se les dice y nunca cuestionan nada.

Los padres también llenan la cabeza de sus hijos con historias que ellos ya tienen dentro de su conciencia y que representa la única realidad que conocen; creen que tienen un hermano, a quien le hablan desde la reja del hogar, creen en ciertas palabras que tienen otra definición completamente distinta (zombie es una flor, mientras que teclado es una vagina, por ejemplo), y también creen que sólo estarán listos para salir de casa una vez que pierdan el diente canino. A pesar de lo extraño y hasta ridículo que todo esto pueda parecer, los hijos son felices dentro de su pequeña burbuja, porque eso es todo lo que conocen; no podemos esperar a que comiencen a dudar o a que comiencen a rebelarse, porque, dentro de un contexto así, las personas creemos sólo lo que se nos dice. Nadie cuestiona las cosas que tus padres te dicen en la infancia y, si te siguen tratando con aquella ingenuidad o si no interactúas con el resto del mundo, la mentira se vuelve tu realidad.



La única interrupción a la rutina familiar es la visita esporádica de Christina (Anna Kalaitzidou); no deja de ser curioso el hecho de que los padres arreglen encuentros sexuales sólo para el Hijo. La presencia de Christina, sin embargo, es lo que comienza a despertar la curiosidad de las hijas en cuanto a cosas desconocidas para ellas, como películas u otro tipo de contacto físico. El resto de los días son silenciosos y extraños, pero los padres no pierden oportunidad de seguir lavando el cerebro de sus vástagos; ya que nunca sabemos la verdadera razón tras aquella decisión de crianza, el director puede darse el lujo de llevar la historia hasta los lugares más extremos y hasta las situaciones más incómodas de ver. 

Como el resto de las películas de Lanthimos, “Dogtooth” no se salva de ser incómoda, de causar una risa nerviosa o una mueca de asco, ni de provocar sentimientos o ideas que en un día común jamás aparecerían. Al mismo tiempo que se siente un profundo rechazo hacia los personajes de los padres, también se siente mucha lástima por los pequeños adultos que criaron bajo aquel ambiente tóxico y claustrofóbico, varias veces violento, pero también contradictoriamente cariñoso en ocasiones.

Ya sea para hacer reír o para incomodar, el cine de Lanthimos siempre conseguía hacerme sentir algo distinto y varias veces me entretenía, pero “Dogtooth”, más allá de la pena y el rechazo, no hizo nada más que provocarme aburrimiento; quizás se deba a su ritmo, a su aura silenciosa o quizás al hecho de que las decisiones de Lanthimos ya no me sorprenden como me pasaba en un principio, pero sentí el mismo aburrimiento que me causó “Kinds of Kindness”. 

Espero que Yorgos no retome viejas costumbres ni que tampoco se quede con las últimas y que, algún día, vuelva a lo que hacía con cosas como “The Lobster” o “The Favourite”. 
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La historia de Barbora Skrlová fue una historia que escandalizó al mundo en el año 2007. Barbora sufría de hipopituitarismo, un desorden que la hacía verse como una niña de trece años, cuando, en realidad, tenía treinta y dos; aprovechando esta condición, logró ganarse la empatía de Klara Mauerova y de ser adoptada por ella. Klara, a su vez, sufría de esquizofrenia, por lo que Barbora pudo, fácilmente, manipularla y conseguir que Klara abusara y torturara a sus propios hijos. 

El escritor David Leslie Johnson se basó en esta tétrica historia para crear el guión de “Orphan”, película de 2009 que fue producida por Leonardo DiCaprio y dirigida por Jaume Collet-Serra, director español conocido, en ese entonces, por su trabajo en “House of Wax”, aquella película de terror que varios vimos motivados por el morbo que provocaba la participación de Paris Hilton.

“Orphan” cuenta la historia del matrimonio Coleman, compuesto por John (Peter Sarsgaard) y Kate (Vera Farmiga), quienes están tratando de superar la pérdida de su hija nonata; el proceso es, particularmente, más difícil para Kate, quien también debe luchar en contra de su alcoholismo. La pareja decide adoptar a la pequeña Esther (Isabelle Fuhrman), una niña de nueve años proveniente de Rusia, quien se convertirá en la nueva hermana de Daniel (Jimmy Bennett) y de Max (Aryana Engineer), quien sufre de sordera.

John y Kate están fascinados con la ternura y la inteligencia de Esther, quien se adapta rápidamente a su nuevo hogar; sólo es Daniel quien la trata con mayor frialdad, pero, poco a poco, Esther comenzará a demostrar extraños comportamientos y sospechosas actitudes. Con aquella fórmula que trata de conseguir un buen sobresalto en el espectador, fórmula bastante repetida dentro de este tipo de producciones, “Orphan” ve disminuido su potencial inicial para convertirse en una historia predecible y algo aburrida.

A pesar de las excelentes actuaciones tanto de Vera Farmiga como de Isabelle Fuhrman, ninguna de estas participaciones es suficiente como sacar a flote al último acto de “Orphan”.

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"Jennifer's Body" tuvo la mala suerte de ser estrenada en 2009; la crítica la destrozó y nosotros nos dedicamos a seguir odiando y sexualizando a Megan Fox. Nadie le dio importancia a lo gracioso que era el guión, escrito por Diablo Cody, ni que la película estuviera dirigida por una mujer (Karyn Kusama), ni mucho menos notamos que Megan Fox de verdad actúa increíble en el género del terror. Claro, porque "Jennifer's Body" apareció mucho antes de que Hollywood siquiera soñara con un movimiento como el #meToo, por ejemplo, o el #TimesUp, movimientos que consiguieron que varios de nosotros abriéramos los ojos y tuviéramos que pedirle disculpas a distancia a varias actrices.

En 2009, la película fue descrita, simplemente, como "Twilight para hombres", una descripción que está muy lejos de hacerle justicia. Primero, "Jennifer's Body" nada tiene que ver con vampiros, sino que los rituales satánicos de bandas indie sin éxito y las posesiones demoníacas son los que se hacen presente. La película también ilustra la amistad entre Needy Lesnicki (Amanda Seyfried) y Jennifer Check (Megan Fox), quienes, a pesar de ser tan diferentes, han sido amigas desde pequeñas; nadie, en realidad, entiende mucho esa amistad. Luego de asistir a un concierto de la banda Low Shoulder y de presenciar un incendio que deja varias víctimas, Jennifer comienza a actuar de manera muy extraña: tiene varios cambios de ánimo y una insaciable sed de sangre. Sólo Needy es quien nota estos cambios y, cuando su propio novio está en peligro, decide enfrentar al demonio de su mejor amiga.

Dinámica, divertida, llena de referencias a la cultura pop y llena de canciones dignas de aquella época, "Jennifer's Body" sería un éxito seguro si fuese estrenada en la actualidad. Más que una fantasía vampírica para hombres, la historia es una fantasía de venganza; es una película que muestra el lado complicado de la amistad entre mujeres y que, de alguna manera, fue bastante adelantada para su época. Perdónanos, Megan Fox.
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En un pequeño pueblo de Corea del Sur, vive una madre (Kim Hye-ja) y su hijo, Do-joon (Won Bin); ambos viven casi en precarias circunstancias, ya que el poco dinero que llega al hogar proviene de sesiones de acupuntura que la madre practica sin licencia, algo que puede traerles problemas con la ley. Otros de los problemas que acongoja a la madre es la situación de Do-joon; su hijo presenta un leve retraso mental y, aunque no le hace daño a nadie, siempre se enreda en conflictos por culpa de su amigo, Jin-tae (Jin Goo). La madre es muy protectora y defensora de Do-joon, ya que nadie más que ella lo ayudaría frente a cualquier situación.

Cierta noche, mientras vuelve completamente ebrio a su hogar, Do-joon comienza a seguir a una estudiante, llamada Moon Ah-jung (Moon Hee-ra), hasta que ella consigue entrar a una casa abandonada, tratando de esconderse; una roca llega a los pies de Do-joon, por lo que él da media vuelta y se va. Al día siguiente, el cuerpo de Ah-jung es encontrado en el mismo lugar en donde la joven se había escondido; todas las pistas llevan hasta Do-joon. La policía lo detiene, lo obliga a firmar una confesión y lo detienen; su madre es la única que quiere comprobar que él no es el asesino.

Entre secuencias llenas de suspenso y de amor materno incondicional, podemos apreciar las maneras en que la madre intenta resolver el caso: interroga a los niños que viven en el barrio, entra a casa de Jin-tae y, con la ayuda de este, tortura y cuestiona a dos tipos cercanos a Ah-jung; descubren, entonces, que la joven tomaba fotografías de todos los hombres con los que salía, por lo que su teléfono podría ser la clave para resolver el crimen. Todo parece ir bien, pero las cosas toman un giro totalmente inesperado y uno que sólo Bong Joon-ho sabe cómo realizar de manera tan desgarradora.

Sólo una madre podría entender la pena y la frustración de una situación como la de "Mother", pero no existe forma de que no llegue a todo público. Es imposible juzgar a una madre, sólo se puede empatizar con ella y con las decisiones que debe tomar por el bien de su hijo; durante las últimas escenas sólo se puede sentir algo parecido al alivio que ella sintió al aplicar acupuntura al punto que desataría todos los nudos que tenía en el corazón.

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Basada en el libro homónimo, escrito por Neil Gaiman, “Coraline” es una película animada que, utilizando la técnica del stop-motion, cuenta la historia de la pequeña Coraline Jones (Dakota Fanning), una niña muy inteligente y curiosa que termina enredándose en un gran problema.

Coraline se muda con sus padres, Charlie (John Hodgman) y Mel Jones (Teri Hatcher), a una vieja mansión que ha sido transformada en una especie de pensión. En aquel lugar, Coraline conoce a sus interesantes y excéntricos vecinos: April Spink y Miriam Forcible (Jennifer Saunders), un par de actrices de burlesque que ya jubilaron; Sergei Alexander Bobinsky (Ian McShane), un gimnasta dueño de un circo de ratas; Wybie Lobat (Robert Bailey Jr.), el nieto de la dueña de la mansión y Gato (Keith David), un misterioso gato negro.

Debido a que sus padres están inmersos en trabajo, Coraline pasa sus días quejándose y aburriéndose. Cierto día, descubre una pequeña puerta que la transporta hasta otra versión de su propio mundo; allí se encuentra con su Otra Madre y su Otro Padre, versiones más atentas y más cariñosas de sus propios padres, pero quienes tienen botones en lugar de ojos. Wybie y sus vecinos le advierten a Coraline que tenga cuidado en sus aventuras e, incluso, Gato, quien puede hablar en el Otro Mundo, le advierte que Otra Madre es muy peligrosa.

La estética y producción de “Coraline” es tan hermosa que es fácil olvidar que estamos viendo una historia de terror, razón por la cual tratamos de entender aquel misterio de que a los niños les encanta esta película y no los asusta de la misma manera en que asusta a los adultos.
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Hace un tiempo, comencé a ver la serie “The Crown”, por lo que una reciente obsesión con la monarquía británica es totalmente justificable. La serie comienza mostrando la infancia de la reina Isabel II, mientras su padre, el rey George VI, asumía el cargo tras la abdicación de su hermano, Edward VIII. Sabiendo esta historia ya de memoria, lo mejor es indagar historias mucho más antiguas, como la historia de la reina Victoria, tatarabuela de Isabel II.

La princesa Victoria de Kent (Emily Blunt) era la posible heredera del trono durante el reinado de su tío, el rey William IV (Jim Broadbent). La joven creció en soledad y bajo la dura influencia de su madre, la Duquesa de Kent (Miranda Richardson), y de John Conroy (Mark Strong), interventor de la duquesa. Ambos quieren convencer a Victoria de que firme un documento permitiendo una regencia, lo que les permitiría a ellos reinar primero.

El rey William fallece luego del cumpleaños número dieciocho de Victoria, por lo que la regencia es imposible. Desde el momento en que se anuncia su nuevo título de reina, Victoria comienza a asumir su independencia: se cambia a una habitación propia, dejando la compañía de su madre, y le prohíbe la entrada a Conroy a su hogar. Además de asumir más responsabilidades, Victoria también debe buscar un compañero idóneo, por lo que sus ojos se fijan en su primo, el príncipe Albert de Sajonia-Coburgo-Gotha (Rupert Friend).

“The Young Victoria” es tan bella, estéticamente hablando, como interesante, históricamente hablando. Al final del día, las monarquías siempre nos darán temas para explorar y personas a quienes observar.
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There’s a starman waiting in the sky…

“Moon” significa el debut como director de Duncan Jones, hijo del mismísimo David Bowie, y es muy adorable que haya decidido contar una historia sobre un hombre que vive en solitud cerca del lado de la Luna que siempre está alejado de la Tierra. En futuro distante, existe una empresa llamada Lunar Industries, la cual extrae helio como alternativa a la crisis de petróleo.

La empresa funda una base en la Luna, cuyo único empleado es Sam Bell (Sam Rockwell), un hombre que ha vivido y trabajado allí durante tres años; la única compañía de Sam es GERTY (Kevin Spacey), una inteligencia artificial que controla la base. Dos semanas antes de su regreso a la Tierra, Sam comienza a sufrir de ciertas alucinaciones y una de ellas lo distrae de la extracción de helio, por lo que Sam estrella su máquina y pierde el conocimiento.

Cuando Sam despierta en la base, GERTY le informa que todo estará bien y que un equipo de la Tierra viajará a reparar la máquina que estrelló, pero Sam no parece muy convencido de lo que GERTY le dice; decide salir de la base y revisar la máquina, pero cuando llega allí, se encuentra con la versión de él mismo todavía inconsciente. Como si esto no fuese suficiente para aterrorizarte, GERTY le explica a Sam que lo que vio no es doppelgänger, sino que un clon que la misma inteligencia artificial había activado.

Y como si eso no fuese poco, aquel no es el único plot twist dentro de “Moon”, detalle que la convierte en una película tan maravillosa como espeluznante. GERTY sólo recuerda a las intenciones de HAL, aquella inteligencia artificial de “2001: A Space Odyssey”, por lo que es difícil confiar en alguien a quien nunca puedes ver; además, también es difícil confiar en el clon que resulte ser el original, ya que entre ellos también hay roces.

“Moon” también tiene imágenes muy hermosas y más de alguno quisiera que una película como esta fuese su debut en sociedad.
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Para el año 2154, la raza humana ha gastado la mayoría de los recursos naturales, por lo que un equipo de científicos e investigadores decide visitar Pandora, una luna ubicada en el planeta Polifemo, la cual contiene una increíble biodiversidad. Esta biodiversidad podría ayudar al planeta Tierra, por lo que los científicos lanzan el programa Avatar, gracias al cual pueden transformarse en las criaturas na’vi, una raza de piel azul, de tres metros de altura, que viven en Pandora.

Jake Sully (Sam Worthington) es uno de los participantes de Avatar; Jake es un ex marine parapléjico, quien decide tomar el lugar que le correspondía a su hermano gemelo, recientemente fallecido. Durante una expedición, Jake es atacado y se pierde, pero es rescatado por Neytiri (Zoe Saldana), princesa del clan Omaticaya. La madre de Neytiri, Mo’at (CCH Pounder) ve algo especial en Jake y le pide a su hija que le enseñe a vivir como uno más de ellos. Él se acostumbra tan bien a la vida en Pandora que, incluso, olvida su verdadera misión, pero sus compañeros humanos siguen muy de cerca sus pasos.

Recuerdo toda la reputación de “Avatar” durante la época de su estreno: la nueva gran producción de James Cameron, la mayor cantidad de dinero invertido en una película, los mejores efectos especiales, la película que ha recaudado más dinero en toda la historia, superando a “Titanic”, entre otras varias cosas. Las expectativas siempre juegan en contra y, cuando por fin vi “Avatar”, no me pareció la gran película que la mayoría describía.

“Avatar” recuerda mucho más a la historia de "Pocahontas" que a una película que marcó un antes y un después en la industria. No marcó nada.
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A pesar de lo exitosa y querida que sea Sandra Bullock, todavía no consigo entender cómo es que ganó un Oscar como Mejor Actriz por una película como “The Blind Side”. No es que dude de su talento o algo parecido, sino que la película y todo lo que la rodea es tan… mediocre. Es como una de esas cintas que ves un domingo en la tarde en Mega o en un viaje en bus de Quilpué a Santiago, pero no una película merecedora de tanto halago.

“The Blind Side” es un drama sobre la historia de superación de Michael Oher (Quinton Aaron), un jugador de fútbol americano, que fue adoptado por una familia adinerada cuando era adolescente; lo que llamó la atención de su historia fue la cuestión de raza: Michael es afroamericano, mientras que la familia Tuohy era una familia de integrantes blancos. A pesar de que la historia gira alrededor de Michael, la perspectiva está contada desde la mirada de Leigh Anne Tuohy (Sandra Bullock).

No es primera vez que una historia afroamericana está narrada por debajo de una historia blanca, pero debería ser una de las últimas veces en que veamos una película como “The Blind Side”. Con todo el despertar que estamos teniendo como sociedad y el despertar que se está dando de a poco en el mundo del cine, este tipo de cintas ya nos debería aburrir o deberían ser contadas, al menos, de la manera en que corresponda.
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Hace mucho tiempo que la calidad actoral de Adam Sandler ha estado bajo mucho cuestionamiento. Quizás porque ya no funciona la fórmula que lo hizo tan popular en la década de los ’90, pero, de vez en cuando, Sandler salía con algo mejor de lo normal. Lo mejor fue cuando pasó de la comedia al drama, gracias a la ayuda de Paul Thomas Anderson, cuando lo eligió para protagonizar “Punch-Drunk Love”.

En aquella época en que la vi, leí varios comentarios que hablaban de otra buena actuación de Sandler, pero de regreso al género de la comedia dentro de una película llamada “Funny People”, dirigida por Judd Apatow y la cual incluía a varios de los seguidores del mismo Sandler. Sin alejarse mucho de la realidad, este interpreta a George Simmons, un exponente de stand-up que luego se convirtió en estrella de cine.

Cierto día, George se entera de que sufre de leucemia, por lo que decide volver a sus raíces en el stand-up y tratar de enmendar las cosas con las personas a su alrededor. George conoce a Ira Wright (Seth Rogen), un aspirante a comediante que siempre lo ha admirado y a quien decide convertir en su protegido. Al mismo tiempo, George decide recuperar a Laura (Leslie Mann), su ex novia, quien ahora está casada con Clarke (Eric Bana) y con quien tiene dos pequeñas hijas.

¿Una de las mejores actuaciones de Adam Sandler? No. ¿Podríamos incluirla en el mismo grupo en el que “Punch-Drunk Love” está? No. “Funny People” sólo es otra comedia más hecha por Judd Apatow y todo su grupo de colaboradores; la diferencia es que sólo incluyeron a Adam Sandler esta vez.

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"I Killed My Mother" es una película canadiense que internet ha estado recomendando desde hace bastante tiempo. Hace tiempo, también, tenía ganas de conocer el cine de Xavier Dolan, aquel tipo sólo un año menor que yo, quien escribe, dirige y protagoniza sus propias películas, un talento que cualquier persona quisiera tener. 

En "J'ai Tupe Ma Mère", su título original, el personaje de Hubert Minel (Xavier Dolan) no asesina a su madre, Chantale Lemming (Anne Dorval), sino que miente en un trabajo escolar, el cual le pedía escribir sobre alguno de sus progenitores. Hubert escribe que hace mucho tiempo no habla con su padre y que su madre había muerto. Podríamos pensar que ese tipo de mentiras es una de las peores cosas que se pueden decir, pero, al ver la clase de relación que Hubert y Chantale tenían, se puede entender de dónde viene aquel resentimiento. Es una relación muy complicada y conflictiva, en la cual ninguno de los dos sabe cómo tratar al otro. 

Ambos personajes son insoportables, porque de tal palo, tal astilla, y también son insoportables con la otra persona dentro de esta relación. Madre e hijo tienen muchos defectos, como todos nosotros, pero ninguno de los dos hace algún esfuerzo por corregirlos, ninguno pide disculpas por las cosas que dicen y, cada vez que alguno hace alguna especie de avance para que la relación funcione, el otro termina arruinando la situación, porque, no saben cómo responder ante ciertas actitudes.

Es una temática fuerte; la relación con nuestras madres siempre será la relación más complicada de todas. Que una película pueda traspasar ese tipo de emoción es lo que, al final del día, la convierte en una película genial. "J'ai Tué Ma Mère" es real, intensa y emocionante. Xavier Dolan es bastante detallista y convierte en sus escenas en verdaderos cuadros de arte. Su éxito se entiende rotundamente.
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Benjamín Espósito (Ricardo Darín) es un agente judicial retirado que todavía no sabe muy bien qué hacer con sus eternos días libres. Luego de revisar archivos y recuerdos de antiguos casos, la melancolía lo inspira a escribir una novela sobre un asesinato que le tocó investigar durante 1974. El caso se trataba de una joven llamada Liliana Colotto (Carla Quevedo), quien había sido violada y asesinada dentro de su propia casa. 

El marido de Liliana, Ricardo Morales (Pablo Rago), queda completamente devastado y Benjamín siente tanta empatía hacia él que le promete encontrar al asesino de Liliana. Benjamín cuenta con la ayuda de su fiel, pero alcohólico amigo, Pablo Sandoval (Guillermo Francella), y de la nueva jefa, Irene Menéndez-Hastings (Soledad Villamil), una mujer elegante, adinerada, hermosa y muy inteligente. Benjamín está completamente enamorado de Irene, pero aquello no se interpone en su investigación del caso de Liliana. Lo que nadie sospechaba era que el asesino de la joven era bastante más astuto de lo que imaginaban. 

Es increíble la genialidad de "El Secreto de sus Ojos". La película se las arregla para contar una historia desgarradora, pero también mezcla géneros como el drama, el suspenso y la comedia. Desde el comienzo, puede notarse por qué ganó el Oscar como Mejor Película Extranjera. Toda esa escena de la pasión y la secuencia sin cortes dentro del estadio son más que suficientes para enamorarse.
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Paloma Josse (Garance Le Guillermic) es una niña de once años bastante introvertida, silenciosa y fanática de grabar a las personas con la antigua cámara de su padre. A pesar de parecer ser una niña tranquila, Paloma esconde un oscuro secreto: tiene planeado suicidarse en su próximo cumpleaños. Tiene todo fríamente calculado e, incluso, arregla su último proyecto antes de morir, el cual consiste en hacer una película. Es, de esta manera, que Paloma comienza a grabar a todas las personas que la rodean, comenzando con su histérica madre para llegar a la conserje del elegante edificio francés en donde la familia Josse reside.

Esta conserje, la señora Renée Michel (Josiane Balasko), es una mujer bastante amargada, que apenas sonríe y que apenas se preocupa de su apariencia; ella sólo se preocupa de mantener el edificio limpio y ordenado. Según sus propias palabras, es una persona que "nadie quiere, pero que todos soportan". Paloma ve algo distinto en la señora Renée; la pequeña piensa que la conserje es como un erizo: espinosa por fuera, pero suave por dentro. Así también la ve el señor Kakuro Ozu (Togo Igawa), un hombre japonés que acaba de llegar al edificio y que, de inmediato, admira el amor de Renée por los libros y la curiosidad que Paloma siente por ella.

Una de las cosas más adorables de "Le Hérisson" es el hecho de que su heroína sea una pequeña niña introvertida de once años; faltaron muchos personajes como Paloma durante nuestra infancia. También es adorable el hecho de que la historia de amor se centrara en dos personas mayores de edad, un grupo que tiene muy baja representación y, la ya baja representación que tiene, siempre está ladeada hacia el lado de la tristeza. La película tiene méritos de sobra para hacernos reír y para hacernos llorar al mismo tiempo.

Creo que, hasta el día de hoy, no he visto una película francesa que no termine amando.
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Confieso que empecé a ver "Død Snø" con la idea de criticar todo, ya que la premisa de zombies nazis es una que sólo puede surgir en un momento de delirio o uno muy "Fear and Loathing in Las Vegas". Pensé que sería una comedia o una especie de sátira, pero terminé bastante sorprendida.

La historia comienza luego de que un grupo de amigos decide pasar un fin de semana en las montañas, disfrutando de la nieve, en la cabaña de una amiga llamada Sara (Ane Dahl Torp). El grupo también está compuesto por Vegard (Lasse Valdal), Martin (Vegar Hoel), Roy (Stig Frode Henriksen), Erlend (Jeppe Laursen), Hanna (Charlotte Frogner), Liv (Evy Kasseth Røsten) y Chris (Jenny Skavlan). Es fácil adivinar cuál de los personajes será la primera víctima, si seguimos las reglas del cine de terror basándonos en sus personalidades, pero la película se las arregla para romper aquellas reglas. 

El fin de semana parte bastante bien: carreras en la nieve, cerveza, juegos y chocolate caliente, pero el grupo comienza a sentir algo de miedo luego de la visita de un hombre (Bjørn Sundquist) que les cuenta la leyenda del lugar: el pueblo está acechado por un mal muy grande que comenzó en los años '40, cuando los nazis invadieron la zona. Desde entonces, cosas extrañas le pasan a quienes visitan las montañas. Obvio que nadie le cree, pero cuando dos personas del grupo desaparecen, el resto se da cuenta de que la amenaza se trata, nada más y nada menos, que de zombies nazis. Corran por sus vidas.

Tal y como la escuela nazi que quieren hacer en Chiloé, "Død Snø" parece ser parte de una elaborada broma. Lo bueno es que no lo es. Tiene un par de escenas divertidas, pero consigue asustar, de todos modos, y, en especial, durante la primera media hora. Los villanos, además de ser nazis, también están basados en una criatura mitológica escandinava llamada "draugr". Los draugrs son personas muertas que aparecen en el mundo de los vivos, viven en cuevas y tienen fuerza sobrehumana. Es un mérito mezclar personajes legendarios tan temibles con otros reales, que fueron mucho más horribles también.
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Soy de esas personas que tienden a idealizar la ciudad de Nueva York. Existen tantas películas que muestran alguna “realidad” sobre esta ciudad que es inevitable sentir cierta nostalgia por un lugar en el que nunca has estado. Buscando más películas que retrataran a Nueva York, llegué a “Une aventure New-Yorkaise”.

“Une aventure New-Yorkaise” es una película, hecha para televisión, estrenada en 2009, escrita y dirigida por Olivier Lécot. La cinta cuenta la historia de Alice (Fanny Valette) y Antoine (Jonathan Zacaï), unos franceses que tienen un encuentro casual en su natal París. Antoine queda completamente enamorado, pero Alice le dice que tiene a alguien esperándola en Nueva York y que la aventura debe terminar sí o sí durante la despedida en el aeropuerto.

Antoine está tan enamorado que toma el mismo avión en el que se va Alice y la sigue hasta Nueva York, sin haberlo pensado mucho, sin tener ni un peso en el bolsillo y sin tener algún conocido en ninguna cuadra de la ciudad. Una vez en Nueva York, Alice le hace creer a su novio Arthur (Ebon Moss-Bachrach) y a sus amigos que Antoine es "John", un tipo que conoció durante el viaje y que busca a una mujer llamada Marie. Antoine le sigue el juego, porque sigue amándola, y, al mismo tiempo, comienza a conocer más acerca de la ciudad en donde vivió su ídolo, John Lennon.

Sé que la mayoría de las películas que veo sobre Nueva York siempre muestran el lado más turístico, artístico y amable de la ciudad, pero en esta película hasta los lugares más complicados o menos lindos se ven preciosos. Quizás era un efecto de la música o quizás un efecto de la historia, pero el amor por Nueva York parece incondicional. “Une aventure New-Yorkaise” es tierna y romántica en ese clásico estilo francés; me gustó mucho que, durante ciertas escenas, se transformara en una especie de homenaje a John Lennon y a sus canciones. Love is wanting to be loved.
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Fernanda (Rooney Mara) es una joven de diecisiete años que asiste a un internado, sólo para señoritas, llamado Tanner Hall; comparte un dormitorio con sus dos mejores amigas, Kate (Brie Larson) y Lucasta (Amy Ferguson). Fernanda es la personalidad tranquila del grupo, es quien siempre estudia y sigue las reglas; Lucasta es la inocente, quien se está descubriendo a sí misma y Kate es la más extrovertida, capaz de coquetearle a uno de sus profesores.

Durante su último año de colegio, las jóvenes reciben a una nueva compañera, Victoria (Georgia King), una adolescente inglesa bastante mimada, manipuladora y de esas personas que confunden el ser honestas con el ser desubicadas. Victoria es hija de una amiga de la madre de Fernanda; las dos ya se habían conocido cuando eran niñas, pero nunca se llevaron bien. Además de esta situación, a la vida de Fernanda se suma un nuevo conflicto: se está enamorando de Gio (Tom Everett Scott), otro amigo de su madre.

La vibra y la manera de contar la historia de "Tanner Hall" es parte de un estilo muy tranquilo; no es una película lenta, pero, a pesar de que cada trama es una potencialmente dramática, son tratadas con una paz digna de estas películas independientes.
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Ryan Bingham (George Clooney) es un hombre que trabaja en una empresa que se dedica a despedir empleados; básicamente, otras empresas requieren de sus servicios para no pasar por el incómodo momento de informarle a alguien que ha perdido su trabajo. Ryan, por lo tanto, siempre tiene que viajar a distintas ciudades de Estados Unidos; como explica el mismo personaje, viaja alrededor de 270 días al año y su vida va de aeropuerto en aeropuerto. Sus cercanos le dicen que no es manera de socializar, pero a Ryan le encanta su estilo de vida. Durante cierto viaje, conoce a Alex Goran (Vera Farmiga), una mujer que pasa su tiempo en tantos aviones como él.

Todo continúa bien en la vida de Ryan hasta que a su trabajo llega la joven Natalie Keener (Anna Kendrick). Natalie tiene sólo 23 años y todo un plan para que los empleados de la empresa reduzcan sus viajes: despedir vía internet. Los mandamases están más que contentos con la idea, a excepción de Ryan, quien ama su vida arriba en el aire y no está de acuerdo con el sistema de Natalie. Su jefe lo nota, así que le propone llevar a Natalie a varios de sus viajes, para que, de esa manera, Ryan le muestre la realidad de los despidos a la joven y los dos puedan coincidir en algo.

Daría cualquier cosa por tener la mitad del trabajo que tenía el personaje de George Clooney; la mitad, porque sería más que feliz viajando casi todo el año, pero la parte de los despidos sería más complicada. Debe ser tan triste despedir a una persona que casi rompo en llanto durante la escena del señor Samuels. “Up in the Air” tiene otra interesante filosofía, la de Ryan Bingham: algunas personas disfrutan de su propia compañía y no, necesariamente, creen en el amor. Todos le insistían que esa no era vida, pero él era feliz, give him a break.
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Todavía tengo en mi pared todos los post-it en los que escribía las películas que quería ver para 365mm, más algunas otras recomendaciones; ojalá tuviera una pared más grande para pegar muchas notitas más y que se vieran mucho más ordenadas. Fue en una de esas notitas que encontré “The Boat that Rocked”, película recomendada por mi mejor amiga.

Inglaterra, 1966. Carl (Tom Sturridge) es un adolescente de diecisiete años que ha sido expulsado de su colegio tras haber sido atrapado fumando cigarrillos y drogas. Su madre, Charlotte (Emma Thompson) decide enviarlo a vivir bajo la custodia de su padrino, Quentin (Bill Nighy). Carl y Quentin nunca se habían conocido, pero se llevan bien de inmediato, porque Quentin es un todo un personaje: es el jefe de la estación pirata "Radio Rock", una radio que funciona dentro de un barco que está en pleno océano. Y todos sabemos que nadie se resistía a la música de esa época.

Todos quienes trabajan en la radio aceptan rápido a Carl, ya que viven como una familia. Entre los DJs tenemos a The Count (Philip Seymour Hoffman), el único estadounidense a bordo; News (Will Adamsdale), quien da las noticias y el clima; Gavin Kavanagh (Rhys Ifans), el más popular de todos; DJ Doctor Dave (Nick Frost), un tipo algo insoportable; Felicity (Katherine Parkinson), la cocinera lesbiana; Simple Simon (Chris O'Dowd), el tímido del grupo; Midnight Mark (Tom Wisdom), un DJ que habla muy poco, pero que es conocido como el hombre más sexy del mundo; Smooth Bob Silver (Ralph Brown), quien trabaja sólo de madrugada; entre otros asistentes. Radio Rock es un éxito masivo, pero como siempre, no falta el conservador (Kenneth Branagh) que insiste en cancelar la estación.

“The Boat that Rocked” terminó enamorándome. Cuando noté que la película era obra de Richard Curtis ("Four Weddings and a Funeral", "Notting Hill", "Bridget Jones’s Diary", "Love Actually") entendí por qué en realidad es tan maravillosa, divertida y adorable. No sólo eso: la trama que gira alrededor la música de los años ’60 también conquista de inmediato; es un efecto parecido al que provocan películas como “Almost Famous”, por ejemplo. El elenco de "The Boat that Rocked" también es perfecto; ¿cómo me juntan a Philip Seymour Hoffman y a Rhys Ifans? Maravilloso. 

Más películas como esta, por favor.
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Cuando vi “The Girl with the Dragon Tattoo”, la versión de David Fincher, no sabía que era un remake ni una adaptación de un libro sueco; ni siquiera me di cuenta de que la protagonista era Rooney Mara. la misma actriz de “The Social Network”. La película sobre una hacker y un periodista uniendo fuerzas para encontrar a un asesino en serie, rápidamente, pasó a ser una de mis favoritas por el momento y comenzar a leer sobre nuevas obsesiones es el paso obvio a seguir. Fue entonces cuando supe que era, en efecto, un remake de una película sueca estrenada en 2009, la cual era, a su vez, una adaptación de la saga "Millenium", escrita por Stieg Larsson.

Ambas películas son bastante fieles a la primera edición de la saga, "Los Hombres que no Amaban a las Mujeres". El libro cuenta la historia del empresario sueco Henrik Vagner (Sven-Bertil Taube), quien ha pasado toda su vida obsesionado con la idea de encontrar al asesino de su sobrina favorita, Harriet. Debido a que nunca se encontró pista alguna, lo único que mantiene viva la esperanza de Henrik es que el supuesto asesino de Harriet le envía el mismo regalo que ella le hacía a su tío cada cumpleaños. 

Henrik decide contratar al periodista Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist) para que lo ayude a descubrir nuevas pistas sobre el caso. Mikael hace mucho por la investigación, pero se da cuenta de que su información personal está siendo hackeada por una joven llamada Lisbeth Salander (Noomi Rapace). Mikael nota lo brillante que Lisbeth es cuando de investigaciones se trata, por lo que le pide su ayuda con el caso de Harriet Vanger.

Es inevitable hacer comparaciones entre esta versión sueca y la versión de Fincher, pero no para debatir entre cuál es mejor y cuál es peor, ya que ambas películas son bastante fieles al libro y sólo varían en cuanto a estilo. Yo leyendo libros como si no tuviera una tesis que defender. La versión sueca es mucho más rápida, mientras que la versión estadounidense es más misteriosa, más oscura. Cada uno, según nuestras preferencias, debería definir qué versión nos gusta más. Personalmente, yo me quedaría con la versión de David Fincher.
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"Fish Tank" cuenta la historia de Mia Williams (Katie Jarvis), una adolescente rebelde de quince años, que vive en Londres. Mia siempre se involucra en peleas, odia a su madre, Joanne (Kierston Wareing) y decidió dejar de estudiar. Lo único mueve a Mia es bailar y eso es, precisamente, lo que hace: la joven pasa horas y horas practicando rutinas al ritmo de varias canciones de hip-hop. Cierto día, su madre lleva a la casa a Connor (Michael Fassbender), su nuevo novio.

Mia comienza a sentir cosas por Connor. Inevitable, siendo que es interpretado por Michael Fassbender. Él es tan agradable, tierno y simpático que incluso motiva a la adolescente con el asunto del baile: le presta sus discos y también una cámara para que ella grabe sus coreografías y pueda enviarlas a audiciones. Al mismo tiempo, Mia conoce a Billy (Harry Treadaway), quien también le gusta y a quien se acerca mucho más tras descubrir el secreto que Connor mejor esconde.

Siempre será complicado contar historias sobre la adolescencia, justamente porque la adolescencia es tan complicada. Pasamos por tantos cambios, ideas, decepciones e ilusiones que enfrentar el costo de transformarse en otra persona no es fácil. El lado bueno es que podemos identificar esta experiencia universal en las películas. Andrea Arnold, la directora, cuenta la complicada adolescencia de Mia con mucha sensibilidad y, en lugar de juzgar a una niña problema, consigue hacernos sentir empatía y compasión por sus problemas.

Increíble que esta sea la primera actuación de Katie Jarvis; fue la misma directora quien la vio discutiendo en plena calle y por eso la eligió para esta película. Hay que tener muy buen ojo.
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Hola

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Catalina.
Basada en hechos reales.

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