We'll always have Paris

Jake Hoyt (Ethan Hawke) es un oficial de la policía de Los Ángeles que está a punto de ser promovido, por lo que es asignado al detective Alonzo Harris (Denzel Washington) para ser evaluado durante todo un día. Alonzo tiene una excelente reputación y muchos méritos a su haber, por lo que Jake está bastante ansioso de impresionar a su monitor, pero, a medida que avanzan las horas, Jake comienza a notar la clase de policía que Alonzo es, uno no muy admirable que digamos.

"Training Day" es una de esas películas perfectas para ver durante alguna tarde del fin de semana.

Cecilia Kass (Elisabeth Moss), una arquitecta, por fin logra escapar del lugar en donde vivía con su abusivo marido, Adrian (Oliver Jackson-Cohen). Con la ayuda de su hermana, Emily (Harriet Dyer), Cecilia consigue llegar hasta la casa de su mejor amigo, James (Aldis Hodge). Cecilia comienza a adaptarse a su nueva realidad, pero continúa viviendo con el miedo de que Adrian podría aparecer frente a ella en cualquier momento. Cierto día, le informan que su marido ha muerto y que tiene derecho a una inmensa herencia monetaria. Cuando las cosas parecen mejorar en su vida, Cecilia comienza a sentir una extraña presencia a su alrededor; se siente observada y nota que algunos objetos se mueven solos. Sabe que no se trata de algo sobrenatural, está segura de que hay alguien más a su lado.

Dirigida por Leigh Whannell, el mismo escritor a cargo de la saga de "Saw", "The Invisible Man" genera una especie de terror que se siente cercano, porque, lamentablemente, historias como la de Cecilia son bastante comunes en nuestra sociedad; una presencia conocida, temida y violenta es mucho peor que una desconocida.

Simon Spier (Nick Robinson) es un adolescente que vive una vida tranquila, feliz y corriente: es un excelente alumno, tiene una adorable familia y un leal grupo de amigos, pero Simon esconde un secreto frente a todos; el joven es, en realidad, gay. Cierto día, Simon comienza a intercambiar correos con Blue, un anónimo compañero de colegio quien decide contar que también es gay a través de una publicación en el blog escolar; ambos comparan experiencias de vida y Simon comienza a enamorarse de él. Lamentablemente, otro compañero de Simon, Martin (Logan Miller), lee estos correos y decide chantajearlo: o le ayuda a conquistar a Abby (Alexandra Shipp), una de sus mejores amigas, o expondrá el secreto de Simon ante todo el colegio.

"Love, Simon" es una adorable y refrescante comedia romántica adolescente, una que se hubiese agradecido en otros épocas, ya que trata el tema de la homosexualidad de Simon con mucho respeto y tacto; a pesar de que algunos personajes a su alrededor tengan prejuicios y, a pesar de que incluso sus mejores amigos tengan un par de actitudes cuestionables, no hay que olvidar que la historia se da en un contexto adolescente, contexto en el cual podemos darnos el lujo de cometer errores.

De todos modos, hay muchas cosas más rescatables dentro de "Love, Simon", como su soundtrack, por ejemplo, o las actuaciones de los protagonistas. Es una señal de esperanza que las nuevas generaciones cuenten con una película como esta dentro de su repertorio.

Harlan Thrombey es un millonario escritor de novelas de misterio, quien es encontrado muerto luego de la celebración de su cumpleaños número ochenta y cinco. La policía y el detective Benoit Blanc (Daniel Craig) reúnen a toda la familia para descifrar el misterio, ya que la muerte de Harlan habría sido un asesinato. Cada integrante parece ser un personaje tomado de alguno de los libros de Harlan: Linda (Jamie Lee Curtis), la hija mayor, fría y responsable, quien vive con los inútiles de su marido, Richard (Don Johnson) e hijo, Ransom (Chris Evans); la nuera influencer, Joni (Toni Collette) (”leí un tweet sobre un artículo sobre usted”) y su hija liberal feminista, Meg (Katherine Langford); Walt (Michael Shannon) el hijo ambicioso y su pequeño hijo nazi, Jacob (Jaeden Martell) quien no teme a realizar una intervención live en Instagram mientras el testamento es leído; y, por último, casi como de la familia, Marta (Ana de Armas), la enfermera de Harlan. 

Todos los personajes parecieran tener un motivo para haber asesinado a Harlan o, de alguna manera, terminan apareciendo en la lista de sospechosos. Por suerte, gracias a la inteligencia del detective Blanc y a la inteligencia del guión, escrito por su mismísimo director Rian Johnson, "Knives Out" se convierte en una película increíblemente entretenida, graciosa y lista; tanto los diálogos como los giros de trama son muy acertados y sorprendentes y, aunque hayan querido tildar la película como una compleja y confusa, sólo basta con ponerle bastante atención para dejarnos ser guiados hasta donde el director lo propuso.

Definitivamente, "Knives Out" es una de las mejores películas del año pasado.

Pareciera que una estadía en un hospital psiquiátrico no fue de mucha ayuda para Ingrid Thorburn (Aubrey Plaza). Tras atacar a una joven de la que creía ser su mejor amiga, Ingrid vuelve a obsesionarse con otra persona a la que observa a través de las redes sociales, específicamente, a través de Instagram.

Esta nueva influencer es Taylor Sloane (Elizabeth Olsen), la típica famosilla de internet que, a pesar de no tener trabajo, puede darse todo ese tipo de lujos que a veces quisiéramos y se gana todos los likes y comentarios que a veces también quisiéramos. Es tanta la obsesión que siente Ingrid que la joven es capaz de hasta mudarse a otra ciudad con tal de acercarse a Taylor; en un principio, las cosas le salen bien, ya que se maneja en esto del stalking, pero pronto su carácter obstinado le vuelve a jugar una mala pasada.

Contando con un extraño humor que sí funciona y contando también con buenas actuaciones, “Ingrid Goes West” nos recuerda que todo el éxito que tienen ciertas personas en internet no es, en verdad, lo que parece.

A pesar de que la escena final es algo cursi, "North by Northwest" es una película increíble; está llena de misterio, desconfianza y acción y tiene aquel gran detalle de contar con villanos tan carismáticos y tan bien interpretados como su personaje principal; las actuaciones de James Mason y de Martin Landau son maravillosas, sobre todo la de Landau, quien es casi completamente irreconocible. Su personaje, además, se burla del código Hays de la época. 

Gracias a series como “The Walking Dead”, el género de los zombies comenzó a volverse muy aburrido, pero gracias a películas como “Train to Busan”, los muertos vivientes volvieron a vivir un momento de gloria. Cuando una película sobre estos monstruos es anunciada como una guerra mundial, la curiosidad y el miedo vuelven a surgir, pero no podemos olvidar que la clave es no crear expectativas.

“World War Z”, dirigida por Marc Foster y protagonizada por Brad Pitt, parte desde la buena premisa de un virus desconocido y letal que transforma a los seres humanos en seres hambrientos y peligrosos, pero la historia sólo se queda en eso, ya que no ofrece nada más que un par de momentos de acción y un par de sustos que pronto son olvidados. La película tampoco consigue causar empatía por ninguno de los personajes y, a pesar de lidiar con zombies, ni siquiera podemos apreciar un ataque digno por parte de estas criaturas en contra de algún humano. 

Tanto título para nada.

"Birth" contiene aquella estética misteriosa, la cual indica que algo muy extraño está a punto de suceder. La historia comienza cuando, luego de la muerte de su marido, Anna (Nicole Kidman) recibe la visita de un niño de diez años llamado Sean (Cameron Bright), quien asegura ser su difunto esposo y quien le pide que no se case con Joseph (Danny Huston), el nuevo novio de Anna. Ella y su familia creen que es una broma, pero las cosas se complican cuando Sean insiste en que Anna es su esposa y que deberían retomar su matrimonio; al parecer, Sean es bastante convincente.

Puedo entender la controversia de "Birth", ya que siempre será incómodo ver a adultos circulando alrededor de menores de edad con ciertas intenciones, pero, más allá de aquel detalle, la película es mucho más creepy e intensa debido al misterio que rodea al pequeño Sean y a la veracidad de sus palabras; al igual que el personaje de Nicole Kidman, la audiencia puede dudar y luego puede creer debido a la vehemencia de Sean. "Birth" termina convirtiéndose en una película incómoda, pero intrigante.

Porque, a pesar de que Alice Hyatt es una ama de casa como cualquier otra y,a pesar de que quizás varios productores desecharon el producto como algo aburrido, la actuación Ellen Burstyn logra que la historia de "Alice Doesn't Live Here Anymore" sí sea un relato interesante; su personaje también es muy adorable y querible, pero no carece de complejidades ni de defectos. Una historia como la de esta película y un personaje como el de Alice parecen haber sido un gran avance en cuanto a historias femeninas durante los años '70 y espero que Martin Scorsese vuelva a recordar este aporte cuando se trate de sus futuras películas.

Will (Logan Marshall-Green) y su novia Kira (Emayatzy Corinealdi) viajan hasta las alturas de Hollywood para visitar a Eden (Tammy Blanchard), la ex esposa de Will. Eden y su ahora nuevo marido, David (Michiel Huisman), han invitado a varios amigos a cenar. Will tenía bastantes dudas de asistir a aquella cena, ya que él y Eden se separaron tras la trágica pérdida de su pequeño hijo y aquella reunión significaría la primera vez que ve al resto de sus amigos luego de dos años, por lo que de seguro habrá momentos incómodos.

Lo que, en realidad, es incómodo es la actitud tanto de David como de Eden, quienes hablan y actúan de una manera muy particular; cuando dos desconocidos y peculiares invitados aparecen en el lugar, no sólo es Will quien comienza a sospechar del comportamiento de los anfitriones, ya que a sus amigos también se les pasa por la cabeza la palabra “culto”.

Existen películas que provocan mucha ansiedad y existen otras películas que recuerdan lo que es sentir ansiedad; esa sensación de pensar que siempre estamos en peligro, que algo extraño va a pasar o que alguien quiere hacernos daño. “The Invitation” es un buen ejemplo de aquel género de películas. 

Nunca he jugado Clue, pero una buena adaptación, llena de humor negro, siempre será bienvenida. Además, el hecho de que tenga tres posibles finales, tal y como en un juego de mesa, hace que la película sea mucho más interesante.

Bella Swan (Kristen Stewart) es una adolescente que debe mudarse desde Arizona hasta la fría y oscura ciudad de Forks, en Washington. Bella es tímida y reservada, pero, por razones que recuerdan a las fanfictions, de inmediato llama la atención de varias personas dentro su nuevo colegio. Una de esas personas es Edward Cullen (Robert Pattinson), un misterioso joven que es tan reservado como Bella; la joven también se siente atraída hacia él, pero el aire misterioso de Edward esconde un secreto más grande: es, en realidad, un vampiro.

No culpo a Bella de haberse fijado en un vampiro, ya que sí tienen un aire muy interesante y pueden otorgarte la vida eterna, pero el personaje de Edward, esa especie de galán adolescente sensible y traumado que la ama, pero que no quiere hacerle daño y por eso la ignora y la aleja, ya es algo del pasado. Tampoco culpo a Kristen Stewart por la falta de carisma de su personaje; recuerdo que leí un par de capítulos del primer libro de “Twilight” y, de verdad, no hay mucho qué hacer con Bella. Pero si “Twilight” tiene un mérito es que, por alguna razón y, con el tiempo, ha conseguido convertirse en una especie de obra de culto, de la cual nos podemos burlar o podemos admirar por igual.

De la misma mente creadora de "John Wick", “Atomic Blonde” está al mismo nivel de entretención, tiene excelentes escenas de peleas gracias a sus coreografías y su estéticamente es maravillosa.

Gracias a un tráiler increíblemente repulsivo, “Cats” irrumpió en la escena como una película llena de críticas negativas, incluso antes de su estreno programado; la mezcla de efectos especiales sobre los cuerpos de los actores para formar figuras felinas humanoides se veía incómoda y desaliñada para una producción musical de tal nivel que “Cats” demostraba ser.

Dirigida por Tom Hooper, quien también estuvo a cargo de “Les Misérables”, esta película está basada en el musical del mismo nombre, producido por Andrew Lloyd Webber, y el cual fue un éxito en Broadway. La obra cuenta la historia de Victoria (Francesca Hayward), una pequeña gata que es abandonada en las calles de Londres; la banda de los Jellicles adopta a Victoria y le muestran su pequeño mundo, preparándola también para el gran evento en donde todos los gatos del lugar compiten para ir al Cielo y ganar una nueva vida.

Victoria conoce a muchos otros personajes, como Old Deuteronomy (Judi Dench), Mr. Mistoffelees (Laurie Davidson), Rum Tum Tugger (Jason Derulo) y Grizabella (Jennifer Hudson), quien está a cargo de la versión de “Memory”, quizás la canción más popular dentro del musical y quizás el único momento memorable de “Cats”. La película falla gravemente en cuanto a los efectos especiales, efectos tan horribles como aquellos que se hacían en otra época, efectos que ni siquiera entienden el tamaño de un gato y logran que los personajes se acerquen más a la figura de un ratón que a la de un felino; todo se vuelve todavía más extraño cuando ratones aparecen dentro de un número musical.

“Cats” también cuenta con actuaciones mediocres y sobreactuadas que no logran salvar la historia; además, la producción pareciera no tener vida ni cariño por el género musical, ya que la película es una cinta vacía y apagada, aburrida y carente de aquel carisma que nos hace disfrutar este tipo de musicales. Básicamente, creo que “Cats” fue hecha solamente para ganar nominaciones a los premios Oscar, convirtiéndose en parte de las películas llamadas Oscar bait, y resultó ser un completo desastre.

En 1934, la escritora Lillian Hellman estrenó una obra llamada “The Children’s Hour”; fue un éxito en el teatro debido a las actuaciones de las actrices principales y a la temática, todavía bastante polémica para aquella época. La obra se centra en las amigas Martha Dobie y Karen Wright, ex compañeras de universidad que dirigen un exclusivo colegio para niñas.

Suele pasar que, debido a rabietas o a cosas que ve, pero que no entiende, una niña puede equivocarse e inventar cosas para perjudicar a quienes la regañaron o la ofendieron, muy al estilo de Briony Tallis en “Atonement”. Es de esta manera que Mary Tilford (Karen Balkin) le cuenta a su abuela, Amelia (Fay Bainter), que ambas directoras del colegio tienen una relación secreta, rumor que pone en peligro la reputación de Martha y Karen, así como también la reputación del colegio que tanto esfuerzo les tomó fundar.

La obra fue adaptada al cine por primera vez en 1936, bajo el nombre de “These Three”, pero, por culpa del infame código Hays y de la insistente homofobia, todo rastro de siquiera insinuación al lesbianismo tuvo que ser eliminado y la historia fue convertida en un triángulo amoroso heterosexual. Dios mío. Pero, por suerte, en 1961, William Wyler decidió volver a dirigir la historia; esta vez, dejaría que la versión original viera la luz.

Protagonizada por Audrey Hepburn y Shirley McLaine, esta nueva película disfrutó del mismo éxito que la obra de 1934. Es una historia sensible y delicada, casi tratada con pinzas, en donde las actuaciones nos hacen recordar por qué ambas actrices son las leyendas que son. Sé que las historias LGBTQ son las primas lejanas de Hollywood o que siempre se enfocan en la desgracia y “The Children’s Hour” no es la excepción, pero también es sorpresivo y agradable ver que, en alguna época impensada, el cine se atrevió a contar una historia distinta.

"Hustlers" es una película basada en hechos reales y está increíblemente dirigida por Lorene Scafaria, quien respeta tanto la historia como respeta el mundo de las bailarinas nocturnas; a pesar de ser un relato sobre bailarinas que exponen su cuerpo, ninguna de las actrices aparece desnuda, por ejemplo, ni baila para satisfacer a un hombre en específico. De hecho, la escena inicial que retrata el baile de Ramona, es una secuencia completamente dedicada a este personaje, quien es observada a través de la mirada de Destiny. La historia también se concentra en cómo las bailarinas disfrutaban aquel mundo de vida nocturna al principio y de la manera en que trataron de adaptarse a las sobras que la crisis de Wall Street dejó. 

"Hustlers" también puede ser parte de aquel nuevo género llamado "eat the rich", en donde las críticas a la ambición y a la crueldad de aquellos pocos poderosos son fundadas; como decía el personaje de Ramona, sólo estaban estafando a quienes ya habían estafado a todo un país.

Ambientada durante la ocupación británica en Australia en el siglo XIX, "The Nightingale" se encarga de demostrarnos toda la violencia y todo el racismo que reinó en aquella época a manos de los soldados. La discriminación en contra de la comunidad nativa era una cuestión completamente normalizada, así como también los abusos sexuales en contra de las mujeres; se entienden las críticas hacia la interpretación de Jennifer Kent, pero también se comprende su idea de ser fiel a la verdadera historia de todas aquellas víctimas.

"The Nightingale" no es una película fácil de ver; desde el comienzo, nos encontramos con escenas muy gráficas de una violación. Sin querer defender la representación de un acto tan repudiable, debo decir que existe una clara diferencia entre aquellas escenas dirigidas por un hombre y dirigidas por una mujer; un director siempre querrá mostrar el cuerpo desnudo de la víctima, mientras que una directora querrá mostrar su dolor, sentimiento que se retrata en "The Nightingale". De todos modos, son secuencias que pueden herir la sensibilidad de sus espectadores, por lo que es comprensible que no todos puedan lidiar con la trama de esta cinta.

A pesar de aquel crudo retrato, "The Nightingale" nos presenta una temática interesante, una que la mismísima directora descubrió cuando leía acerca de los encarcelamientos femeninos durante aquella época de la invasión; había un creciente número de mujeres dentro de las cárceles, ya que para ellas era mucho más seguro estar encerradas que estar en sus hogares, enfrentando la amenaza de la presencia violenta de los soldados. Justificable.

Películas como “The Piano” existen para recordarnos lo horrible que fue ser una mujer durante épocas todavía más sexistas que las actuales y para recordarnos que un retrato tan desconsolador sólo puede ser más comprensible bajo la mirada de una mujer. Jane Campion es una directora capaz de mostrar una historia cruda y cruel, pero, al mismo tiempo, tratarla con una sensibilidad digna y esperanzadora.