We'll always have Paris

Incluso antes del lanzamiento del tráiler, las imágenes de la película no tenían ningún sentido, pero también es cierto que hay que esperar hasta ver una película antes de caer solo en críticas negativas. Eso tampoco funcionó. Primero, si la directora hubiese elegido un “película inspirada en…” antes de un “película basada en…”, todos nos habríamos ahorrado el mal rato; Fennell explicó en entrevistas que quiso hacer la versión que ella imaginaba de Wuthering Heights cuando lo leía de adolescente y esa explicación me suena claramente a fan fiction. Si se hubiera atrevido a crear algo distinto, inspirada justamente en la historia de Brontë, quizás la película habría sido algo más entretenida y consistente.

Esta versión de Wuthering Heights tiene un par de cambios, como cualquier adaptación anterior en donde, por ejemplo, omiten la segunda parte del libro; acá, el personaje abusivo del hermano de Catherine (Margot Robbie) pasa a ser solamente el personaje de su padre, Isabella Linton (Alison Oliver) parece haber sufrido de una lobotomía y la relación entre Catherine y Heathcliff (Jacob Elordi) alcanza otros niveles. Entendible hasta ahí, pero la película nos quiere dar una historia provocativa y sensual que nunca alcanza a entregar. Los cambios de tono a los que Emerald Fennell apuesta nunca se cumplen y culpo a la falta de química entre sus protagonistas, la cual también se ve mal influenciada por la diferencia de edad; sin querer discriminar por ese tema, pero la diferencia es demasiado notoria y también desencaja en características como en la personalidad de Catherine, quien es una adolescente a veces malcriada, y es algo muy fuera de lugar ver actitudes así por parte de una actriz de 35 años. 

Volviendo al tono sensual que Fennell pretendía, este tampoco se explora, porque no hay nada provocativo, solo sugerente. La película comienza con el ahorcamiento de un personaje y una visible erección que su cuerpo no puede controlar, como si esta escena quisiera establecer las pautas de lo que se viene… pero no queda en nada. Hay escenas un tanto explícitas, pero la más obvia no es ni siquiera entre los personajes principales, lo que tampoco tuvo sentido para mí. Por otro lado, el personaje de Isabella recae en una dinámica de dom-sub con Heathcliff, lo cual es una extraña decisión cuando la relación de ambos en el libro es una más de abuso; idealizar una relación así no es ser controversial o demostrar que se puede ser provocativo, sino que recae hasta en la ignorancia. 

Sin conseguir despertar ningún sentimiento de ¿fogosidad? como se pretendía, Wuthering Heights también falla en un detalle que no puedo dejar pasar: el casting. Ya es un tema la presencia de Margot Robbie como Catherine, por más que su actuación sea decente, pero Jacob Elordi tampoco pertenece en una historia en donde siempre se ha descrito a Heathcliff como un hombre que no era blanco; una decisión así también es insensata cuando decides contratar a un actor de color para el personaje de Edgar Linton (Shazad Latif), a quien nos presentan como el obstáculo entre Heathcliff y Catherine; ¿debemos odiar o estar en contra del único personaje de color que impide que los dos protagonistas blancos estén juntos? Como diría Tatianna, that was a choice.

Wuthering Heights quiso provocar, pero ni siquiera incomoda, solo se siente vergüenza ajena. Podría destacar la música, la producción o el vestuario, pero todo eso se ve opacado por una historia que no tiene sentido y que se vuelve aburrida desde el momento en que tratan de construir algo entre los personajes principales. Por suerte, no perdí mi tiempo viéndola en el cine.

La dinastía Tudor siempre será una de las dinastías más interesantes de la historia universal, por lo que cada interpretación en la pantalla grande de alguno de sus personajes es bienvenida y celebrada. Los más recientes retratos son el de Mary I, reina de Escocia, y el de su prima, la reconocida reina Isabel I de Inglaterra; de la mano de Saoirse Ronan y de Margot Robbie, respectivamente, “Mary Queen of Scots” podría haber sido un drama histórico obligatorio, pero dos actuaciones no siempre pueden llevar el peso de toda una película.

Dirigida por Josie Rourke, “Mary Queen of Scots” nos ofrece una mirada más feminista a aquellas figuras históricas, lo que permite recrear escenas relacionadas al período menstrual de la reina de Escocia, por ejemplo, o a una práctica de cunnilingus que muchos directores parecen siempre querer esquivar. Rourke también decidió darle a su debut como directora la opción del colour-blind casting, práctica gracias a la cual podemos ver a actores afroamericanos o asiáticos interpretando a personajes que fueron caucásicos, como es el caso de Adrian Lester (Lord Thomas Randolph) y el de Gemma Chan (Elizabeth Hardwick); es una decisión interesante y ojalá pudiera aplicarse en el proceso de casting de personajes principales también, aunque los expertos en exactitud histórica, y el público en general, se escandalizarían.

A pesar de que sí hubo molestias ante ciertos hechos que no concuerdan con la realidad de ambas reinas, “Mary Queen of Scots” logra mostrar las luchas y conflictos que las monarcas debieron enfrentar en otras épocas todavía más sexistas que las actuales. Por un lado, Mary I tuvo que defender el que afirmaba como su derecho al trono y tuvo que ceder ante la presión de contraer matrimonio y engendrar un heredero; mientras que, por el otro, Isabel I no cedió ante aquella presión, pero sí vio en peligro su trono durante la mayoría de su reinado, peligro que involucraba también a Mary I. A pesar de que, en un principio, su comunicación por cartas era amistosa, pronto ese cariño se transformó en hostilidad y Mary tuvo que recurrir a una reunión en persona con Isabel.

Los hechos que suceden en “Mary Queen of Scots”, antes de que ambas gobernantes por fin se vean cara a cara, ocurren con tanta lentitud y tan poco carisma que parecieran conducirnos a, prácticamente, nada. Donde, de verdad, recae toda la importancia y el peso de la historia es en el encuentro de ambas primas y aquella secuencia no decepciona. Saoirse Ronan y Margot Robbie están a la altura y, tanto sus actuaciones como sus interacciones, están llenas de sufrimiento, empatía y respeto mutuo; a pesar de las diferencias entre ambos personajes, no pueden evitar darse cuenta de que las dos han vivido situaciones similares debido a las decisiones y caprichos de los hombres a su alrededor, quienes se interponen en sus deseos y en sus maneras de gobernar.

Sin embargo, una escena casi final, y de apenas unos minutos, no compensa toda la tardanza que nos llevó llegar hasta aquel momento tan esencial en “Mary Queen of Scots”. 

Cuando se anunció una segunda parte de esta saga, admito que fue una gran sorpresa, pero entiendo que los productores quisieran conseguir alguna especie de reivindicación. Cuando luego anunciaron que el director sería James Gunn, las cosas no parecían ir por buen camino, debido a la controversia que rodeaba a su despido de “Guardians of the Galaxy”, pero lo importante es nunca crear altas expectativas en cuanto a este tipo de películas; al menos, no podría ser peor que la entrega estrenada en 2016.

Continuando con la trama de un grupo de villanos reclutados por Amanda Waller (Viola Davis) para que enfrenten amenazas desconocidas y peligrosas, “The Suicide Squad” presenta una nueva aventura en la ficticia localidad de Corto Maltese, también nuevos personajes y algunos otros que aparecieron en la versión anterior. El objetivo de esta nueva Fuerza Especial X es destruir los archivos de un tal Proyecto Estrella de Mar, que se encuentran en el laboratorio Jötunheim; el laboratorio, a su vez, está en algún lugar de Corto Maltese, por lo que dos grupos son enviados a la isla sudamericana.

Dentro de los integrantes más destacados, tenemos a Bloodspot (Idris Elba), un mercenario que fue encarcelado luego de haber disparado una bala de kryptonita a Superman; también a Peacemaker (John Cena), un soldado obsesionado con mantener la paz a cualquier costo; a Polka-Dot Man (David Dastmalchian), un joven experimento que salió mal, ya que su poder es lanzar lunares de colores; a Ratcatcher 2 (Daniela Melchior), una ladrona con la habilidad de controlar a las ratas; y a King Shark (Sylvester Stallone), un tiburón humanoide que devora personas y tiene una fuerza sobrehumana. También tenemos a quienes regresan a la historia, como al Capitán Boomerang (Jai Courtney), a Rick Flag (Joel Kinnaman) y a una versión mucho menos sexualizada y mucho más divertida de Harley Quinn (Margot Robbie).

Este nuevo grupo funciona mucho mejor que el anterior y, gracias a aquel humor DC y a la dirección de James Gunn, se siente un grupo más compenetrado y con mucha más química, tal y como sucedió en la primera entrega de “Guardians of the Galaxy”. La trama de “The Suicide Squad” también es más entretenida que la de su predecesora, pero el desenlace en contra este nuevo enemigo me dejó la misma sensación del enemigo anterior, Enchantress (una Cara Delevingne que no podía actuar), pero entiendo que lo absurdo pueda ser parte de su encanto.

A pesar de otros detalles, como la innecesaria escena entre Harley y Silvio Luna (Juan Diego Botto), dictador de Corto Maltese, y de los latinos que no saben hablar bien su propio idioma, “The Suicide Squad” tiene muchas más cosas rescatables en comparación con la versión de 2016. Por ejemplo, ya no hay un ab(uso) de introducciones de personaje ni de canciones en cada escena, la película se ve mucho mejor estructurada y hasta juega con nuestras expectativas durante la secuencia de acción que se da en los primeros minutos; también es algo más violenta y su humor sí funciona. Además, tiene momentos emotivos que se sienten más cercanos, como el trauma maternal de Polka-Dot Man o como la historia de infancia de Ratcatcher 2, personajes que consiguen transformarse en el corazón de “The Suicide Squad”. El resto de los personajes también fue muy bien desarrollado, tanto que una amistad entre Rick Flag y Harley Quinn se siente mucho más real y la maldad de Amanda Waller crece a tal nivel que ni siquiera sus trabajadores más cercanos la soportan.

Dentro de todo, “The Suicide Squad” es una película muy entretenida; no será una tan buena como “Birds of Prey”, pero definitivamente, el estudio aprendió la lección.

La emoción por el estreno de esta película era increíblemente grande; significaba un cambio y un respiro de aire fresco dentro del género de superhéroes, ya que una nueva entrega del personaje de Harley Quinn sería dirigida por Cathy Yan y escrita por Christina Hodson, mujeres que podrían darle un giro a la manera en que Quinn siempre es retratada. Ambas contaban con la ayuda de Margot Robbie, quien se ha convertido en una gran actriz y productora y quien, ya varias veces, había mencionado que quería cambiar la mirada sexualizada bajo la que Harley ha estado desde sus inicios.

La historia de "Birds of Prey (Y Aquel Título Tan Entretenido)" comienza cuando la historia de Harley y su amado Guasón termina; ella queda desconsolada, pero trata de olvidar su importante relación cortando su cabello, practicando roller derby, adoptando a una hiena a la que llama Bruce (en honor a Bruce Wayne) y emborrachándose bastante seguido. Cierta noche, Harley decide incendiar la fábrica de Químicos Ace, lugar que tenía un significado especial para su antigua relación; de esta manera, toda Ciudad Gótica recibe el mensaje y varios villanos aprovechan el momento para vengarse de Harley, ya que no cuenta con la protección del Guasón ahora.

Uno de estos villanos es Roman Sionis (Ewan McGregor), también conocido como Black Mask; Roman es un amo del crimen, narcisista y sádico, quien ha perdido un importante diamante a manos de una pequeña carterista llamada Cassandra Cain (Ella Jay Basco). Para salvar su vida, Harley le promete a Roman que recuperará el diamante, pero tras ellos también se encuentra: Renee Montoya (Rosie Perez), una policía que busca encarcelar a Roman; Dinah Lance (Jurnee Smollett-Bell), la conductora de Roman que quiere proteger a Cassandra; y Huntress (Mary Elizabeth Winstead), una misteriosa vigilante que busca venganza en contra de Victor Zsasz (Chris Messina), la mano derecha de Roman.

Si ya amaba la idea de una película como esta, la producción y el resultado final de "Birds of Prey" conquistaron mi corazón. Es una cinta divertida, graciosa, inteligente y redonda, la cual presenta personajes nuevos e interesantes, así como también logra sacar todo ese peso misógino que Harley traía para crear a un personaje tan adorable como sensible, sin quitarle ni un centímetro de su característica inmoralidad y personalidad; sin duda, es un gran avance y un gran ejemplo de cómo hacer películas que siempre han estado a cargo del género masculino.

"Birds of Prey" también ofrece varios momentos de empoderamiento, ya que cada personaje principal femenino cuenta con una historia destacable y bien desarrollada; aunque, en un principio, varias de las protagonistas son desconocidas entre ellas o, simplemente, no se llevan bien, nunca ayudan en ayudarse mutuamente con tal de sobrevivir. Un gesto tan pequeño como el de prestar un colet para el cabello durante una pelea, por ejemplo, es muy significativo dentro de un género en donde a las mujeres fuertes parece nunca molestarles el perfecto cabello desordenado frente a sus rostros; es un ejemplo claro de que se necesita de mujeres para escribir y retratar a otras mujeres de una manera más realista y menos sexista.

"Birds of Prey" cumple con este objetivo, así como también cumple con el objetivo de entretenernos y de hacernos ansiar por una segunda y tercera parte tan fantabulosas como esta primera entrega.

Utilizando una seguidilla de cameos (algunos de menor importancia) tras cameo, Tarantino nos cuenta la historia de amistad entre Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y Cliff Booth (Brad Pitt); Rick es un actor que está pasando por una especie de decadencia en su carrera artística, mientras que Cliff es un doble de acción y el hombre que realiza los mandados de Rick; estos amigos viven en aquella época dorada del Hollywood de los años ‘60. Siendo tan nostálgico como es, podríamos pensar que Quentin Tarantino estaba en su área de dominio, creando un homenaje a la medida de su tan querido Hollywood, pero la verdad es que no. "Once Upon a Time... in Hollywood", además de sentirse algo desordenada, es una película llena de cameos que tratan de formar una historia en donde Rick Dalton no quiere dejar ir la fama tan fácilmente; existen muchas escenas innecesarias en donde Brad Pitt o Margot Robbie, interpretando a Sharon Tate, conducen por la ciudad sólo para justificar un buen soundtrack cuando antes hemos visto escenas como esta, por ejemplo.

La película también cuenta con una falta de respeto increíble hacia Bruce Lee, una escena en donde la audacia (o the caucasity) no tiene límites; todo lo que Quentin Tarantino tomó como inspiración para "Kill Bill", ahora parece haber sido olvidado. Si en 2003, su personaje principal acababa con David Carradine, consiguiendo una venganza por el whitewashing de la serie "Kung Fu", ahora Tarantino retrata a Bruce Lee como un simple engreído sin razón; lo que más molesta no es, solamente, que lo hayan mostrado como un tipo arrogante y soberbio (las personas blancas odian cuando las personas de color son seguras de sí mismas), es también el hecho de que nos hayan querido decir que un hombre blanco, sin mayor entrenamiento en artes marciales, podía ganarle en una pelea a BRUCE LEE.

¿Qué se puede decir sobre la inclusión en la historia de los asesinatos de la familia Manson? Tarantino quiso sorprender con un plot twist, con el cual cambia el futuro nuevamente, una técnica que ya utilizó en "Inglourious Basterds", pero cuando deberíamos sentir alegría o alivio de que esta vez Sharon Tate y sus amigos se salvaran de aquellos horribles crímenes de los que sufrieron, el morbo de las últimas escenas te carcome por dentro. "Once Upon a Time... in Hollywood" fue una muy incómoda experiencia.

El incidente entre Tonya Harding y Nancy Kerrigan, dos patinadoras artísticas quienes destacaron durante los años '90, debe ser uno de los incidentes más publicitados y más recordados dentro del mundo del deporte. La historia siempre era contada de la misma manera: Nancy Kerrigan era extremadamente talentosa, la favorita de los jurados en cada competencia y la mayor competencia de Tonya Harding, por lo que ella ordenó que Nancy fuese atacada y su atacante le quebró una pierna. Nancy tuvo que decirle adiós a los Juegos Olímpicos, dejando el camino libre para Tonya.

Margot Robbie fundó la productora LuckyChap Entertainment y decidió llevar la historia de las deportistas a la pantalla grande. Toda historia tiene dos versiones y “I, Tonya” relata los hechos de una manera muy entretenida; de hecho, de una manera demasiado entretenida para tratarse de un hecho tan cuestionable. Rodeada de un humor negro, la cinta mezcla las distintas etapas de la vida de Tonya Harding (Margot Robbie) con entrevistas a sus personajes, rompiendo la cuarta pared y entregándonos una especie de falso documental que, junto a aquella selección de soundtrack, se transforma en un relato muy entretenido y digno de atención.

La actuación de Margot Robbie es increíble y realmente desaparece en el personaje; no hizo ni una caricatura ni un homenaje de un personaje tan complejo, sino que logró crear una interpretación inolvidable y con la cual se puede, fácilmente, empatizar. "I, Tonya" rescata muchos detalles de la vida de Tonya Harding, los cuales servían para juzgarla o para burlarse de ella, como su acento, su cabello, su estatus económico, el abuso que sufría por parte de su madre y de su marido, por ejemplo.

"I, Tonya" no se encarga de dejar a su protagonista como la villana ni tampoco como la víctima, dejándonos también un interesante debate y una interesante nueva especie de personaje femenino.

Tras lo que parece ser una interminable seguidilla de películas de superhéroes, el anuncio de una película sobre una serie de villanos trabajando unidos, había significado un cambio de aire dentro de todo este contexto; sonaba como algo divertido y más entretenido que varias de las tramas de sus buenos enemigos. Tras la confirmación de los actores y el estreno del tráiler, la emoción seguía subiendo… hasta el día en que por fin vimos “Suicide Squad”.

La película, dirigida por David Ayer, sólo se queda en la trama de juntar a un montón de villanos y eso sería la única parte entretenida. Todo comienza cuando Amanda Waller (Viola Davis) tiene una peligrosa misión en sus manos: proteger al mundo de la amenaza de Enchantress, un espíritu maligno que ha poseído a la arqueóloga June Moone (Cara Delevingne). Debido a que el gobierno no quiere arriesgar a sus mejores hombres para lidiar con las fuerzas metahumanas de Enchantress, Amanda crea la Fuerza Especial X, la cual reunirá a varios villanos de Ciudad Gótica para combatir la amenaza; si los pierden durante el combate, nadie los extrañará.

Dentro de este grupo, tenemos a Deadshot (Will Smith), un sicario que fue atrapado por Batman; al Captain Boomerang (Jai Courtney), un ladrón impredecible que usa boomerangs; a El Diablo (Jay Hernandez), un hombre que puede controlar el fuego, pero que terminó encarcelado luego de asesinar a toda su familia; a Killer Croc (Adewale Akinnuoye-Agbaje), un humanoide caníbal con rasgos reptiles; y también al personaje más interesante de todos, Harley Quinn (Margot Robbie).

Harley Quinn es nada menos que la novia del Guasón (Jared Leto), una psicóloga a la que este manipuló para poder escapar del Asilo Arkham; Harley se transformó en su compañera de crimen y se encontraba en la cárcel por el asesinato de Robin. “Suicide Squad” significaba la primera vez que veríamos a Harley en la pantalla grande y, aunque Margot Robbie hace un trabajo increíble, la película no le hace justicia al personaje; no fue sorpresa para nadie que sexualizaran tanto a Harley Quinn, pero sí fue una decepción. Hay tanto material, pero insisten en mostrar sólo una faceta y, además, una faceta anticuada y sexista.

Así como el personaje de Harley Quinn no funciona, “Suicide Squad” tampoco. Más que una película, parece un video clip o un tráiler de dos horas, lleno de canción tras canción, sin mayor orden entre escena y escena, decorado con una villana que no actúa bien y que no consigue asustar a nadie; los integrantes del Escuadrón Suicida incluso tienen química entre ellos, pero ni eso es suficiente para salvar a esta película. Por otro lado, el personaje que la mayoría esperábamos ver como un aporte, no es más que una mera e insignificante aparición. El Guasón de Jared Leto prometía, pero tampoco cumplió; quizás tampoco ayudó toda esa publicidad sobre los métodos de Leto como actor, con historias de ratones muertos como regalos.

Qué lástima por “Suicide Squad”; fue una gran decepción. Me había emocionado tanto con ver algo diferente y entretenido que exigiré mi dinero de vuelta hasta que vea una segunda parte mucho mejor que la primera.