We'll always have Paris

Jamie (Michael Cera) es un estadounidense veinteañero que se encuentra de vacaciones en el fin del mundo: Chile. Siempre está acompañado de su amigo, Champa (Juan Andrés Silva), quien lo guía a través de varias fiestas y lugares típicos de nuestro país. Durante una de estas varias fiestas, Champa y Jamie conocen a Crystal Fairy (Gaby Hoffman), una joven demasiado hippie para el gusto de cualquier persona y tan estadounidense como Jamie.

Mientras están drogados, Jamie invita a Crystal Fairy al viaje que él, Champa y los hermanos de este harán a una playa de Copiapó, pero al día siguiente, cuando Crystal de verdad lo llama para confirmar el viaje, a Jamie le da mucha lata. Para no ser maleducados, invitan a Crystal, de todos modos, a ir con ellos a esta aventura que también incluye una búsqueda de San Pedro, un cactus que, supuestamente, tiene un efecto algo alucinógeno.

Mientras veía “Crystal Fairy”, comencé a sentirme de la misma que el personaje de Jamie. Luego de un par de interacciones, la ideología de las personas autoproclamadas como hippies, se vuelve bastante molesta; no es que sus ideas no sean respetables, es que quieren evangelizar a todo el mundo con su ideología tan prejuiciosa. Un personaje puede arruinarte una película, así que no creo que vuelva a ver "Crystal Fairy" en algún próximo momento.

Susanna (Julianne Moore) es una cantante de rock que vive en un hermoso departamento, ubicado en Nueva York. Susanna está en una complicada relación con Beale (Steve Coogan), un inglés que siempre está ocupado con sus negocios, y los dos tienen una hija en común: Maisie (Onata Aprile). Maisie tiene cinco años, es la niña más tierna y adorable del mundo y, es tan inocente, que apenas entiende la situación por la que están pasando sus padres.

Susanna y Beale ya no se soportan, por lo que su relación termina en divorcio. La justicia les otorga custodia compartida, por lo que Maisie debe pasar diez días con su padre y otros diez, con su madre. Mientras está en el departamento de Beale, Maisie queda bajo el cuidado de Margo (Joanna Vanderham), la nueva esposa de su padre, ya que él continúa bastante ocupado con sus negocios. Cuando Maisie vuelve al departamento de Susanna, queda al cuidado de Lincoln (Alexander Skarsgård), un barman con el que Susanna se casó solamente para poder obtener la custodia completa de Maisie; los dos apenas se conocen. Algo abandonada por sus padres, Maisie se ve en la encrucijada de pasar más tiempo con sus padrastros que con sus propios progenitores.

“What Maisie Knew” es tan adorable como su misma protagonista, ya que la historia está contada a través de la perspectiva de la pequeña; durante las escenas entre Susanna y Beale, por ejemplo, no podemos escuchar ni observar muy bien las cosas hasta que Maisie aparece en escena. Existen algunas películas que sirven como anticonceptivo y existen otras, como "What Maisie Knew", que te dejan con muchas ganas de tener una hija como Onata Aprile y criarla junto a Alexander Skarsgård.

Inglaterra, siglo XVI. El reinado de Mary I (Kathy Burke), la hija mayor de Henry VIII, no anda muy bien. Existe mucha rivalidad entre las personas que continúan profesando la religión católica y quienes se integraron a la religión protestante, luego de que Henry rompiese relaciones con el Papa. La vida personal de Mary tampoco va muy bien: su marido ya no la quiere, no pudieron tener hijos y la heredera al trono tendría que ser su media hermana Elizabeth (Cate Blanchett); Mary no la estima mucho, ya que Elizabeth es hija de Anne Boleyn, la mujer que traicionó a la reina Catalina de Aragón, madre de Mary.

Los integrantes de la Corte tampoco quieren que Elizabeth sea la próxima reina, debido a que fue criada bajo la religión protestante, pero no hay mucho que puedan hacer, ya que Mary la declara su sucesora, de todos modos. Elizabeth es coronada como reina del Reino Unido con apenas veinticinco años y, de inmediato, comienzan las artimañas de los hombres a su alrededor: quieren que contraiga matrimonio lo más pronto posible, con el fin de proporcionar un heredero varón para el reino; hay otros que quieren asesinar a Elizabeth por hereje, otros le aconsejan declarar la guerra y hacer varias cosas con las que Elizabeth no está de acuerdo, pero de las que, gracias a su inteligencia, sabrá librarse.

Elizabeth I fue una reina demasiado genial y empoderada para su época; durante todo su reinado, fue aconsejada de contraer matrimonio, algo a lo que siempre se negó, y comenzó a gobernar mucho mejor después de dejar de escuchar a los hombres que eran parte de la Corte. A pesar de sentir que me faltó historia en "Elizabeth", la actuación de Cate Blanchett y el legado de su personaje siempre serán mayor a todo.

Inglaterra, siglo XVI. Thomas Boleyn (Mark Rylance) y su esposa Elizabeth (Kristin Scott Thomas) tienen tres lindos hijos: Anne (Natalie Portman), Mary (Scarlett Johansson) y George (Jim Sturgess). Thomas es ambicioso y desea que, en el futuro, estos hijos puedan contribuir a la reputación de la familia Boleyn. Primero, decide casar a Mary con William Carey (Benedict Cumberbatch), un hombre bastante decente para la época, pero Thomas tiene más esperanzas para Anne, quien es tan ambiciosa como él. 

Gracias a la ayuda del hermano de Elizabeth, la familia consigue arreglar una visita del rey Henry VIII (Eric Bana) y tienen la esperanza de que él se fije en Anne, ya que está casi desesperado por tener un heredero varón. En un principio, el rey sí parece interesado en la joven Anne, pero luego desvía la mirada hacia Mary. Sin importar su estado civil, ella es llevada a la Corte, para hacer de dama de compañía de reina Catalina de Aragón (Ana Torrent). Tiempo después, Mary le da el ansiado varón a Henry, pero su atención se ha vuelto nuevamente hacia Anne.

La obsesión por todo lo que tenga que ver con la realeza, herederos al trono, traiciones, ambiciones y juegos de poder es real; debe ser uno de los episodios favoritos dentro de la historia del Reino Unido. "The Other Boleyn Girl" cumple con ese objetivo de darle un toque más dramático e idealizado a estos hechos históricos y, a pesar de que varias veces me incomodan los estadounidenses tratando de hacer acentos ingleses, ambas protagonistas hacen un buen trabajo.

Nader (Peyman Moaadi) y Simin (Leila Hatami) son una pareja iraní que está pasando por un difícil proceso de divorcio. Nader no quiere separarse de su esposa, pero Simin necesita cambiar su estado civil para poder mudarse a vivir al extranjero. Una de las dificultades que deben resolver es la custodia de su hija de once años, Termeh (Sarina Farhadi); la pequeña quiere seguir viviendo en la casa familiar con su padre y su abuelo, y no tiene ganas de vivir en otro país.

Nader tampoco quiere mudarse debido a la situación de su padre, un hombre mayor que sufre de Alzheimer y quien depende de su hijo en todo aspecto. Como Simin ya no vive en casa, no hay nadie que pueda cuidar al abuelo; Nader decide contratar a una mujer llamada Razieh (Sareh Bayat), recomendada por la misma Simin. Las cosas entre Razieh y Nader no se dan muy bien e, incluso, discuten después de una equivocación; para mala suerte, Razieh cae por las escaleras y pierde al bebé que estaba esperando.

“A Separation”, además de mostrar un drama familiar increíble, combate todos los prejuicios sobre las temáticas que Irán pueda aportar al cine. No nos muestran una sociedad absolutamente quebrada por la religión o la misoginia, temas importantes también, sino que nos deja ver una realidad que nunca tenemos la oportunidad de ver y que nos recuerda que hay mucho más en aquellos lugares que lo que el cine occidental nos quiere ofrecer.

Gloria Cumplido (Paulina García) es una mujer de 56 años. Tiene dos hijos, Pedro (Diego Fontecilla) y Ana (Fabiola Zamora), y lleva bastante tiempo separada. Gloria también trabaja en una oficina, vive sola en un departamento, es muy independiente y, para disfrutar el tiempo libre, va a una discoteca para gente mayor que quiere rehacer su vida. Gloria asiste por su propia cuenta, ya que así le será más fácil encontrar una potencial pareja.

En una de estas salidas, Gloria conoce a Rodolfo Fernández (Sergio Hernández), otro hombre mayor que también está separado. Rodolfo se enamora rápidamente de Gloria, ya que ella es muy interesante y bonita, así que los dos comienzan una relación. En un principio, todo sale bien: pasan mucho tiempo juntos, Gloria incluso lo presenta a la familia, pero después, ella va notando que Rodolfo no es tan genial y que la dependencia de sus hijas jamás lo dejará ser libre.

Primero que todo, Gloria, mucho más el personaje que la película en sí, es maravillosa, porque el talento de Paulina García se encarga de darle aquel toque a la cinta; si ha ganado tanto reconocimiento como actriz, durante el último tiempo, es gracias a esto. No siempre soy fanática del cine chileno, pero que una película nacional decidiera contar una historia sobre la vida de una mujer de cierta edad, es admirable.

En la hermosa región de Riviera, han sucedido varios robos de joyas y la policía tiene un solo sospechoso en mente: John Robie (Cary Grant). Varios años atrás, John se dedicaba a robar objetos de valor y lo apodaban “El Gato”, ya que era un experto en pasar desapercibido durante las noches y en trepar por los techos a modo de escape. Esta vez, John asegura que él no es el nuevo ladrón y está determinado a demostrar que es inocente.

Es así, entonces, que John se une a H. H. Hughson (John Williams), un agente de seguros, quien le da una lista de las personas que poseen las mejores joyas dentro de la ciudad. Básicamente, lo que ambos quieren es atrapar al ladrón con la ayuda de los conocimientos de John. La primera persona que aparece en esa lista es Jessie Stevens (Jessie Royce Landis), una estadounidense millonaria, y su hija, Frances Stevens (Grace Kelly), una joven que siempre está alerta frente al desinterés de su madre por sus joyas. John comienza a entablar una amistad con ambas, pero Frances es mucho más astuta de lo que parece.

Además de la cinematografía, creo que una de las cosas más hermosas de "To Catch a Thief" es el personaje de Grace Kelly; es tan interesante como bello y todo gracias al mismo carisma de la actriz y a ese perfecto vestuario a cargo de Edith Head. Es lo que más rescato, porque me faltó aquel suspenso por el que Alfred Hitchcock es tan reconocido.

Han pasado nueve años desde que Jesse (Ethan Hawke) y Céline (Julie Delpy) se reencontraron en París tras la publicación de uno de los libros de Jesse. Ahora, la pareja se encuentra de vacaciones en Grecia, en una casa hermosa con vista al mar, y donde fueron invitados por otro escritor. Jesse y Céline viven en París, tienen dos hijas, Ella y Nina, y a veces los visita Henry, el hijo mayor de Jesse, quien pasa algunos meses con ellos. Los protagonistas han conseguido construir una linda vida tras haberse conocido en aquel tren años antes.

Cuando se acerca el final de las vacaciones en Grecia, otra pareja amiga de Jesse y de Céline les regalan una estadía, por una noche, en un hotel. Céline y Jesse, entonces, comienzan recorrer el sur de la región de Peloponeso y hacen a lo que mejor se dedican: conversar y analizar la vida, pero ahora aquel análisis es mucho más distinto después de la aparición de los hijos en sus vidas.

Cada vez que veo las dos primeras partes de la trilogía "Before...", termino cuestionándome demasiadas cosas: la soltería, la vida en pareja, quienes han sido parte importante de mi corta vida, un viaje a Europa. Cuando terminé de ver “Before Midnight”, terminé pensando, incluso, hasta en el matrimonio de mis padres o en los hijos de otras personas. Me encanta que la trilogía deje temas para reflexionar, sobre todo cuando son temas tan reales y tan debatibles que puedes discutirlos durante un agradable almuerzo en el patio de algún hogar griego. 

Me encantan ese tipo de conversaciones y me encanta que existan personas con quien llevarlas a cabo, pero ninguna conversación ha sido tan perfecta ni tan real como las de Céline y Jesse. En envidiable que dos personas, tras años y años, todavía tengan la misma conexión que tuvieron la primera vez que se vieron. “If you want true love, then this is it. This is real life. It’s not perfect, but it’s real”.

Jerry Falk (Jason Biggs) tiene veintiún años y es un escritor de comedia que está tratando de escribir su primera novela. Jerry vive en Manhattan y acaba de divorciarse. Nadie entiende por qué se casó tan joven, ni yo tampoco, pero él siempre explica que tiene un problema para poder dejar a las personas atrás. El mejor amigo de Jerry es David Dobel (Woody Allen), un tipo de sesenta años que también se dedica a escribir comedia.

Ambos se juntan todos los días en Central Park para hablar de sus problemas. Sucede que Jerry está completamente enamorado de su novia, Amanda Chase (Christina Ricci), una aspirante a actriz algo complicada: cree que está demasiado gorda, tiene problemas para dormir y es dueña de un carácter bastante difícil de llevar. Además de eso, Jerry y su problema de abandono no funciona con su agente, quien no le consigue ningún trabajo que valga la pena, ni con su psicólogo, quien no le presta mucha atención.

Creo que para todos quienes estén pasando por algo parecido a lo que Jerry estaba pasando, sería genial tener a un David como consejero; él era mejor psicólogo y agente que los verdaderos cercanos de Jerry. De nuevo, no es la mejor película de Woody Allen, pero, al menos, la última escena entre su personaje y el de Jason Biggs es bien adorable. 

Jake Gittes (Jack Nicholson) es un detective privado que vive en Los Ángeles. Alguna vez trabajó para la policía en el Barrio Chino de la ciudad, pero ahora se dedica a ayudar a quienes creen que sus cónyuges los están engañando; Jake resuelve los casos la mayoría de las veces. Cierto día, aparece en su oficina la señora Evelyn Mulwray (Faye Dunaway), una mujer bastante elegante; ella necesita que Jake averigüe si el señor Mulwray (Darrell Zwerling), el jefe de Ingenería del Departamento de Aguas de Los Ángeles, la está engañando.

Jake comienza a seguirlo y le toma fotografías mientras se reúne con una joven muy bonita. El escándalo llega a la prensa y Jake encuentra una nueva visita en su oficina: la verdadera Evelyn Mulwray. Gittes nota que ha sido involucrado en una trampa, por lo que busca al señor Mulwray para resolver el problema, pero el cuerpo del ingeniero es encontrado flotando en un río. Poco a poco, Jake sigue las pistas de lo que pudo haber causado la muerte de Mulwray y, es de esa manera, que encuentra a Noah Cross (John Huston), un hombre que tiene mucho más que ver con Evelyn y con la amante de Mulwray de lo que Jake cree.

Si no me equivoco, "Chinatown" debe ser la primera película del género neo noir que veo y me alegra mucho haber visto una tan buena. Leí que el guión de “Chinatown” es tan perfecto que es utilizado como material para clases de cine y de escritura. Hay momentos en los que es preferible que los guionistas decidan que nosotros descubramos el misterio al mismo tiempo que el protagonista; esa técnica funciona perfecto en "Chinatown". Lo lamentable es que la película haya sido dirigida por Roman Polanski.

No puedo elogiar del todo ninguna película que él haya dirigido, no sólo por el crimen que cometió, sino que también por las varias historias de sus roces con Jack Nicholson y con Faye Dunaway, a quien, incluso, le sacó un mechón de cabello. Deja bastante para pensar que la imagen del personaje de Evelyn haya sido moldeado tras la imagen de la propia madre de Polanski y es, justamente, a quien peor trata. Well, well, well...

Ellie (Téa Leoni) es una exitosa productora de cine que sale con Hal Jaeger (Trent Williams), un ejecutivo de una gran compañía llamada Galaxie. La empresa le acaba de dar el visto bueno a “The City that Never Sleeps”, una película sobre el Nueva York de los años ’40. Lo único que falta es el director; Ellie propone a Val Waxman (Woody Allen), quien es nada más y nada menos que su ex marido, un nervioso e hipocondríaco personaje.

Nadie está muy convencido con la idea en un principio, ni siquiera Val; tener que trabajar con la ex esposa y su nuevo novio no es panorama para nadie. De todas formas, Ellie cree tanto en el trabajo de Val que el estudio termina contratándolo y él termina aceptando. Como Val lo suponía, Ellie y él empiezan con el pie izquierdo y, es tanta la presión y el nerviosismo que Val sufre, que ambos síntomas le producen una ceguera psicológica temporal.

Creo que las películas de Woody Allen, en donde él aparezca como protagonista, me gustan tanto, porque puedo ver que mi ansiedad, nerviosismo e histeria se sienten comprendidos; estas cosas también deberían tomarse con algo de humor y Allen está aquí para recordárnoslo. “Hollywood Ending” no es una de las obras maestras de Woody Allen, pero es divertida, de todos modos, y también deja un par de frases para el recuerdo.

Soledad (Lola Dueñas) y Raimunda (Penélope Cruz) son dos hermanas que visitan la tumba de sus padres en el cementerio del pueblo; lamentablemente, ellos habían fallecido juntos durante un incendio. Van en compañía de Paula (Yohana Cobo), la hija de Raimunda, una adolescente a quien todos encuentran parecida a su padre. Mientras están en el cementerio, las tres se encuentran con Agustina (Blanca Portillo), una vecina amiga y que también va con frecuencia al cementerio, pero para arreglar su futura tumba. Luego de aquel encuentro, Soledad y Raimunda van a visitar a su tía Paula (Chus Lampreave), una señora de edad bastante avanzada, pero que se las arregla de maravillas en su casa.

Cuando regresan a Madrid, Raimunda y Paula también regresan a la rutina del hogar y a lidiar con la flojera de Paco (Antonio de la Torre), marido de Raimunda. Tras haber intentado acercarse a Paula, la joven toma un cuchillo y lo asesina en defensa propia; Raimunda, entonces, tiene que resolver aquella esa situación. Soledad también tiene sus problemas, ya que el fantasma de su madre comienza a visitarla e, incluso, se va a vivir con ella con tal de resolver unos asuntos que le quedaron pendientes acá en la Tierra.

Pedro Almodóvar debe tener una mentalidad femenina bastante desarrollada, porque me cuesta pensar en otro director que entienda y retrate tan bien a las mujeres. “Volver” es tan maravillosa como el resto de sus películas. Las relaciones entre sus personajes, las resoluciones de sus problemas, ese encanto de vivir en un pequeño pueblo y los distintos tipos de amor que Almodóvar retrata son más que suficientes para enamorarse de esta película.

Sé que quizás debería haber visto esta película hace tiempo, pero, para mí, Quentin Tarantino es más un director que un actor. Pensaba que “Four Rooms” era algo así como el aporte que hizo Quentin en “From Dusk Till Dawn”; no sabía que él también había dirigido una parte de esta película. Soy la peor fan; dejaré que me odien y que me claven en su cruz. 

“Four Rooms” se compone de cuatro historias que se dan durante la víspera de Año Nuevo en un hotel llamado "Mon Signor", ubicado en Los Ángeles. El protagonista de todas las historias es Ted (Tim Roth), el botones, cuyo primer día de trabajo se transforma en toda una pesadilla. La primera historia se llama “Honeymoon Suite – The Missing Ingredient”: unas brujas intentan revivir a su diosa y necesitan un ingrediente que sólo Ted puede darles. La segunda historia es “Room 404 – The Wrong Man”, en donde Ted se equivoca de habitación y termina en una especie de juego sexual entre un matrimonio.

La tercera historia se llama “Room 309 – The Misbehavers”: se trata de un matrimonio que decide celebrar el Año Nuevo por su cuenta y no tienen con quién dejar a sus inquietos hijos, así que le piden al pobre y cansado Ted que los cuide. Ted debe acostarlos antes de la medianoche, pero los pequeños resultan valer por mil. Y la cuarta y última historia es “Penthouse – The Man from Hollywood”: Ted debe ir hasta la habitación más costosa del hotel, en donde se encuentra a un tipo de Hollywood haciendo una apuesta con un amigo, muy al estilo de “Alfred Hitchcock Presents”.

A pesar de que las dos primeras historias no convencen tanto, las dos últimas son geniales; para cualquier fanático del estilo de Tarantino, las referencias siempre sacarán una sonrisa. Pero es la actuación de Tim Roth lo que realmente le da el encanto a "Four Rooms".

Sam Baldwin (Tom Hanks) es un arquitecto que acaba de enviudar y quiere dejar todo atrás. Por más que le gustaría, Sam no puede hacer eso, ya que tiene un pequeño hijo, Jonah (Ross Malinger), a quien debe cuidar. Para dejar de pensar en su esposa, Sam toma todas sus cosas y se muda a Seattle, una ciudad en donde llueve los nueve meses del año. Luego de un año y medio y, a pesar de que algunas cosas han mejorado, Jonah siente que su padre todavía no ha superado la pena de haber perdido a su madre.

Para tratar de alegrarlo, a Jonah no se le ocurre nada mejor que llamar al programa radial de una psicóloga que aconseja, al aire, a todas las personas que la contactan. Sam no está muy contento con esa situación, pero se deja llevar igual por las preguntas de la doctora y, es de esa manera, que la mitad de las mujeres en Estados Unidos escucha su conmovedora historia. Una de estas mujeres es Annie Reed (Meg Ryan), una periodista que está felizmente comprometida, pero nota algo en la voz de Sam que la hace pensar las cosas más de dos veces.

El mundo necesita a Nora Ephron de vuelta. “Sleepless in Seattle” es una de las historias románticas más mágicas de la vida, a pesar de que ambos protagonistas apenas tienen un minuto de escena compartida. La ilusión de un romance tan tierno, los personajes secundarios y la mezcla de humor la convierten en una ternura de película; básicamente, nos llega, porque creo que todos queremos lo que el personaje de Rosie O'Donnell menciona: "You want to be in love in a movie".

Alain van Versch (Matthias Schoenaerts), más conocido como "Ali", es un tipo que ha perdido la dirección en su vida. Practica boxeo y kickboxing y tenía un futuro bastante prometedor en el ambiente, pero su entrenador fallece. Al mismo tiempo, Ali debe asumir la custodia de su pequeño hijo, Sam (Armand Verdure), ya que su madre lo estaba utilizando para traficar drogas. Ali, entonces, sin trabajo y sin hogar, decide pedirle ayuda a su hermana, quien lo recibe con los brazos abiertos.

Una vez asentado, Ali consigue trabajo como guardia de seguridad en una discoteca. Mientras ayuda a controlar una pelea callejera, Ali conoce a Stéphanie (Marion Cotillard), una mujer que fue golpeada por el tipo que había comenzado la pelea; ella queda herida, por lo que Ali decide llevarla a casa. Stéphanie resulta ser una entrenadora de orcas que trabaja en estos centros de entretención acuáticos; es una de las mejores, pero, durante un show, sufre un horrible accidente y pierde ambas piernas. Luego de las primeras recuperaciones, Ali y Stéphanie continúan la amistad, justo en el momento en el que él se une a participar en peleas clandestinas para poder ganar algo más de dinero.

“Rust and Bone” es una película hermosa, llena de actuaciones perfectas, las cuales muestran aquellas situaciones tan tristes de una manera muy realista, por lo que es imposible no involucrarse con las historias de los personajes y desearles sólo el bien. Marion Cotillard vuelve a demostrar lo maravillosa actriz que es. Existiendo actuaciones como la de ella, o como la de Jessica Chastain o la de Emmanuelle Riva, van y le dan el Oscar a la actuación de Jennifer Lawrence. Jamás lo entenderé.

No sé por qué tengo la impresión de que Uma Thurman, a pesar de su trabajo con Quentin Tarantino, ha tomado decisiones algo cuestionables en cuanto a películas durante esta última década. Me pongo a pensar en “My Super Ex-Girlfriend” y mi teoría queda confirmada. ¿Qué mejor que con una película junto a Meryl Streep para quitarme aquella idea de la cabeza?

Rafi Gardet (Uma Thurman) es una exitosa fotógrafa que trabaja para una revista muy importante. Tiene 37 años y se acaba de separar; el divorcio fue difícil para ella, ya que nunca lo vio venir y justo había comenzado a pensar en tener hijos. Para superar aquel momento, Rafi visita constantemente a su psicóloga, la doctora Lisa Metzger (Meryl Streep), quien siempre le aconseja que disfrute la vida y que, de a poco, se vaya concentrando en temas más serios como el de una futura maternidad.

Durante una salida al cine con sus amigos, Rafi conoce a David Bloomberg (Bryan Greenberg), un tipo que trabaja con cuadros de pintores famosos y que también sueña con ser pintor. Los dos se atraen de inmediato, así que David invita a Rafi a comer. Todo va bien, pero la diferencia de edad complica un poco a Rafi: ella tiene 37 y él apenas tiene 23. La psicóloga de Rafi la anima a involucrarse en esa relación, pero cuando Lisa va uniendo información tras información, se da cuenta de que el nuevo novio de su paciente es, nada más y nada menos, que su propio hijo.

Una de las tramas que me encanta ver, dentro del género de las comedias románticas, es la trama de la diferencia de edad. "Prime" hace un muy buen trabajo y parece ser de esas comedias románticas que vale la pena ver, como “Bridget Jones’ Diary” o “My Best Friend’s Wedding”. Es tan divertida como romántica como interesante. Bien ahí, Uma.

Fernanda (Rooney Mara) es una joven de diecisiete años que asiste a un internado, sólo para señoritas, llamado Tanner Hall; comparte un dormitorio con sus dos mejores amigas, Kate (Brie Larson) y Lucasta (Amy Ferguson). Fernanda es la personalidad tranquila del grupo, es quien siempre estudia y sigue las reglas; Lucasta es la inocente, quien se está descubriendo a sí misma y Kate es la más extrovertida, capaz de coquetearle a uno de sus profesores.

Durante su último año de colegio, las jóvenes reciben a una nueva compañera, Victoria (Georgia King), una adolescente inglesa bastante mimada, manipuladora y de esas personas que confunden el ser honestas con el ser desubicadas. Victoria es hija de una amiga de la madre de Fernanda; las dos ya se habían conocido cuando eran niñas, pero nunca se llevaron bien. Además de esta situación, a la vida de Fernanda se suma un nuevo conflicto: se está enamorando de Gio (Tom Everett Scott), otro amigo de su madre.

La vibra y la manera de contar la historia de "Tanner Hall" es parte de un estilo muy tranquilo; no es una película lenta, pero, a pesar de que cada trama es una potencialmente dramática, son tratadas con una paz digna de estas películas independientes.

"Sorority Boys" es una película que debí haber visto hace mucho tiempo por tres razones: 

Dave (Barry Watson), Adam (Michael Rosenbaum) y Doofer (Harland Williams) son tres amigos que asisten a la misma universidad, pero quienes fiestean más de lo que estudian. Son miembros de una fraternidad llamada Kappa Omicron Kappa, también conocida como KOK, en donde hacen de secretarios y organizadores de eventos; por aquella misma razón, ellos son los encargados del dinero. Después de tanto carrete y desorden, el presidente de KOK, Spence (Brad Beyer), decide expulsar a los tres amigos de la fraternidad y le hace creer al resto de los integrantes que ellos fueron quienes robaron el dinero de la caja fuerte.

Doofer, Dave y Adam no tienen dónde quedarse. Saben que Spence les tendió una trampa y que fue él quien robó el dinero, pero la única prueba que tienen es un VHS que está en la sede de su ex fraternidad. Como no pueden entrar sin ser vistos como ellos mismos, deciden disfrazarse de mujeres y entran a una fiesta, pero los sacan también, esta vez por ser feas. Ouch. Sin ninguna otra solución a mano, los tres se van a vivir a la sede de la sororidad D.O.G., una comunidad compuesta sólo por mujeres feministas, quienes los recibirán como si fuesen verdaderas hermanas.

No puedo creer que, a pesar de la reputación que “Sorority Boys” tiene, me hiciera reír tanto; quizás todavía no abro los ojos del todo. No puedo dejar de reír ni siquiera con el trailer ni con la escena del “pillow fight!”, “Stop!” ❤ Sorprendentemente, incluso el soundtrack es bastante bueno.

Louisiana, 1957. Danielle (Reese Witherspoon) es una niña de catorce años, quien está pasando por toda la etapa del crecimiento, la pubertad y el auto descubrimiento. No le gusta usar vestidos, no ayuda con los quehaceres de la casa y todo lo que hace es escuchar vinilos de Elvis Presley e ir a nadar a un lago que está cerca de su casa. Dani vive con su familia, la cual está compuesta por sus padres, su hermana mayor Maureen (Emily Warfield), su hermana menor Missy y un bebé que viene en camino.

Durante una de estas visitas al lago, Dani se encuentra con Court (Jason London), un adolescente de diecisiete años que viene recién llegando al pueblo. El primer encuentro entre ambos es pésimo y, justo cuando Dani piensa que se ha librado del antipático extraño, resulta que Court es hijo de una amiga de sus padres y aparece en la casa de Dani como visita. Luego de conocerlo un poco más, la joven comienza a enamorarse de Court; el problema es la diferencia de edad y la aparición de Maureen.

Oh, catorce años, la edad de los primeros pretendientes, aquellos tontos enamoramientos o de la timidez del primer beso; "The Man in the Moon" trae ese tipo de recuerdos. 

Romy White (Mira Sorvino) y Michele Weinberger (Lisa Kudrow) han sido mejores amigas durante toda la vida. Asisten a la misma secundaria, pero no interactúan con muchos de sus compañeros, con excepción de Sandy Frink (Alan Cumming), Heather Mooney (Janeane Garofalo) y el grupo de las A, liderado por Christy Masters (Julia Campbell); Christy está obsesionada con la idea de hacerle la vida imposible a Romy y a Michele, ya que Romy está enamorada del novio de Christy y Michele usa un instrumento ortopédico para su columna desviada.

Luego de diez años, durante los cuales Romy y Michele se mudan a Los Ángeles, continúan siendo mejores amigas. Han tenido varios trabajos bastante mediocres, pero, a pesar de todo, llevan una vida divertida y feliz. Cierto día, Romy se encuentra con Heather Mooney, quien le hace saber sobre la reunión escolar para celebrar el décimo aniversario de su graduación. Romy convence a Michele de que esta es su oportunidad para lucirse frente a todos los ex compañeros que se dedicaban a molestarlas, por lo que planean su regreso mostrándose como las empresarias que inventaron los post-it.

“Romy and Michele’s High School Reunion” es pura nostalgia noventera; entre las referencias a Quentin Tarantino, el vestuario, los peinados y el maravilloso soundtrack todo es pura añoranza. La lección de la película también es buen recordatorio para que dejemos de impresionar a quienes no nos agradan; de verdad que no tiene ningún sentido. Faltan dos años para mi décimo aniversario de graduación y, aunque no fueron los mejores años de mi vida, sí me gustaría volver a bailar toda la música de aquella época.

"Spring Breakers" cuenta la historia de cuatro amigas que mueren por ir de vacaciones a la playa y disfrutar del spring break que los estadounidenses tanto idealizan. Candy (Vanessa Hudgens), Brit (Ashley Benson) y Cotty (Rachel Korine) son las más rebeldes del grupo y no temen experimentar con drogas o alcohol ni robar un restaurant con tal de conseguir el dinero que necesitan para sus vacaciones. También, como parte del grupo, está Faith (Selena Gomez), quien es mucho más tranquila que el resto de sus amigas; ella sólo quiere encontrar su destino. 

Durante los primeros momentos de la película, sentí que todo iba bastante bien; hay escenas superpuestas que muestran una especie de flashbacks, pero ese recurso se me hizo soportable sólo hasta los diez minutos. Desde aquellas primeras escenas en adelante, todo se convirtió en una verdadera lata; las mismas escenas se repiten tantas veces que pareciera que nada estuviera avanzando. Los personajes principales tampoco cooperan mucho; no digo que todos los protagonistas tengan que ser siempre correctos, pero alguna cualidad deben tener como para llamar nuestra atención. Candy y Brit son completamente insoportables, el personaje de Cotty está de más y Faith es demasiado aburrida. 

No pude pasar más allá de una hora viendo “Spring Breakers”.

Reconozco que todavía me faltan muchas películas y muchos directores por conocer. Nunca había sabido mucho de Luis Buñuel hasta que vi “Midnight in Paris”, una de mis películas favoritas de Woody Allen. Lo bacán de “Midnight in Paris” es que el director se dedicó a darle un espacio a todos esos artistas que admira. La escena entre Gil (Owen Wilson), Dalí, Buñuel y Man Ray es excelente.

“Un Chien Andalou” es conocida por aquella terrible imagen de una navaja atravesando el ojo de una mujer; es bastante fuerte para mi sensibilidad, pero no quité la mirada de la película, ya que quería estar al tanto de todo con tal de entender la película. Tratar de encontrarle un propósito o una linealidad a esta historia no tendrá mucho sentido, debido a que sigue varias de las reglas del movimiento surrealista de la época.

Primero, tenemos a la mujer (Simone Mareuil) del corte en el ojo. Un hombre (Pierre Batcheff) mira el paisaje, toma una navaja y lleva a cabo el corte. En esta escena, hay un hermoso contraste entre una nube que pasa por encima de la luna, consiguiendo el mismo efecto de la navaja sobre el ojo de la mujer. Luego, nos vemos frente a un adelanto de ocho años en el tiempo. Un hombre, andando en bicicleta, cae de ella. La mujer de la escena anterior lo ve desde su departamento y trata de ayudarlo. El hombre aparece en la puerta del departamento y le enseña la palma de su mano, desde la cual comienzan a salir muchas hormigas; una escena tan perturbadora como la escena de la navaja.

Muchas otras secuencias extrañas comienzan a aparecer, sin que una resolución sea explicada ante nosotros, por lo que si tuviera que interpretar esta película sólo la dejaría como la personificación de un sueño; a fin de cuentas, es un ejemplo perfecto del surrealismo, ya que, por alguna razón, Salvador Dalí colaboró también en este proyecto. Pareciera ser un primer ejemplo de cine independiente, ese que consigue influir en muchos otros directores e, incluso, también en músicos, como los maravillosos Pixies.

Enoch Brae (Henry Hopper) es un adolescente algo depresivo, al que le gusta tanto el estar solo como el asistir a funerales de personas que nunca conoció. Tiene sus razones, pero, de todos modos, es una peculiar prática. Además de los funerales, otros pasatiempos de Enoch incluyen: ir al cementerio a visitar a sus padres, lanzar piedras a los trenes que pasan y jugar Battleship con su amigo Hiroshi (Ryō Kase), quien es el fantasma de un hombre que murió como kamikaze durante la Segunda Guerra Mundial.

Cierto día, en uno de estos funerales a los que asiste, Enoch conoce a Annabel Cotton (Mia Wasikowska), una joven a quien le extraña la presencia de Enoch en el lugar. Así como le sorprende, también le provoca curiosidad, por lo que sigue a Enoch hasta otro funeral. Él trata de alejarse, pero cuando la ve en el cementerio, la presenta ante sus padres y, desde entonces, los dos comienzan una linda amistad. La triste realidad es que el cáncer del que sufría Annabel se ha ramificado y sólo le quedan tres meses de vida.

“Restless” no parece ser una mala película, pero creo la trama de mujeres muriendo y dejando huella no es algo que me conmueva mucho. Al menos, otros aspectos, como la amistad entre Enoch e Hiroshi, por ejemplo, son un tema interesante; la historia de Hiroshi es muy linda, a pesar del contexto en el que se dio. Y el pasatiempo de asistir a funerales, inevitablemente, trae recuerdos de "Harold & Maude".