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We'll always have Paris

 


“Escuché esta historia sobre un pez. Él se topa con un pez viejo y le dice: ‘Amigo, estoy buscando esa cosa a la que le dicen océano’. ‘¿El océano?’, le dice el otro pez, ‘es donde estás ahora’. ‘¿Esto?’, le dice el pez joven. ‘Esto es agua. Lo que yo quiero es el océano’.”

Para una persona que no ha cumplido ninguno de los propósitos que esperaba cumplir durante su vida, la presión de la sociedad es bastante fuerte. Es una presión algo indirecta, pero, de todas formas, está presente en las expectativas que creemos que los demás nos imponen, también está en las películas o en las series que vemos y, claramente, también está en ese positivismo tóxico que anda dando vueltas. “Todos tenemos un propósito”, “cuando por fin cumplimos nuestros propósitos, realmente somos felices”, “sólo alcanzando nuestros propósitos, veremos…”. Es agotador. Por esa razón, cuando una película como “Soul” aparece, el alivio es instantáneo.

“Soul” cuenta la historia de Joe Gardner (Jamie Foxx), un profesor de música que vive en Nueva York y que ama el jazz con toda su alma (guiño guiño). Joe se siente algo frustrado con la vida, ya que nunca ha tenido la gran oportunidad de tocar en alguna banda y de poder vivir de la música, por lo que continúa con una rutina apática y normalizada. Cierto día, la oportunidad llega: convertirse en el pianista de la legendaria Dorothea Williams (Angela Bassett), pero antes de que su sueño se haga realidad, Joe muere repentinamente tras un accidente y su alma debe partir al Gran Más Allá. Joe se niega; no puede morir, mucho menos ahora que por fin consiguió la oportunidad que siempre quiso. 

El músico decide regresar a la Tierra, pero durante su aventura debe acompañar a 22 (Tina Fey), un alma que lleva siglos y siglos tratando de evitar asumir una vida. A pesar de sus diferencias, Joe y 22 se ayudan el uno al otro y aprenden aquellas hermosas lecciones que Pixar sabe enseñar muy bien y que la sociedad debería aprender también. No es necesario tener un propósito en la vida; no nacimos con un solo objetivo y Joe lo aprende una vez que por fin toca con la banda de Dorothea Williams. Cumple su sueño, el concierto es perfecto, obtiene el reconocimiento que siempre esperó y… ¿ahora qué? Ya cumpliste tu sueño, ¿qué vas a hacer ahora con tu vida? Buscamos cumplir meta tras meta tras meta que se nos olvida lo principal: disfrutar el camino. 

Quizás algún día pueda estudiar Periodismo o conseguir una de las becas a las que he postulado o viajar a París o ser jurado en el Festival de Cannes, pero, por el momento, hay que concentrarse en los pequeños detalles, detalles como los que aparecen en aquel montaje de varios recuerdos que Joe atesora. Maldito Pixar, no pasa un año sin que no nos haga llorar.
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No podíamos tener nada bueno este año, ¿cierto? 

En general, las películas de superhéroes siempre me dejan con una sensación muy decepcionante, pero cuando vi la primera entrega de "Wonder Woman" en 2017, la sensación fue distinta: una historia entretenida, llena de girl power y una esperanza de que, quizás, próximas películas de este género podrían seguir el ejemplo que la película estaba asentando.

Cuando anunciaron la secuela, por supuesto que se sentía emoción; tendríamos a Pedro Pascal como el villano principal y la historia se centraría en la década de los ochenta. Además, ese tráiler con aquella versión de Blue Monday era hermoso, ¿cierto? Durante 1984, sesenta y seis años después de vencer a Ares, Diana Prince (Gal Gadot) trabaja como antropóloga en el Instituto Smithsonian; allí conoce a Barbara Minerva (Kristen Wiig), una gemóloga insegura y tímida que la idolatra. Cierto día, el FBI le pide a Barbara identificar el origen de varios objetos robados; entre ellos, se encuentra una misteriosa piedra de cuarzo. Ni Barbara ni Diana lo notan, pero el cuarzo es una piedra muy poderosa capaz de cumplir cualquier tipo de deseo, motivo por el cual Maxwell Lord (Pedro Pascal), una especie de personalidad de infomerciales, la necesita con desesperación. Su negocio tipo estafa piramidal se fue a la ruina y Max utilizará el cuarzo para conseguir dinero y fama. El poder de la piedra también afecta a Barbara y a Diana; Barbara comienza a sentirse tan segura y poderosa como su ídola, mientras que la princesa se distrae con la presencia de Steve Trevor (Chris Pine), quien ha vuelto a la vida.

Hasta ese momento en la trama, todo parecía ir bien. Luego de más de una hora de película, cuando se nota que las cosas se están volviendo tediosas, aparecen fuegos artificiales, un viaje a Cairo, misiles, escenas de peleas que no eran para nada dignas de todo aquel inmenso presupuesto, una armadura dorada que publicitaron demasiado y que se luce menos que la mismísima Gal Gadot, además de una Kristen Wiig salida directamente de "Cats", decepción tras decepción dentro de una película innecesariamente larga y aburridísima. 

Para contener en su título un año de una década que los estadounidenses no parecen querer dejar ir, "Wonder Woman 1984" no ofrece nada más que un par de prendas que recuerdan aquella época; hay tanto que se puede hacer con un soundtrack ochentero que es imposible fallar y perder aquella oportunidad entregada en bandeja, pero la película justamente falla y pierde aquella oportunidad. También existe mucho material en cuanto al recelo hacia los malls de la época,  hacia los infomerciales y todos aquellos años en donde reinaba Reagan; si "Wonder Woman 1984" hubiese tomado ese camino, sería una película un poco más entretenida. Tampoco es buena señal que, durante más de dos horas, sólo queramos ver al villano; no porque sea Pedro Pascal, sino también porque, como los protagonistas se sienten tan planos, el carisma de Max Lord es más interesante que la historia de amor entre Diana y Steve. Pedro aprovecha y se destaca; Kristen Wiig también lo hace en un principio, pero no es mucho lo que puede hacer con aquel personaje cliché del nerd que pierde su humanidad cuando se vuelve popular.

Durante el comienzo de "Wonder Woman 1984", la pequeña princesa Diana es parte de unas olimpiadas que se llevan a cabo en Themyscira. Todo está dado para su éxito, pero luego de quedar atrás en una etapa, Diana toma un atajo hacia la meta; cuando está a punto de ser la vencedora, Antíope (Robin Wright) le enseña una valiosa lección. Los realizadores de esta película podrían haber tomado nota de aquella lección también.
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Contando con una banda sonora llena de los éxitos de Wham! y de George Michael, además de contar con un guión co-escrito por la talentosa Emma Thompson, la película “Last Christmas” prometía convertirse en un nuevo clásico navideño para ver durante estas fiestas. Ambientada en Londres, la cinta cuenta la historia de Kate Andrich (Emilia Clarke), una joven que sólo se dedica a ver cómo su vida se desmorona cada vez más.

Kate disfruta salir y socializar, pero no asume ninguna responsabilidad personal, ni familiar ni laboral; es desordenada, apática y desinteresada, cualidades que le traen más de algún problema durante la historia. Hija de inmigrantes yugoslavos, Kate sueña con ser cantante, pero tampoco se esmera en llevar a cabo este sueño; cierto día, Kate conoce a Tom Webster (Henry Golding), un joven muy alegre y amable, todo lo contrario a la personalidad de la protagonista. 

Tom consigue llamar su atención y sacarle más de una sonrisa a esa personalidad ya tan cínica frente a las festividades de fin de año. La verdad es que la personalidad de Kate tiene una razón: tiempo atrás, la joven había sufrido una terrible enfermedad y debió someterse a un trasplante de corazón; Kate ya no se siente como la persona que era antes de la operación ni tampoco cree que su talento sea suficientemente importante.

A pesar de que el plot twist y el final de “Last Christmas” pueden llegar a ser algo cursi e, incluso, algo sacado de las primeras fan fictions de internet, la cinta tiene un encanto particular que consigue gracias a Emma Thompson y al resto de los personajes secundarios; sin duda, el punto más alto de la película siempre será su soundtrack. 

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Hace aproximadamente un mes, empecé a ver "RuPaul’s Drag Race"; aprendí muchos datos, contagié a la familia y fue inevitable enamorarme de varias reinas temporada tras temporada. Teniendo a cada participante tan fresca todavía en mi memoria, me sorprendió y encantó ver a Jinkx Monsoon y a BenDeLaCreme en una de las escenas de “Happiest Season”, ya que, a pesar de no ser de mis favoritas, ambas son geniales y muy divertidas (esos Snatch Games <3); ahora sólo necesito desesperadamente saber dónde encuentro un show así para estas fechas; sería hermoso asistir a uno antes llegar a la cena familiar.

Aquella entretenida distracción dentro de la trama también sirve como un pequeño momento de alegría para el personaje de Abby (Kristen Stewart), quien, a esas alturas de la historia, está bastante decepcionada por la manera en que la celebración de Navidad pasó a ser algo nada parecido a lo que ella había imaginado. Abby mantiene una relación con Harper (Mackenzie Davis) hace casi un año y ambas deciden pasar la Navidad junto a la familia de ella; siguiendo lo heteronormativamente correcto según su amigo John (Dan Levy), Abby decide proponerle matrimonio a Harper la mañana del día veinticinco. El único problema es que Harper no les ha contado a sus padres que es lesbiana ni que tiene novia, ya que teme a la reacción de ambos y también teme que su confesión arruine la perfecta campaña de su padre para el puesto de alcalde. Harper, entonces, le pide a Abby que finja ser su amiga heterosexual hasta que la celebración termine.

Desde que llegan al hogar de la familia Caldwell, las cosas se dan de manera incómoda, pero graciosa, un detalle de la clásica entrega de comedia romántica, en donde ciertos encuentros o ciertas personas van poniendo a prueba la relación de las protagonistas. La obsesión de los padres por alcanzar la perfección ha creado bastantes roces entre Harper y sus hermanas, Sloane (Alison Brie) y Jane (Mary Holland), tensión de la cual ni Abby es libre. Por otro lado, también está el pasado de Harper que Abby no conoce del todo: un ex novio a quien la familia todavía adora y una ex novia que Harper escondió y negó hasta el cansancio, Riley (Aubrey Plaza). Si a eso le agregamos la presencia de unos gemelos sacados de una película de terror, la celebración de Navidad podría convertirse en un gran desastre.

¿Quién habría pensado que un poco de representación le podría dar una vuelta a un género ya tan repetitivo? "Happiest Season" sigue la misma fórmula que todas nuestras comedias románticas favoritas, pero es muy refrescante ver conflictos distintos durante el contexto de Navidad. A pesar de que algunas de las decisiones del personaje Harper no agradarán a la mayoría y, a pesar de que faltó química entre Mackenzie Davis y Kristen Stewart, "Happiest Season" no deja nunca de ser adorable y digna de ser vista durante estas fechas. Si Harper no agrada, es porque carga con el peso de las malas decisiones y hay que tratar de entenderla, pero lo bueno es que tendrán más personajes que disfrutar; John, el mejor amigo de Abby, y Jane (claramente, la hermana del medio) no sólo sirven como alivio cómico, sino que también entregan algunos de los momentos más emotivos de la película. Riley, la ex novia de Harper, personaje que siempre genera conflicto en este género de películas, sirve como apoyo para Abby y nunca genera molestia; de hecho, Aubrey Plaza incluso tiene mejor química con Kristen Stewart. Y la familia de Harper... bueno, ninguna familia es perfecta, todos intentan hacer lo mejor que pueden y, sólo cuando nos damos cuenta de eso, es que podremos pasar unas mejores celebraciones de fin de año.

Clea Duvall, escritora y directora, además de una excelente actriz de reparto, siempre participa en cosas entretenidas, como, por ejemplo, fue jurado en un capítulo de "RuPaul's Drag Race" y también fue protagonista de “But I’m a Cheerleader”, en donde aparece, nada más y nada menos, que el mismísimo RuPaul tratando de convencer a un grupo de adolescentes de que ser heterosexual es genial. ¿Qué categoría vendría siendo esta?
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La semana pasada, se estrenó la primera parte de la serie “Selena”, en Netflix. Durante el segundo capítulo, A.B. Quintanilla tiene problemas para componer una canción que sirviese como éxito para Selena y los Dinos; A.B. recuerda las palabras de su padre: "la música es todas las partes separadas tocando al mismo tiempo, pero, también, cada uno de ustedes escuchando lo que están tocando los demás". No es hasta ese momento que la inspiración por fin llega y A.B., escuchando instrumento tras instrumento de Si Viví Contigo, consigue escribir un éxito para la banda, éxito también conocido como Dame un Beso. Aquel capítulo me recordó dos cosas: el mismo ejercicio nos hacía mi profesora de música en el colegio y la primera vez que Dan Mulligan (Mark Ruffalo) escucha cantar a Gretta James (Keira Knightley) en un pequeño bar de Nueva York, cuando su imaginación lo lleva a escuchar cada posible instrumento que podría acompañar a la canción de la solitaria joven intérprete.

Dan está totalmente acabado: su matrimonio fracasó, la relación con su hija no va hacia ningún lado, bebe a cualquier hora del día y el socio con quien fundó una empresa discográfica le da la espalda al ver que Dan se hunde cada vez más. Lo que Dan necesita es un éxito y, al escuchar a Gretta, le es inevitable caer rendido ante su potencial; cuando le ofrece un contrato, Gretta insiste en que sólo compone canciones porque le gusta y no entiende la necesidad de venderse al sistema. 

La verdad es que Gretta también había tocado fondo y, de hecho, estaba a punto de irse de Nueva York antes de que Dan la conociera. Gretta había llegado con grandes esperanzas a la ciudad, ya que su novio, Dave (Adam Levine), había conseguido el éxito luego de vender sus canciones a una banda sonora. El plan de crear más discos y empezar una gira por Estados Unidos se acaba cuando ella descubre que Dave la engañó; su amigo Steve (James Corden) es quien la ayuda y quien la invita al bar donde luego Gretta conoce a Dan. Ese sí que es el destino haciendo de las suyas.

Gretta luego decide aceptar la oferta de Dan y graban un álbum sin tener mucho dinero, pero sí mucha voluntad; junto a un par de músicos, unos micrófonos, unos computadores y un par de cámaras, recorren distintos lugares de Nueva York grabando las hermosas canciones que Gretta ha escrito. Mientras graban el álbum, Gretta y Dan se unen mucho más y entienden los problemas del otro; su relación no es una proyección romántica, ya que dejan surgir una amistad digna de dos personajes que han tocado fondo de maneras muy distintas, pero quienes descubren cómo salir de aquel lugar gracias a la música. La medicina siempre será la mejor medicina, pero la música ayuda mucho también. Además, ¿qué mejor panorama que caminar por la ciudad, un audífono cada uno, escuchando cada canción en tu biblioteca, cada placer culpable sin temor al prejuicio? 

That's what I love about music. One of the most banal scenes is suddenly invested with so much meaning! All these banalities… they're suddenly turned into these... these beautiful, effervescent pearls. From music.

¿Cierto que hay películas tan lindas que dan ganas de vivir dentro de ellas para siempre? "Begin Again" provoca esa sensación.
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En 1986, un joven de veintidós años, llamado Malik Oussekine, fue brutalmente golpeado y asesinado por la policía francesa, quien creyó que él formaba parte de una protesta. En 1993, Makome M’Bowole recibió un disparo mientras se encontraba bajo custodia policial y esposado a un radiador, sin motivo aparente. Ambos hechos inspiraron al actor y director Mathieu Kassovitz cuando se trató de producir “La Haine”.

El recordado Nino Quincampoix decidió contar la historia de tres amigos que viven en un suburbio abandonado y violento de París, para lo cual también mezcló la ficción con un par de vivencias propias. Los tres amigos son Vinz (Vincent Cassel), Hubert (Hubert Koundé) y Saïd (Saïd Taghmaou); cada uno proviene de una familia de inmigrantes y cada uno enfrenta a su manera la brutal golpiza que sufrió su amigo Abel por parte de la policía. 

Vinz tiene un temperamento agresivo, gracias al cual no tiene problemas en recrear aquella famosa escena de “Taxi Driver” en el baño de su departamento y de jurar venganza; Hubert es un boxeador y traficante que prefiere no provocar a la policía, pero quien ve cómo el gimnasio donde entrena es incendiado por la supuesta autoridad; mientras que Saïd trata de ser un mediador entre las ideas radicales de Vinz y de Hubert.

Durante el curso de un día, los tres amigos pasean por su barrio y por el resto de un París en blanco y negro, completamente frío y desesperanzador, mientras enfrentan más situaciones hostiles y violentas de las que cualquiera podría soportar. La realidad que ofrece “La Haine” es desoladora e injusta; la cinta muestra una violencia que estuvo presente tanto en aquella época como en la actual, donde todavía tenemos que soportar abusos policiales como si fuese lo que correspondiera.
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La rutina y la normalidad jamás serán entretenidas en la vida real, pero cuando las observamos retratadas en alguna película, no pueden evitar ser idealizadas; ver una película como "Wonderland" incluso consigue que vuelvan las ganas de salir, como en alguna otra época que parece tan lejana, y consigue también que extrañe aquellos viajes de Viña a Quilpué, donde canciones como “Nadia” decoraban la espera en el taco. Pensaba que esa canción era una canción hecha específicamente para el soundtrack de “9 Songs”, pero resultó que Michael Nyman había creado todo un mundo de canciones para otra película llamada “Wonderland”.

“Wonderland” cuenta la historia de un clan familiar bastante solitario. Tenemos a los padres, Eileen (Kika Markham) y Bill (Jack Shepherd), quienes no se soportan y no hacen más que ofenderse y culparse de todas las cosas que les pasan. El matrimonio tuvo cuatro hijos: Debbie (Shirley Henderson), Darren (Enzo Cilenti), Nadia (Gina McKee) y Molly (Molly Parker). Debbie es una madre soltera que divide su tiempo entre su hijo Jack y su trabajo como peluquera, mientras que Nadia trabaja como mesera en un café y espera tener suerte con el aviso que publicó para poder encontrar pareja; por su parte, Molly es la única que está felizmente casada y, además, está a punto de dar a luz. De Darren, nadie sabe nada; se fue de la casa sin dar explicaciones y no mantiene contacto con su familia.

Dentro del curso de un par de días, podemos ver cómo cada integrante del clan lleva a cabo su rutina: atender clientes, salir de compras, recibir visitas, tomarse un café, beber un trago en algún bar, pasear por Londres, cualquier actividad que, antes de la pandemia, nadie se esmeraba en planificar o que ni siquiera era entretenida, pero la cual, bajo el clima frío de la capital inglesa o bajo aquella fotografía granulada, parece casi un documental que idealiza la normalidad de la vida diaria. Aquellas pequeñas discusiones o conflictos menores que, a veces no se quieren enfrentar, son los que consiguen que la película funcione; pueden parecer situaciones aburridas, pero así es la vida real, es aburrida y es decepcionante, pero hay que tratar de recordar lo que decían en “The Office”, encontrar la belleza en las cosas corrientes. No queda otra; para todo lo demás, existen las películas.
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En un pequeño departamento parisino, uno que no sería el de ensueño que la ciudad siempre ofrece, vive Jef Costello (Alain Delon), un misterioso y elegante asesino a sueldo, siempre listo para llevar a cabo su siguiente trabajo. Su modus operandi consiste siempre en robar algún auto, ir hasta un mecánico de cabecera para que cambie la matrícula y crear coartadas como, por ejemplo, visitar a su novia Jane Lagrange (Nathalie Delon) o a un grupo de amigos que juegan cartas. Rápido, silencioso y casi invisible, Jef tiene todos los instintos de un samurai cuando se trata de acabar a un completo desconocido.

Su último trabajo, el asesinato del dueño de un club nocturno, no pasa tan desapercibido como Jef hubiese preferido, ya que unos testigos lo reconocen en la escena del crimen debido al impermeable y al sombrero que Jef viste, justamente, para evitar ser observado. Haciendo uso, nuevamente, de sus increíbles talentos, Jef consigue despistar a la policía e, incluso, a los mismos testigos que podrían haberlo incriminado, pero quienes le encargaron este último trabajo no pueden dejar las cosas a la suerte y comienzan a perseguir a Jef con el motivo de eliminarlo también. 

Nunca sabremos la verdadera razón del porqué Jef tuvo que asesinar al dueño de aquel bar ni tampoco sabremos quiénes fueron los que encargaron aquel pedido ni, mucho menos, nos entregan detalles sobre la vida de Jef, pero, cuando la película concluye, todos esos detalles no importan, ya que tanto la historia como Alain Delon son lo suficientemente cautivadores y convincentes como para mantener nuestra atención durante toda la historia. 

"Le Samouraï" tiene algo especial en su ritmo, en su cinematografía, en aquella terrible y maravillosa escena final y, por supuesto, en la actuación de Alain Delon, la cual es una de esas actuaciones en donde el actor se pierde completamente y sólo nos queda un personaje, detalles que ahora convirtieron a esta cinta en una de mis nuevas películas favoritas.
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Cada vez que me topaba con el poster de "The Night Porter", pensaba que era alguna especie de propaganda de guerra rusa o alemana, el cual que había vuelto a renacer en la cultura underground de los años noventa, pero la verdad estaba muy lejos de mi extraña idea; el poster de la mujer usando suspensores hace alusión a la película de 1974, dirigida por Liliana Cavani. En aquella época, la cinta fue promocionada como la película más controversial de todos los tiempos, debido a que retrataba los encuentros sexuales entre una sobreviviente del Holocausto junto a uno de los oficiales nazi que había estado a cargo del campo de concentración en donde ella había sido detenida.

Es el año 1957 y Lucía (Charlotte Rampling) ahora es la flamante esposa de un director de ópera estadounidense; la joven regresa a Viena para asistir a uno de sus conciertos y, en el hotel donde se hospeda, se reencuentra con Max (Dirk Bogarde), quien trabaja como botones del lugar. Max lleva una vida normal y tranquila, pero once a nazi, always a nazi; junto a sus amigos y también ex oficiales, se reúne para recordar viejos tiempos y para continuar eliminando evidencias que puedan incriminarlos y demostrar su participación como niños símbolos del régimen de Hitler.

Gracia a una serie de flashbacks, aprendemos que Max y Lucía habían mantenido una obsesiva relación de abusador y abusada, la cual luego pasó a ser una relación tóxica, sadomasoquista, con toques de síndrome de Estocolmo, que retoman luego de reencontrarse en el hotel. La relación fue descrita en la época como erótica y la película, como un ejemplo de pornografía erótica; en la época actual, sólo sería descrita como controversial. Es una película tan controversial como lo sería una película acerca de una víctima de la dictadura chilena que se enamorara del militar a cargo del centro de detención y que este tratara esta relación abusiva como una relación de amor, por lo que podríamos dejar el erotismo de lado en este caso; sería como sexualizar algo bastante dañino y que no corresponde. 

Sin embargo, creo que "The Night Porter" fue una gran apuesta para aquella época y por parte de una directora y, aunque la historia parece ir de más a menos, la actuación de Charlotte Rampling destaca por sobre todo.
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En pleno apogeo de la popularidad de Madonna, la productora Orion Pictures decidió estrenar “Desperately Seeking Susan”, una comedia de errores que contaba con la participación de la cantante y que mostraba un fiel reflejo de la ciudad de Nueva York durante los años ochenta. Con una estética nostálgica y bastante peculiar, la cinta cuenta la historia de dos jóvenes que causan bastantes enredos a su alrededor.

Roberta Glass (Rosanna Arquette) es una insatisfecha ama de casa que vive en Nueva Jersey y que lee con fascinación los mensajes de amor que una pareja se dedica en el periódico; la pareja en cuestión está formada por Jim Dandy (Robert Joy) y Susan Thomas (Madonna), quienes se dedican a disfrutar de la vida sin pensar mucho en las consecuencias. Debido a Roberta desea vivir de esa manera, decide seguir el último aviso que Jim publica en el periódico. Roberta sigue la pista del título “Busco desesperadamente a Susan” y llega hasta Nueva York con la esperanza de poder ver a la misteriosa pareja; gracias a su mala suerte, Roberta termina viéndose involucrada en el robo de unas joyas egipcias, pierde la memoria y conoce a Dez (Aidan Quinn), un amigo de Jim quien la confunde con Roberta y quien comienza a enamorarse de ella.

Muchos enredos para una sola persona y muchos enredos para tratar de entender en un solo día, pero allí radica el encanto de “Desperately Seeking Susan”, además de contar con unas actuaciones adorables y destacables, tanto por parte de Rosanna Arquette como por parte de Madonna, quien se luce como el personaje rebelde y liberal que se mete en problemas, pero nunca con una mayor mala intención; fue tanto el éxito que la película le trajo que la calificación tuvo que ser rebajada con tal de que sus fanáticos menores de edad pudieran ir al cine a verla.

Además de ver a Madonna en una de sus mejores épocas, también es genial notar algunas de las primeras actuaciones de John Turturro o de Laurie Metcalf, por ejemplo, o el cameo de los trillizos idénticos, protagonistas, a su vez, del documental “Three Identical Strangers”, quienes fueron separados al nacer y quienes, al momento de reencontrarse, supieron la verdad acerca de sus distintas adopciones.

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Continuando con la pequeña obsesión en cuanto a todo lo que de “The Haunting of Bly Manor” se trata, lo siguiente que cualquier persona que también haya disfrutado la serie debería ver es “The Innocents”, adaptación cinematográfica del año 1961, que fue dirigida por Jack Clayton y protagonizada por Deborah Kerr. La película también se basó en la novela “The Turn of the Screw”, de Henry James, para contar la historia de una institutriz y los dos pequeños bajo su cuidado, pero gracias a la intervención de Truman Capote, el guión también pudo tomar otra dirección.

La protagonista, la señorita Giddens (Deborah Kerr) comienza a trabajar en la gran mansión Bly, cuidando a los hermanos Miles (Martin Stephens) y Flora (Pamela Franklin), quienes han quedado huérfanos y dependen del cariño de los empleados del hogar, ya que su tío (Michael Redgrave), único pariente cercano, no tiene tiempo para sus pequeños sobrinos. Desde el primer momento en que llega a Bly, la señorita Giddens queda completamente conmovida y encantada con Miles y Flora.

En una mansión tan grande y solitaria pueden ocurrir muchas cosas, por lo que la institutriz pronto se entera de la trágica y repentina muerte de dos antiguos empleados, Peter Quint (Peter Wyngarde) y la señorita Jessel (Clytie Jessop), quienes mantenían una relación. La joven Giddens también comienza a ver sus figuras fantasmales alrededor de la casa y comienza a sospechar que ambos poseen los cuerpos de Miles y de Flora para poder continuar su relación, por lo que Giddens decide protegerlos a toda costa. Es en esos momentos en los que el guión toma otra dirección, ya que varios atribuyen aquella sospecha de Giddens a su propia sexualidad reprimida.

Si “Birth”, durante el 2004, fue seguida por la controversia acerca de la escena en donde Nicole Kidman besa a un menor de edad, “The Innocents” pasó por la misma situación durante 1961; no es una escena que tenga alguna connotación sexual, pero siempre será desconcertante ver una demostración como aquella entre dos personajes, sea cual sea el contexto. Junto con aquella controversia, “The Innocents” también destaca debido a su increíble atmósfera terrorífica y claustrofóbica; la dirección y la producción provocan una sensación de ahogo y de desesperación de la que sólo quieres escapar, una sensación que no todas las películas de terror logran.
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Grace (Samara Weaving) no vivió una infancia muy feliz; pasó por varios hogares de acogida y nunca pudo disfrutar el hecho de tener una familia constituida. Al casarse con Alex Le Domas (Mark O'Brien), Grace tiene la esperanza de, por fin, ser parte de un clan numeroso y unido. La joven conoce al resto de los Le Domas durante el día de su matrimonio y no evitar notar que son un clan bastante particular, uno en donde las personalidades sobran. Grace también aprende que la familia tiene una tradición bastante especial: darle la bienvenida a los nuevos integrantes con un juego en el que todos deben participar.

Grace lo encuentra divertido y mucho más entretenido que sospechoso, porque, ¿qué tendría de malo pasar su noche de bodas jugando una partida de ajedrez o una mano de póker? Grace escoge la carta que la invita a esconderse para que el resto la busque y, mientras ella sigue creyendo que es un inocente juego y que todo se acabará cuando alguien la encuentre, los Le Domas se arman de flechas y balas para atrapar a Grace y sacrificarla antes del amanecer debido a un extraño e inadecuado pacto. La familia es experta en juegos, ya que su imperio se basa en la distribución de juegos de mesa, muy al estilo de empresas como Hasbro.

Como buena final girl, Grace comienza su historia como una joven adorable e inocente que sólo quiere ser feliz junto a la persona que ama, pero, a medida que la trama se intensifica, también demuestra que tenía un valor escondido, rompe parte de su vestido de novia, usa unas carismáticas zapatillas amarillas, toma una escopeta y no piensa dos veces antes de defenderse de sus nuevos y flamantes parientes. Y es imposible no desear que triunfe, ya que aquella tropa del "eat the rich" nos ha llegado profundamente tanto en la ficción como en la realidad.

Uno de mis juegos favoritos de la infancia debe ser La Escondida. Era un sueño jugar en una mansión inmensa, con una ventaja de contar hasta cien y con la posibilidad hasta de esconderse en aquellos pequeños ascensores que llevan comida a los pisos de arriba, por lo que "Ready or Not" se convierte en una película muy, muy entretenida; es una cinta original, dinámica y divertida, mientras que el talento de Samara Weaving queda perfecto para el papel de una protagonista y heroína.

No queda más que escuchar esta canción la próxima vez que juguemos como niños.
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Luego del estreno de “Evil Dead”, remake de “The Evil Dead”, película de 1981, el director Fede Álvarez decidió contrastar su siguiente proyecto y dejar atrás el exceso de sangre, de saltos inesperados y de presencias sobrenaturales para arriesgarse a contar una historia original y sencilla sobre unos ladrones que asaltan el hogar de un hombre ciego.

Rocky (Jane Levy), Alex (Dylan Minnette) y Rocky (Dylan Minnette) son tres delincuentes y amigos que se dedican a entrar a distintas casas y robar lo que encuentran; Rocky lo hace, debido a que necesita escapar a California con su hermana pequeña y abandonar aquel ambiente tóxico y violento que rodea a su familia. El perista de los tres amigos devalúa los productos robados, por lo que Money recurre a una nueva solución.

Norman Nordstrom (Stephen Lang) es un veterano de la Guerra del Golfo, quien sufre de ceguera y quien, según Money, esconde una cantidad de 300.000 mil dólares en efectivo dentro de su casa; Norman recibe ese dinero a modo de compensación tras la muerte de su hija tras un accidente de tránsito. El robo parece ser más fácil de lo que los tres amigos creen, ya que Norman cuenta con una desventaja, pero no imaginaban que la oscuridad y el silencio fuesen obstáculos para su nueva víctima.

“Don’t Breathe” es un verdadero acierto y un fiel ejemplo de que menos es más; una trama y una producción minimalista pueden ser mucho mejor que un remake con mayor presupuesto. La acción, el suspenso y aquel miedo que te recuerda a otros primeros miedos de infancia funciona en varias de las secuencias importantes y, aunque quizás tenga un par de cosas predecibles, el plot twist compensa cualquier otro detalle.
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Hace unos días, Netflix estrenó "The Haunting of Bly Manor", la segunda entrega de la colección "The Haunting..." que su catálogo ofrece y colección de la que Mike Flanagan se encarga majestuosamente. "Bly Manor", al igual que "Hill House", cuenta la historia de un hogar rodeado de presencias fantasmales que afectan a cada persona que pasa bajo el umbral. Los fantasmas son reales y pueden asumir la forma de un deseo, de un recuerdo, de un profundo secreto que te perseguirá toda la vida.

Además de contar con algunos actores de la entrega anterior y de contar con historias capaces de quebrar a la persona más fría, ambas temporadas son adaptaciones de distintas obras de terror. "The Haunting of Bly Manor" se inspiró en "The Turn of the Screw", novela escrita por Henry James, mientras que "The Haunting of Hill House" se basó en el libro de mismo nombre, escrito por Shirley Jackson. No es la primera vez que su obra es adaptada, ya que en 1963 se estrenó una película dirigida por Robert Wise, bastante fiel al libro.

Esta versión, llamada simplemente "The Haunting", comienza atemorizando con la historia de una mansión construida por Hugh Crain, lugar en donde ni él, ni dos de sus esposas, ni su hija, ni siquiera la cuidadora de su hija pudieron ser felices; suicidios, asesinatos y accidentes ensuciaron la reputación de la mansión, pero aquellos rumores la convierten en el mejor caso de estudio para el doctor Markway (Richard Johnson), fanático de las actividades supernaturales. Para llevar a cabo una investigación, Markway necesita a otros curiosos como él y, de esa manera, llegan a Hill House Eleanor Lance (Julie Harris), Theodora (Claire Bloom) y Luke Sanderson (Russ Tamblyn). 

Eleanor es una joven muy sensible que sólo quiere vivir una aventura; su madre, a quien cuidó durante once años, acaba de morir. Theodora tiene muchas aventuras en su vida y Hill House sólo sería una más en su lista, mientras que Luke es el futuro heredero de la mansión; quiere asegurarse de que, al menos, el lugar sirva como inversión. Desde la primera noche que el grupo pasa en Hill House, comienzan a notar las presencias dentro de la casa; Luke es el más escéptico, Markway está fascinado, Theo se preocupa de Eleanor y Eleanor no deja de escuchar que la mansión llama su nombre. Es ella quien siente y observa muchas más cosas que el resto del grupo, por lo que no es sorpresa para nadie cuando llega hasta al punto de arriesgar su propia vida con tal de seguir aquellas voces.

No creía mucho en lo terrorífica que "The Haunting" podría ser, porque la perfección de "Hill House" es difícil de superar y porque el libro de Shirley Jackson es bastante aburrido; cuando hablo de terror,  no me refiero a los saltos que aparecen de la nada, sino que a ese miedo que te pone la piel de gallina y que te hace mirar dos veces cuando vas por el pasillo, pero desde los primeros minutos de "The Haunting", el miedo entra rápidamente, sin ser invitado. Es la combinación entre la fotografía en blanco y negro, junto con la música escalofriante, la paranoia de Eleanor, la claustrofobia, los detalles que convierten a esta película en una digna de ver durante el mes del terror. 

Otro detalle que convierte a "The Haunting" en una película muy entretenida de ver es notar que, obviamente, está llena de referencias, momentos y citas que también aparecen en "Hill House". De hecho, el actor que interpreta a Luke en esta versión, Russ Tamblyn, es el mismo actor que interpreta al psicólogo de Nellie Crain en la versión de Netflix. Y, sin creer mucho en las coincidencias, ayer fue veintiuno de octubre; grité cuando el personaje de Luke está leyendo un libro y dice que fue escrito un veintiuno de octubre del siglo pasado. 
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Alexandra Medford (Cher), Jane Spofford (Susan Sarandon) y Sukie Ridgemont (Michelle Pfeiffer) son tres amigas que viven en la ciudad de Eastwick, en Rhode Island. A pesar de vivir en un lugar bastante pintoresco, las tres mujeres están bastante insatisfechas con sus vidas; Alexandra es madre soltera, Jane es una recientemente divorciada que no puede tener hijos y Sukie debe mantener a sus seis hijas con un trabajo no muy bien remunerado.

Sin saberlo, las tres amigas tienen poderes que las convierten en brujas y cada vez que se reúnen, una inocente especie de aquelarre se da a lugar. Cierto día, un misterioso hombre aparece en la ciudad, un hombre llamado Daryl Van Horne (Jack Nicholson); la elegancia y el carisma de Daryl maravillan y conquistan a todo Eastwick, pero él sólo tiene ojos para Alexandra, Jane y para Sukie, quienes se enamoran perdidamente de él y deciden vivir todos juntos como una gran familia.

No dudo de aquella magia que puede conseguir que tres mujeres hermosas se rindan ante los encantos de alguien como Jack Nicholson, ya que la vida real se ha encargado de mostrarnos su eficacia, pero un poco más de magia habría servido para salvar el acto final de “The Witches of Eastwick”.

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Mike Flanagan nos ha entregado excelentes productos de terror durante el último tiempo; series como “The Haunting of Hill House” o “The Haunting of Bly Manor” se han convertido, rápidamente, en favoritas debido a aquella mezcla entre el horror, el drama y el romance; la historia puede hacerte gritar de pánico como también puede destrozar tu corazón a pedazos.

Mike Flanagan venía experimentando con el género del terror desde hace un tiempo y una de sus obras previas a sus trabajos con Netflix es “Hush”, película protagonizada por Kate Siegel, esposa y frecuente colaboradora de Flanagan. En esta cita, Kate interpreta a Maddie Young, una escritora de historias de terror que perdió el sentido de la audición tras haber contraído meningitis a los trece años. Maddie vive en una cabaña en las profundidades de un bosque, un lugar perfecto para dar rienda suelta a la inspiración, pero un lugar terrible para verse amenazada y perseguida por un desconocido asesino.

“Hush” es una película dinámica y bastante ingeniosa, pero que, a ratos, cae bajo su propio peso; de todos modos, es lo suficientemente inteligente como para seguir adelante y entregarnos algo más que una sencilla premisa. Kate Siegel es increíble en este género, por lo que cualquier colaboración con Mike Flanagan siempre será bienvenida.

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"Jennifer's Body" tuvo la mala suerte de ser estrenada en 2009; la crítica la destrozó y nosotros nos dedicamos a seguir odiando y sexualizando a Megan Fox. Nadie le dio importancia a lo gracioso que era el guión, escrito por Diablo Cody, ni que la película estuviera dirigida por una mujer (Karyn Kusama), ni mucho menos notamos que Megan Fox de verdad actúa increíble en el género del terror. Claro, porque "Jennifer's Body" apareció mucho antes de que Hollywood siquiera soñara con un movimiento como el #meToo, por ejemplo, o el #TimesUp, movimientos que consiguieron que varios de nosotros abriéramos los ojos y tuviéramos que pedirle disculpas a distancia a varias actrices.

En 2009, la película fue descrita, simplemente, como "Twilight para hombres", una descripción que está muy lejos de hacerle justicia. Primero, "Jennifer's Body" nada tiene que ver con vampiros, sino que los rituales satánicos de bandas indie sin éxito y las posesiones demoníacas son los que se hacen presente. La película también ilustra la amistad entre Needy Lesnicki (Amanda Seyfried) y Jennifer Check (Megan Fox), quienes, a pesar de ser tan diferentes, han sido amigas desde pequeñas; nadie, en realidad, entiende mucho esa amistad. Luego de asistir a un concierto de la banda Low Shoulder y de presenciar un incendio que deja varias víctimas, Jennifer comienza a actuar de manera muy extraña: tiene varios cambios de ánimo y una insaciable sed de sangre. Sólo Needy es quien nota estos cambios y, cuando su propio novio está en peligro, decide enfrentar al demonio de su mejor amiga.

Dinámica, divertida, llena de referencias a la cultura pop y llena de canciones dignas de aquella época, "Jennifer's Body" sería un éxito seguro si fuese estrenada en la actualidad. Más que una fantasía vampírica para hombres, la historia es una fantasía de venganza; es una película que muestra el lado complicado de la amistad entre mujeres y que, de alguna manera, fue bastante adelantada para su época. Perdónanos, Megan Fox.
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Carlos (Fernando Tielve) es un niño que ha perdido a su padre durante la Guerra Civil Española; ya que ahora es huérfano, es llevado por dos amigos de su padre hasta un orfanato que se encuentra en un lugar remoto de España. Este orfanato es dirigido por el doctor Casares (Federico Luppi) y por su esposa, Carmen (Marisa Paredes); ambos apoyan a las fuerzas republicanas y ocultan una gran cantidad de oro en caso de que sea necesaria. 

Jacinto (Eduardo Noriega), cuidador del orfanato y novio de la profesora Conchita (Irene Visedo), es un hombre cruel y ambicioso, quien mantiene un romance con Carmen sólo para conseguir el oro que ella esconde. Jacinto también odia a todos los niños del orfanato, pero, a pesar de los sustos que les hace pasar, ellos encuentran la manera de sobrevivir a tan terrible contexto. Carlos se hace amigo de Jaime (Íñigo Garcés), quien le cuenta la historia acerca del fantasma que ronda por el lugar, el fantasma de un niño llamado Santi.

Pasando por los terrenos de la desesperanza, “El Espinazo del Diablo” también sabe entrar en los terrenos del terror y de la tristeza más desoladora; debe ser una de las películas de horror más dolorosas que existen.

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"I Love You to Death", basada en la verdadera historia del matrimonio Toto, cuenta las aventuras de Joey Boca (Kevin Kline), un italiano dueño de una pizzería con actitudes bastante condenables. Joey está casado con Rosalie (Tracey Ullman), una mujer que parece ser feliz viviendo para atender al marido machista; además de machista, Joey es increíblemente mujeriego y engaña a Rosalie como si el mundo se fuera a acabar. Las aventuras de Joey son un secreto a voces, pero Rosalie no quiere asumirlo, por más que su madre y su amigo, Devo (River Phoenix), se lo recuerden. Cuando Rosalie por fin abre los ojos, los tres idean un plan para acabar con Joey, pero hierba mala nunca muere y la noche se vuelve más complicada de lo que tenían pensado, con William Hurt y Keanu Reeves drogados incluidos.

Desde River Phoenix cerrándole la puerta en la cara a William Hurt, pasando por un Keanu Reeves dopado quizás con qué, el disfraz de Devo que no consigue engañar a nadie, Devo tratando de escapar y mintiendo con la bandita adhesiva hasta el "he was Italian", "he IS Italian", "I Love You to Death" es risa tras risa; además, es la colaboración definitiva entre Keanu Reeves y River Phoenix.
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Debemos esperar un año más para poder ver "Dune", pero el premio de consuelo es que, justamente, tenemos tiempo para aprovechar y ver "Blade Runner 2049", una película que debería ser vista en completa paz y disposición, ya que se siente de aquellas historias que duran siete horas.

La secuela de la película estrena en 1982, dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Harrison Ford, nos lleva hasta el año 2049. La sociedad no ha mejorado mucho desde el 2019, cuando la primera entrega nos contaba la historia de Rick Deckard (Ford) y su búsqueda de los replicantes Nexus-6, quienes estaban en la Tierra de manera ilegal. En la actualidad, existe un nuevo modelo de replicantes, los cuales son tan obedientes que pueden ser usados con mayor facilidad. K (Ryan Gosling) es uno de ellos; trabaja para la policía de California como blade runner y se encarga de "retirar" a otros replicantes. 

Durante su último trabajo, K descubre una pequeña caja con un gran descubrimiento: los restos de una replicante que había dado a luz. Manteniendo total discreción, K continúa investigando y visita la Corporación Wallace, empresa dedicada a crear a los replicantes obedientes; allí descubre que los restos eran de una replicante llamada Rachael (Sean Young), quien había tenido un romance con un tal Rick Deckard. Con esta nueva información, K pretende dar con el paradero de Deckard y del posible hijo que este tuvo junto a Rachael, pero no sospecha que el dueño de Wallace también quiere encontrar a ese bebé y envía a su asistente, Luv (Sylvia Hoeks), para que siga cada paso de K.

Además de la longitud y de la lentitud, otro detalle decepcionante de "Blade Runner" es que Niander Wallace pudo haber sido interpretado por David Bowie 💔

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A finales de los años noventa, cuando reinaban los chokers, las cejas extremadamente depiladas y los posters de Leonardo DiCaprio en todos los dormitorios, las vidas de Elin Olsson (Alexandra Dahlström) y de Agnes Ahlberg (Rebecka Liljeberg) comenzaban a cruzarse. Ambas adolescentes viven en una pequeña ciudad sueca, en donde según Elin, nunca pasa nada y todo lo que está de moda llega al lugar cuando ya dejó de estar de moda.

Luego de superar la sorpresa inicial de que ningún personaje se llamaba Åmål y que el nombre, en realidad, hacía referencia a la ciudad, también sufrí mucho con la decepción de Agnes al ver que nadie asiste a su fiesta de cumpleaños. Los dieciséis años son una etapa horrible y, para empeorarlo, tu madre te obliga a hacer una fiesta a la que, sabes de antemano, no irá a nadie, porque a nadie le agradas. De repente, para sorpresa de todos, aparece Elin y su hermana, Jessica (Erica Carlson). Elin y Agnes son muy diferentes. Agnes es introvertida, tímida, tiene buen gusto en música y películas, pero no tiene amigos. Elin, en cambio, es bastante popular, mucho más sociable, pero odia vivir en Åmål. Agnes está enamorada de ella y no puede creer que Elin se haya atrevido a besarla, con Foreigner sonando de fondo.

Durante su época de estreno en Suecia, “Fucking Åmål” tuvo una sola controversia: las personas del pueblo de Åmål insistían en que el nombre del lugar no fuese incluido en el título de la película, ya que podría traerle cierta fama debido a la mala palabra que la antecede; sin embargo, nadie se escandalizó por la trama o por las escenas que “Fucking Åmål” presentaba. Ojalá más ciudades fuesen tan tolerantes. Y cómo no serlo con tan hermosa película.

“Fucking Åmål” es una historia sencilla, honesta, sin pretensiones, que sólo desea recordarnos lo complejo que es ser un adolescente viviendo en un pequeño y aburrido pueblo durante los años noventa; la historia de amor entre Elin y Agnes también es un reflejo de los sentimientos en aquella época de la vida: vergüenza, timidez, pero mucha ilusión y ternura.
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Love lift us up where we belong 🎶

Zack Mayo (Richard Gere) es un joven cadete que nunca ha tenido una buena relación con su padre; un hombre distante y alcohólico que no lo trata con cariño; con la esperanza de tener una mejor vida, Zack se inscribe en una escuela de marina de Chicago, en donde el entrenamiento está dirigido por el exigente sargento Foley (Louis Gossett, Jr.). Al mismo tiempo, Zack conoce a Paula Pokrifki (Debra Winger) en una fiesta y ambos comienzan una intensa relación, pero el joven no puede sacarse de la cabeza la idea de que algunas de las mujeres del lugar sólo se involucran futuros pilotos debido al dinero.

A pesar de que pueda haber pasado a la historia como una trama algo cursi, no se puede negar que “An Officer and a Gentleman” tiene cierto grado de película icónica ochentera, muy al estilo de “Top Gun”; la película bordea la línea del romance y del melodrama, pero se atreve a correr riesgos y a tratar temas que, en aquella época, todavía eran muy complejos o controversiales.

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“Fast Times at Ridgemont High”, el debut como directora de Amy Heckerling, cuenta las historias de distintos adolescentes que asisten a la secundaria Ridgemont. Brad Hamilton (Judge Reinhold) cursa su último año y se prepara para terminar con su novia con tal de poder disfrutar la vida de soltero. Su hermana, Stacy (Jennifer Jason Leigh), tiene quince años, trabaja en una pizzería y quiere tener sexo por primera vez; siempre escucha los consejos de su amiga Linda Barrett (Phoebe Cates), quien cree saber más sobre temas amorosos que el resto de sus amigos. Uno de los estudiantes que más sobresale es Jeff Spicoli (Sean Penn), un surfista fanático de la marihuana que siempre está en guerra con el profesor de Historia.

“Fast Times at Ridgemont High” puede ser la típica comedia adolescente estadounidense, pero la crudeza y la ironía con las que la historia es tratada la convierten en un producto diferente. No me pareció un gran clásico, pero su estatus de icónica se debe a que no sólo fue el debut de Amy Heckerling, sino que también fue el debut actoral de Nicolas Cage y el de Eric Stoltz, uno de los primeros papeles de Forest Whitaker y a que el guión de la película fue escrita por Cameron Crowe.
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Hong Kong, años sesenta. Durante el mismo día, la señora Chan (Maggie Cheung) y el señor Chow (Tony Leung) se mudan a distintas habitaciones de un mismo departamento, provocando una especie de caos para sus nuevos vecinos. La señora Chan, una secretaria, es una mujer preciosa, que usa vestidos hermosos y cuyo maquillaje es envidiable; su marido siempre está de viaje en el extranjero, por lo que las vecinas de inmediato notan que ella pasa mucho tiempo sola. La rutina no es muy diferente para el señor Chow, un periodista; su esposa también viaja mucho, por lo que su soledad está más que asumida.

Debido a sus estatus de vecinos, la señora Chan y el señor Chow comienzan a encontrarse de casualidad por los pasillos o en las afueras del departamento; la soledad que los rodea en aquellas escenas es bellamente acompañada por una melodía siempre bienvenida. Superando el saludo ocasional, la relación entre ambos avanza rápidamente, sobre todo tras descubrir que sus respectivas parejas los engañan. Los sentimientos tras cada encuentro son cada vez más fuertes, pero ambos prometen que no serán como sus cónyuges. 

Las mejores historias de amor son las historias que, la mayoría de las veces, ni siquiera llegan a concretarse, aquellas que se susurran y se esconden dentro de un pequeño espacio.
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Los genios artísticos siempre provocan sentimientos encontrados; por un lado, nadie puede negar lo talentosos que son, pero, por el otro, son increíblemente quisquillosos. Alma Elson (Vicky Krieps) aprende esta gran lección cuando llama la atención de Reynolds Woodcock (Daniel Day Lewis), un brillante diseñador de moda que necesita de una musa inspiradora. Tras conocerse en un restaurante, en una situación digna de alguna comedia romántica, Reynolds invita a Alma a cenar; Reynolds es un tipo muy atractivo, interesante, culto y dueño de un acento británico, por lo que no se puede culpar a Alma cuando cae perdidamente enamorada de él.

Lo que había comenzado como una excelente cita, termina en una incómoda noche de tomar y anotar medidas, con la presencia de la hermana de Reynolds incluida. Cyril (Lesley Manville) trabaja también en el taller de Reynolds y está muy involucrada en todos los aspectos de la vida de su hermano. Alma tendrá que aprender a convivir no sólo con Cyril, sino que también con cada una de las pequeñas excentricidades que Reynolds asume como su personalidad. Alma es feliz sirviendo de inspiración, de maniquí y de modelo, pero pronto nota que eso es todo lo que se espera de ella; para mala suerte de los diseñadores, Alma es parada en la hilacha (no pun intended) y hará lo que crea necesario para controlar su relación con Reynolds.

No sé qué es mejor: ser Paul Thomas Anderson y tener de inspiración a Maya Rudolph o ser Maya Rudolph y servirle de inspiración a Paul Thomas Anderson. De lo que podemos estar seguros es que Anderson debe ser bastante parecido a Reynolds Woodcock, pero espero que nunca sepamos la verdad.
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"Gilmore Girls" nunca falla cuando de innumerables referencias a la cultura pop y de innumerables referencias al cine se trata; a veces no dejo de pensar en todas las ganas que Rory tenía de ser periodista y cómo un tipo parecido a William Hurt destruye todas sus ilusiones.

"Broadcast News" cuenta la historia de tres periodistas. Uno de ellos es Tom Grunick (William Hurt), un hombre al que nunca le fue bien en los estudios, pero cuya apariencia compensa; el otro es Aaron Altman (Albert Brooks), todo lo contrario a Tom: menos agraciado, pero muchísimo más inteligente como reportero y como escritor. Finalmente, tenemos a Jane Craig (Holly Hunter), una pequeña, inteligente, profesional y controladora productora de un noticiero. Los destinos de Jane y Aaron se cruzan con el de Tom, cuando este llega a trabajar a la misma cadena televisa en donde triunfan sus ahora colegas.

Todo el mundo recibe bien a Tom, algo que despierta los celos de Alan, quien siempre ha estado enamorado de Jane. La envidia de Alan no deja de aumentar, sobre todo cuando Tom es designado conductor de una noticia de último minuto; era una noticia para la cual Alan era el candidato ideal y se comprende su frustración. Tom aprovecha su nueva fama para hacer un reportaje sobre las mujeres que son atacadas sexualmente durante primeras citas, pero por dárselas de periodista profesional, Tom se las tendrá que ver con Jane.

Es genial que "Broadcast News" no se centre sólo en el triángulo amoroso (¿cuál de los dos era peor partido?), sino que también en la eterna batalla entre la apariencia y la experiencia; también es un detalle interesante mostrar a una mujer como productora ejecutiva, alguien a quien todos escuchan y a quien no tratan de loca ni de obsesiva, sobre todo en un ambiente tan competitivo como es la televisión. Jane sabe enfrentar con dignidad cada crisis que se presenta en el trabajo, incluso aquella última. Si tan sólo al personaje de Jack Nicholson le hubiesen quitado un millón de dólares de su sueldo... lo irónico es que el actor no cobró nada por aparecer un par de minutos en esta "Broadcast News".
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Hace un tiempo, compré un libro llamado "100 Clásicos del Cine del Siglo XX", escrito por Jürgen Müller; es entretenido leer una especie de resumen de muchas, muchas películas (parecieran más de cien), incluida sus fichas técnicas, pero me llamó la atención no encontrarme con "It Happened One Night". El libro recalca mucho cada premio que se ha llevado cada película (la que corresponda, claro) y esta cinta pasó a la historia como la primera en ganar los cinco premios Oscar más importantes, los Big Five: Mejor Actriz, Mejor Actor, Mejor Director, Mejor Guión y Mejor Película. Quizás el autor tampoco sentía mucho cariño por Clark Gable.

Clark Gable no fue la mejor de las personas; es imposible no repudiarlo después de lo que le hizo a Loretta Young. Sus personajes no estaban muy lejos de la realidad e "It Happened One Night" tampoco es la excepción; cuesta entender cómo vendían este tipo de cortejos como romance. La película cuenta la historia de Ellen Andrews (Claudette Colbert), una consentida heredera neoyorkina acostumbrada a hacer lo que quiere y a causar escándalos; el último en su lista fue su matrimonio secreto con el piloto King Westley (Jameson Thomas). El padre de Ellen quiere anular el casamiento, por lo que Ellen escapa del barco en donde paseaban y decide huir hasta Nueva York para reunirse con su nuevo marido. 

Tratando de pasar desapercibida, Ellen toma un bus de recorrido eterno y varias paradas incluidas. La presencia de Ellen no pasa desapercibida para Peter Warne (Clark Gable), un periodista recientemente despedido y que está en la constante búsqueda de alguna buena historia. ¿Qué mejor historia que la historia de la heredera desaparecida cuyo rostro está en cada periódico del país y cuyo padre ofreció recompensa? Peter, entonces, decide ayudarla: no la entregará a la policía siempre y cuando ella lo deje publicar su historia. Lo que pasó una noche sucede, en realidad, en cuatro noches. Entre problemas con el bus, en los moteles, con autos robados, entre varios "¡cállate!", golpes y "¡voy a romperte el cuello", nuestros protagonistas se enamoran.

A pesar aquel detalle, "It Happened One Night" es entretenida y tiene un par de momentos muy graciosos; la química entre Claudette Colbert y Clark Gable es innegable, pero cuesta entender el romance y también por qué esta sería una de las películas favoritas de Adolf Hitler y de Joseph Stalin.
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Los remakes nunca son causantes de mucha emoción, ya que le tenemos tanto cariño y respeto al producto original que no es agradable correr el riesgo de ver una querida historia quedar completamente arruinada. “Flatliners”, la versión estrenada en 2017, fue promocionada como una secuela en lugar de remake, algo que no la convertiría en una total falta de respeto.

Al igual que en la versión de 1990, dirigida por Joel Schumacher, la historia gira alrededor de un grupo de estudiantes de medicina que juegan con la vida y la muerte, al querer experimentar la sensación de expiración durante un par de minutos para averiguar qué es lo que existe en el más allá o si realmente existe otro mundo al que los vivos no podemos acceder. Los estudiantes se divierten en un principio, pero las consecuencias de sus actos comienzan a perseguirlos, al igual como le pasó al grupo de los años noventa.

Con cameo de Kiefer Sutherland incluido, “Flatliners” no puede ser más que la primera parte, ya que le falta aquella emoción como para llevar a la trama hasta un lugar más interesante. Se agradece la inclusión de más personajes femeninos y la de Diego Luna, pero pudieron habernos dado mucho más.

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"Chaos is order yet undeciphered"

Hace unos días, se estrenó el tráiler de la nueva versión de "Dune", aquel producto somnífero que vi hace unos años atrás y que lamenté mucho que hubiese sido dirigido por David Lynch, pero esta versión, al menos, se ve algo más entretenida. Básicamente, toda la fe que tengo es debido a que su director es Denis Villeneuve.

En "Enemy", la historia presentada está basada en "El Hombre Duplicado", novela escrita por José Saramago. La película nos muestra la vida de Adam Bell (Jake Gyllenhaal), un profesor universitario de Historia, cuya vida es muy tranquila, bordeando el nivel de lo aburrido. Cierto día, un compañero de trabajo le recomienda una película llamada "Where There's a Will, There's a Way" y Adam nota que uno de los actores luce idéntico a él. Adam, entonces, comienza a buscar a este actor en internet; ¿quién no ha buscado el nombre de un actor en IMDB después de ver una película? Adam se obsesiona con este hombre, llamado Anthony Claire.

Lo que podría haber sido una reunión de hermanos separados al nacer, se va transforma en un intenso misterio; "The Parent Trap" gone wrong. La esposa de Anthony, Helen (Sarah Gadon), cree que Adam es la pareja de una ex amante de su esposo, mientras que Anthony cree que Adam es sólo un fan y Adam, por su parte, no puede entender lo que está pasando. Una visita a su madre (Isabella Rossellini) sólo levanta más interrogantes: ¿no es hijo único?, ¿a quién le gustan los arándanos y a quién no?, ¿es necesaria tanta tarántula en la historia?

"Enemy" es un thriller psicológico que jamás revelará su secreto, el cual sólo deja preguntas y más preguntas sin ninguna respuesta. Podríamos suponer que Adam y Anthony eran los dos lados de una misma persona o que ciertos patrones se repiten, como explicaba Adam en una de sus clases, o que la vida de Adam era tan aburrida que Anthony podría ser una proyección de su subconsciente. Quizás "El Hombre Duplicado" ofrezca más respuestas.

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Holi

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Catalina. Basada en hechos reales.

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