We'll always have Paris: 2016

“A long time ago, in a galaxy far away… It is a period of civil war. Rebel spacechips, striking from a hidden base, have won their first victory against the evil galactic Empire. During the battle, rebel spies managed to steal secret plans to the Empire's ultimate weapon, the Death Star”. Lo que era la simple introducción al Episodio IV de Star Wars ahora se ha convertido en la trama de la película más entretenida de la saga desde los años ‘70.

“Rogue One: A Star Wars Story” cuenta la historia, precisamente, de aquellos rebeldes que consiguieron robar los planos de la Estrella de la Muerte; aquellos planos llegaron a manos de la Princesa Leia (Carrie Fisher), quien los escondió dentro de R2-D2, junto con un mensaje para Obi Wan-Kenobi. Obi, a su vez, vio el mensaje junto a Luke Skywalker y, bueno, el resto es historia. Sabemos mucho sobre estos personajes, pero nunca tuvimos mayor información sobre aquellos rebeldes que los ayudaron y dieron el primer paso, por lo que, cuando anunciaron el estreno de “Rogue One”, su trata ya era más que suficiente para provocar curiosidad.

La película comienza con la tragedia de la familia Erso: Galen (Mads Mikkelsen) es secuestrado por Orson Krennic (Ben Mendelsohn), un alto mando del Imperio, quien también asesina a su esposa, Lyra (Valene Kane); la pequeña hija de ambos, Jyn (Felicity Jones), logra escapar y es rescatada por Saw Gerrera (Forest Whitaker), un rebelde amigo de su padre. Saw se convierte en un mentor para Jyn, pero ella debe continuar viviendo una vida parecida a la de una prófuga de la ley, ya que teme que quienes secuestraron a su padre también regresen a buscarla a ella.

La vida de Jyn sufre un drástico cambio cuando los líderes de la Alianza Rebelde necesitan de su ayuda, luego de que Bodhi Rook (Riz Ahmed), un ex piloto del Imperio, le entrega un importante mensaje holográfico a Saw Gerrera; los Rebeldes quieren que Jyn se reúna con Saw y que también vea el mensaje, ya que este fue grabado por su padre. Jyn viaja hasta el planeta Jedha, junto al Capitá Cassian Andor (Diego Luna) y a K-2SO (Alan Tudyk), y se enteran de la verdad: Galen construyó la Estrella de la Muerte, pero dejó una pequeña falla para que los Rebeldes la atacaran y, de esa manera, pudieran acabar con la nueva arma del Imperio.

En esta nueva misión, también se les unen Chirrut Îmwe (Donnie Yen), un guerrero ciego que cree en la Fuerza, y su fiel compañero, Baze Malbus (Jiang Wen), un rebelde y mercenario; todo el grupo debe conformar el grupo más diverso dentro del universo de Star Wars y también uno de los más apasionados. Más allá de averiguar sobre su pasado o de defender a una reina, los rebeldes pelean por una causa mucho más grande que ellos; sabemos cómo concluye su historia, pero ver los hechos de manera concreta hace, incluso, que el resto de los episodios se vean de manera distinta. La motivación de la Princesa Leia se comprende desde otra perspectiva, así como también aquella infinita felicidad luego de la Batalla de Endor; era un homenaje a aquellos primeros rebeldes y una demostración de que su sacrificio no había sido en vano.

“Rogue One: A Star Wars Story” me emocionó profundamente. Es una película sombría, pero también muy encantadora; las escenas de acción son maravillosas, sobre todo aquella en la playa de Scarif, y a pesar de que sabemos el final de la historia, a esta no le falta tensión ni suspenso. "Rogue One" consigue, básicamente, todo lo que "The Force Awakens" intentó conseguir el año pasado; no recae demasiado en la nostalgia o en el (ab)uso del fan service y crea nuevos e interesantes personajes. No niego que también tenía momentos de emoción al presentar a los clásicos de siempre, pero en "Rogue One" todo es tan sutil que una aparición de Darth Vader o de la Princesa Leia conmueve mucho más.

"Rogue One: A Star Wars Story" nos entrega, justamente, lo mismo que su grupo de rebeldes le entrega a Leia: hope.

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Qué triste debió haber sido ser un ícono de las películas mudas, de todo ese comienzo de la industria hollywoodense y, en un abrir y cerrar de ojos, convertirse en un símbolo del pasado luego de la aparición del sonido en el cine. El público y la crítica te olvidan rápidamente, decides aislarte en la única casa de lujo que te queda, ningún director te ofrece el más mínimo papel, pronto revives tus traumas y te ahogas en alcohol.

Cuando Joe Gillis (William Holden) conoce a Norma Desmond (Gloria Swanson), nota de inmediato que ella es una olvidada intérprete más de la previa época dorada del cine. Norma es una antigua actriz que ahora presenta claros síntomas de depresión, ya que cuenta con varios intentos de suicidio en su historial médico; es una mujer que vive rodeada de sus propios retratos, colgados en varios rincones de su hogar, y que sólo se dedica a ver sus propias películas. Norma es parte de un panorama bastante desolador que también afectó a varios de sus compañeros actores de la época.

A primera vista, Joe y Norma jamás hubiesen podido ser amigos, ni mucho menos, una pareja, pero ambos tienen algo muy importante en común: necesitan del otro para retomar sus tan queridos trabajos. Ya que nadie ha querido ofrecerle un buen rol, Norma decidió arreglar este problema por su cuenta y comenzó a escribir un guión; está segura que su obra la pondrá de vuelta en el centro de la atención. Pero su guión requiere una revisión y Joe es, justamente, un guionista que estaba en una desesperada búsqueda de un nuevo proyecto.

En un principio, las cosas salen bien. Joe disfruta los lujos y Norma se prepara físicamente para su nuevo trabajo; se somete incluso a una dolorosa rutina de belleza y visita al director Cecil B. DeMille en los estudios de Paramount, pero la situación, rápidamente, comienza a empeorar. La inestabilidad de Norma frustra a Joe, así como también la presencia de Max von Mayerling (Erich von Stroheim), el fiel sirviente de la actriz; al mismo tiempo, Norma se entera de que Joe ha estado colaborando en el guión de otra película junto a Betty Schaefer (Nancy Olson), por lo que decide vengarse.

Películas como “Sunset Boulevard” son de aquellas películas que te hacen preguntarte si acaso la película en sí es una obra de arte o si su actuación principal es mucho mayor en comparación. Gloria Swanson es increíble y transforma cada rasgo de la personalidad de Norma Desmond en algo tan detestable como imposible de dejar de mirar; es una actuación tan espeluznante como maravillosa. Pero también la historia y, la manera en la que está contada, es una oda a Hollywood y a la industria del cine; aquel amor por aquella época traspasa la pantalla.

"Sunset Boulevard" tampoco está libre de suspenso ni de aquella frialdad con la que tratamos a veces a las estrellas del cine, en general. La película es un hermoso relato de lo increíble y lo cruel que Hollywood puede llegar a ser.

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Sucede a veces que una película deja muchos sentimientos y pensamientos en tu cabeza; ni la trama ni los personajes ni el director salen de tu cabeza y ese es uno de los mayores efectos de "Funny Games". Mi experiencia con la filmografía de Michael Haneke sólo se resume en “Amour”, película que también se queda en tu cabeza, por lo que decidí ver quizás la más conocida dentro de su colección, "Funny Games", película estrenada en 1997; la historia también tiene un remake, el cual se estrenó en 2007 y del cual Haneke se encargó personalmente.

“Funny Games” es catalogada como un thriller psicológico o también como una película de terror, pero parece ser algo que va mucho más allá; la película plantea una idea moralista acerca de cómo es tratada la violencia en las películas y de por qué a veces preferimos el morbo, mal llamado entretenimiento, por sobre una verdadera trama; no hay película de terror o de suspenso que no recaiga en el recurso de la violencia. "Funny Games" demuestra que esto no siempre es necesario.

"Funny Games" nos introduce en la vida familiar de un clan compuesto por los padres y su pequeño hijo, durante el momento de sus vacaciones en una hermosa casa de relajo; allí se encuentran con Paul y Peter, unos jóvenes que se hacen pasar por invitados de unos vecinos. Desde el primer momento, el ambiente se vuelve algo incómodo; si tan sólo le hiciéramos caso a nuestros instintos. En alguna otra película, nos dicen que el miedo a ofender es más fuerte que el miedo al dolor y es en ese momento que el encanto y los buenos modales funcionan de maravillas para los psicópatas; nada es más fácil que entrar a una casa siendo agradable y pidiendo huevos para el vecino, pero cuando se te caen dos veces, empiezas a molestar a la dueña de casa. Y, cuando molestas a su marido, aparecen los golpes y, de pronto, la amabilidad se transforma en dominación; Paul y Peter toman a la familia como rehenes y mantienen el control de la situación a modo de juegos, amenazas y violencia, todo disfrazado de carisma.

Quien tiene mayor control de la situación, definitivamente, es Paul; es quien da las órdenes, quien decide cuándo y cómo pasarán las cosas e, incluso, es el personaje que se da el lujo de romper la cuarta pared. Paul controla tanto a los personajes como a los espectadores; cuando le preguntan por qué hace lo que hace, él también manipula las respuestas: una infancia difícil, problemas con sus padres o drogadicción, sólo para después decirnos que fueron mentiras. La verdad es que Paul nunca explica la razón de su maldad, un detalle que añade más misterio y más frustración. Además de romper la cuarta pared, Paul decide tomar el control remoto y retrocede la única escena más gráfica dentro de la película. ¿Qué clase de película hace eso? Una película que no sigue las reglas.

La escena anterior también tiene que ver con el hecho de que la película ofrece cero esperanza para los personajes. Generalmente, en las películas de terror o de suspenso, siempre hay algún personaje que consigue salvarse u otro que consigue atrapar al villano. En "Funny Games", hay varias posibilidades de que los personajes tomados como rehenes puedan sobrevivir o que puedan invertir los roles, pero tanto la historia como la maldad de Paul y Peter impiden que el bien triunfe, lo que significa otra falta a las reglas. “Funny Games” tampoco sigue las reglas cuando no recae en el morbo; de hacerlo, lo hubiesen hecho a la perfección, pero la película demuestra que el morbo no es necesario, a pesar de que estemos acostumbrados a esperarlo en ciertas escenas. "Funny Games" no recae ni en la sangre, ni en la violencia gráfica, ni en cuerpos inertes ni en excesos de sangre; la sola idea de que esas cosas ya se dieron o que ya existen es razón suficiente como para asustarte.

En cuanto a qué versión es mejor, soy partidaria de las primeras partes, pero la segunda entrega no se queda atrás, ya que fue un remake hecho cuadro a cuadro, diálogo por diálogo, a manos del mismísimo Michael Haneke; la única pequeña diferencia es la escena de la madre quitándose la ropa. También podríamos decir que la versión europea de Paul es mucho peor que la versión estadounidense; tanto personaje como película parecen ser de aquellas cosas que aparecen en nuestras peores pesadillas.

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Qué frustrante fue toda aquella época previa al estreno de “Ghostbusters” y posterior a la salida de su primer tráiler; por alguna razón, los hombres también parecen ser mayoría en internet y se dedicaron a destruir todo lo que tenía relación con esta nueva versión del clásico ochentero, pero que ahora sería protagonizado por un grupo de cuatro divertidas y talentosas mujeres.

Varios de estos llamados incels o fuckboys, llenaron la sección de comentarios con insultos, críticas que no tenían nada de constructivas y quejas sobre lo mucho que odiaban que su infancia fuese a ser arruinada por el simple hecho de que se fuese a estrenar una película con protagonistas femeninas. En lo personal, tu infancia debió haber sido arruinada el día que apareció la primera acusación en contra de Bill Cosby, por ejemplo.

A pesar de todo el odio, “Ghostbusters” se estrenó de todos modos y no fue la terrible aberración ni traición al género que todos habían predicho; de hecho, es una película bastante entretenida, en donde, de paso, dejan entrever una crítica a todos aquellos hombres que, a su vez, criticaron a las protagonistas. La crítica toma la forma de Rowan North (Neil Casey), un científico que sufre de complejo de dios; Rowan crea una tecnología para atraer fantasmas a Nueva York, con el plan de liberarlos y acabar con la ciudad.

Para su mala suerte, un nuevo grupo de Cazafantasmas se está formando muy cerca de él. Abby Yates (Melissa McCarthy), Erin Gilbert (Kristen Wiig), Jillian Holtzman (Kate McKinnon) y Patty Tolan (Leslie Jones) descubren todas aquellas energías, también gracias a la tecnología con la que trabajan, y deciden investigar los planes de Rowan. Las personas y las autoridades tampoco creen en este grupo de mujeres solitarias y locas que no tienen nada qué hacer con sus vidas, pero las Cazafantasmas no se dan por vencido.

La vida siempre imita al arte y, así como las Cazafantasmas tuvieron problemas en “Ghostbusters”, la película en sí también tuvo que enfrentar varios obstáculos. Tanto la crítica de los hombres de internet como la crítica de los expertos, la están haciendo pedazos y, la verdad, es que no es para tanto. No será la mejor película del mundo, pero “Ghostbusters” tampoco es peor que sus predecesoras; es entretenida y graciosa, no abusa del fan service y tiene maravillosos cameos.

Al final del día, el único pecado de “Ghostbusters” fue haber cambiado el género de los protagonistas, lo que sólo comprueba el poco o nulo respeto que se nos otorga en cualquier ámbito de nuestras vidas.

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Tras lo que parece ser una interminable seguidilla de películas de superhéroes, el anuncio de una película sobre una serie de villanos trabajando unidos, había significado un cambio de aire dentro de todo este contexto; sonaba como algo divertido y más entretenido que varias de las tramas de sus buenos enemigos. Tras la confirmación de los actores y el estreno del tráiler, la emoción seguía subiendo… hasta el día en que por fin vimos “Suicide Squad”.

La película, dirigida por David Ayer, sólo se queda en la trama de juntar a un montón de villanos y eso sería la única parte entretenida. Todo comienza cuando Amanda Waller (Viola Davis) tiene una peligrosa misión en sus manos: proteger al mundo de la amenaza de Enchantress, un espíritu maligno que ha poseído a la arqueóloga June Moone (Cara Delevingne). Debido a que el gobierno no quiere arriesgar a sus mejores hombres para lidiar con las fuerzas metahumanas de Enchantress, Amanda crea la Fuerza Especial X, la cual reunirá a varios villanos de Ciudad Gótica para combatir la amenaza; si los pierden durante el combate, nadie los extrañará.

Dentro de este grupo, tenemos a Deadshot (Will Smith), un sicario que fue atrapado por Batman; al Captain Boomerang (Jai Courtney), un ladrón impredecible que usa boomerangs; a El Diablo (Jay Hernandez), un hombre que puede controlar el fuego, pero que terminó encarcelado luego de asesinar a toda su familia; a Killer Croc (Adewale Akinnuoye-Agbaje), un humanoide caníbal con rasgos reptiles; y también al personaje más interesante de todos, Harley Quinn (Margot Robbie).

Harley Quinn es nada menos que la novia del Guasón (Jared Leto), una psicóloga a la que este manipuló para poder escapar del Asilo Arkham; Harley se transformó en su compañera de crimen y se encontraba en la cárcel por el asesinato de Robin. “Suicide Squad” significaba la primera vez que veríamos a Harley en la pantalla grande y, aunque Margot Robbie hace un trabajo increíble, la película no le hace justicia al personaje; no fue sorpresa para nadie que sexualizaran tanto a Harley Quinn, pero sí fue una decepción. Hay tanto material, pero insisten en mostrar sólo una faceta y, además, una faceta anticuada y sexista.

Así como el personaje de Harley Quinn no funciona, “Suicide Squad” tampoco. Más que una película, parece un video clip o un tráiler de dos horas, lleno de canción tras canción, sin mayor orden entre escena y escena, decorado con una villana que no actúa bien y que no consigue asustar a nadie; los integrantes del Escuadrón Suicida incluso tienen química entre ellos, pero ni eso es suficiente para salvar a esta película. Por otro lado, el personaje que la mayoría esperábamos ver como un aporte, no es más que una mera e insignificante aparición. El Guasón de Jared Leto prometía, pero tampoco cumplió; quizás tampoco ayudó toda esa publicidad sobre los métodos de Leto como actor, con historias de ratones muertos como regalos.

Qué lástima por “Suicide Squad”; fue una gran decepción. Me había emocionado tanto con ver algo diferente y entretenido que exigiré mi dinero de vuelta hasta que vea una segunda parte mucho mejor que la primera.

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Para alguien que no disfruta mucho del nuevo género de los superhéroes, es difícil mantenerse al día y seguir la línea de tiempo entre tantas secuelas, precuelas y spin-off. Al menos, durante la adolescencia, fue mucho más fácil seguir la historia de X-Men, por lo que ver “Deadpool” no sería una tortura. Las películas de X-Men eran bastante entretenidas, pero algo no se dio en “X-Men Origins: Wolverine” que resultó ser una decepción; lo mismo sucedió con el personaje de Wade Wilson. Cuando Ryan Reynolds explicó que quería hacerle justicia a ese personaje, todos aceptaron darle una segunda oportunidad. Y ahora sí las cosas funcionaron.

Wade Wilson (Ryan Reynolds) trabaja como mercenario: gana dinero por golpear y amenazar a otros tipos peores que él. Wade pasa su tiempo libre en un bar de mercenarios, en donde un día conoce a Vanessa (Morena Baccarin) y ambos se enamoran; la vida les sonríe hasta que a Wade le diagnostican cáncer terminal. Él ya está resignado, pero una especie de agente le ofrece una solución ultra secreta: Wade debe pasar por una serie de experimentos para que lo puedan curar. El encargado de los experimentos es el villano Francis Freeman, también conocido como Ajax (Ed Skrein).

Lamentablemente, los experimentos de Francis transforman la apariencia de Wade y, como lo describe uno de sus amigos, parece the inside of other people’s assholes, pero el lado positivo es que Wade ahora es un ser inmortal. A pesar de esta nueva cualidad, él quiere vengarse de todos modos, por lo que comienza a buscar a Francis, adopta la identidad de Deadpool y, junto a la ayuda de Colossus (Stefan Kapicic) y de Negasonic Teenage Warhead (Brianna Hildebrand), dos mutantes de la academia del Profesor X, sale en busca del enemigo.

El personaje de Deadpool, ahora sí, obtuvo su correspondiente justicia; bien por Ryan Reynolds. “Deadpool” es una película demasiado graciosa, desde el comienzo con los créditos, desde casi cada frase que Wade expresa hasta los palabreos a “Green Lantern” y a “X-Men Origins”. La acción tampoco decepciona; también es una película muy rápida y entretenida. Lo único que faltaría ahora sería hacerle justicia al personaje de Vanessa.

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El carisma de Cary Grant es difícil de olvidar, por lo que luego de ver “Bringing Up Baby”, ver otra película de su filmografía es un acto casi automático. En “Notorious”, Grant es dirigido una vez más por Alfred Hitchcock, en lo que se convierte en una película llena de suspenso y de misterio, como algunas de sus mejores cintas.

T. R. Devlin (Cary Grant) es un agente del gobierno que debe investigar a una organización nazi, la cual se trasladó a Brasil luego del término de la Segunda Guerra Mundial; soldado que huye, sirve para otra guerra. Devlin decide reclutar a Alicia Huberman (Ingrid Bergman), la hija norteamericana de un antiguo espía nazi, para que se infiltre en la organización.

Alicia y Devlin viajan hasta Brasil para esperar las próximas instrucciones de la misión, pero mientras están en Río de Janeiro, ambos se enamoran y protagonizan una de las escenas de besos más larga de lo que el código Hayes permitía. Devlin se encuentra en una situación problemática cuando Alicia debe fingir interés amoroso en Alexander Sebastian (Claude Rains), líder de la organización nazi, pero a pesar de las peleas, ambos enamorados continúan con la misión.

Una vez que Alicia gana la confianza de Alexander, se casa con él y consigue más acceso a su hogar, por lo que pronto descubre cierto misterio relacionado a una bodega de vinos. Sabemos que, dentro de la filmografía de Alfred Hitchcock, no se puede confiar en nadie, pero además de que los asesinos sean un enemigo temible, ahora el enemigo toma forma en simpatizantes de Adolf Hitler; no sé cuál de los dos es peor.

“Notorious” es una película intrigante, de aquellas que te hacen temer por tu seguridad al nivel de revisar cada puerta y cada ventana, sin luego sospechar que el enemigo está dentro del hogar, envenenando todo lo que bebes. La historia de amor no incomoda y sólo consigue que las cosas se vuelvan más tensas, pero el sentido de la justicia, o injusticia, hace que todo se sienta más real.

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“Ex Machina”, película dirigida por Alex Garland, se centra en algo a lo que deberíamos tenerle un poco de respeto y un poco de miedo: la tecnología. Citando al director y también guionista, se trata de una historia que podría darse en un futuro bastante cercano; cualquier día, algún trabajador de Google dirá “hemos creado un robot inteligente”, el cual podría pasar desapercibido entre nosotros los humanos. En "Ex Machina", en cambio, la empresa es una llamada Blue Book, cuyo CEO es Nathan Bateman (Oscar Isaac).

Nathan organiza una especie de concurso entre sus empleados, en donde un afortunado ganador podrá pasar una semana junto a él hablando de tecnología dentro de su lejana, lujosa y moderna mansión. El ganador es Caleb Smith (Domhnall Gleeson), uno de los mejores programadores de Blue Book, un tipo muy tranquilo y decente. Caleb admira mucho a Nathan y no se niega a la posibilidad de trabajar en un experimento que su jefe le propone: basándose en el test de Turing, Caleb podrá conversar con Ava (Alicia Vikander), una robot creada por Nathan, para comprobar si ella podría pasar desapercibida como humana.

Las sesiones de interacción entre Ava y Caleb comienzan bastante bien y, debido a que ella es una especie de inteligencia artificial, sí podría pasar fácilmente como uno de nosotros, pero las cosas se van volviendo algo incómodas cuando Caleb y Ava comienzan a desarrollar sentimientos por el otro; ella incluso le advierte a Caleb que no confíe en Nathan y, debido al miedo que ella demuestra, Caleb decide crear un plan para escapar junto a Ava.

Las películas siempre nos enseñan a que no se puede confiar en nadie, muchos menos en una persona egocéntrica y ambiciosa que juega a crear seres humanos y luego hacerles creer que le pertenecen. "Ex Machina", además, nos enseña que tampoco se puede confiar en las máquinas, ni en la tecnología, ni en la inteligencia artificial, ni siquiera en alguien a quien creaste y a quien mantuviste encerrado por tanto tiempo. Hay algunas escenas que recuerdan tanto a “2001: A Space Odyssey” como también a “La Piel que Habito”; podría decirse que "Ex Machina" pertenece a ese tipo de terror.

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Venganza; qué hermoso concepto. Quien no lo haya pensado, que tire la primera piedra. Quien no la haya conseguido, debería aprender una o dos cosas del cine coreano, ya que nadie se venga mejor que los personajes de Park Chan-wook.

1. SYMPATHY FOR MR. VENGEANCE (2002)

La trilogía de la venganza tiene una reputación de ser bastante intensa y de llegar a niveles gore. Más que traumar, la primera parte de esta trilogía, "Sympathy for Mr. Vengeance", nos hace pensar que siempre existirá alguien con peor suerte que nosotros. Ryu (Shin Ha-kyun) es un joven sordo mudo que vive con su hermana (Im Ji-eun); ella está muy enferma y necesita un trasplante de riñón. Ryu hace de todo para conseguírselo, incluso vende el suyo, pero nada funciona hasta que decide secuestrar a la hija de un millonario empresario. Desde ese momento en adelante, todo se vuelve en un caos: secuestros, muertes accidentales y muertes cobradas en venganza. La historia se convierte en una cadena de muerte y venganza que parece que terminará con todo el mundo.

2. OLDBOY (2003)

"Oldboy" debe ser la película más conocida de esta trilogía y es la única que ha sufrido del mal del remake estadounidense; sólo el tráiler ya se ve bastante aburrido. “Oldboy” también es mucho más intensa y violenta que la primera entrega, sobre todo, gracias a aquellas finales revelaciones. En esta historia, el protagonista es Dae-su (Choi Min‑sik), un hombre que es secuestrado sin motivo aparente, por lo que es obligado a pasar quince años lejos de la civilización. Cuando por fin es dejado en libertad, sólo piensa en vengarse de quienes lo encerraron, pero es atraído por una joven cocinera llamada Mido (Kang Hye-jung). Lo más interesante de “Oldboy” es ver cómo Dae-su investiga e investiga hasta dar con cada una de las respuestas que necesita, pero la verdad acerca de su encarcelamiento es tan increíble que es inevitable sentir tanta pena como asco.

3. SYMPATHY FOR LADY VENGEANCE (2005)

Y finalmente, mi favorita de las entregas de esta trilogía, "Sympathy for Lady Vengeance", en donde tenemos a Lee Geum-ja (Lee Yeong-ae), una joven que estuvo trece años en la cárcel por secuestrar y asesinar a un pequeño niño; Lee es completamente inocente, pero, por alguna razón, le hace creer a todo el mundo que es la verdadera culpable. Cuando es dejada en libertad, Lee tiene preparada su venganza; varias de sus ex compañeras de celda le ayudan de distintas maneras, ya que Lee había ganado su confianza al hacerles varios favores dentro de la cárcel. Lee logra dar con el paradero del señor Baek (Choi Min‑sik), el verdadero culpable, un secuestrador de niños que no ha podido ser juzgado. Lee está a punto concretar su venganza, pero decide contactar a los familiares de todas las víctimas y dejar que ellos cobren venganza con sus propias manos, lo que se convierte en uno de los debates éticos más complicados que he visto en alguna película.

Intensas, inteligentes e increíbles, esta saga coreana consigue que le asignemos un nuevo respeto a la idea de la venganza.