We'll always have Paris

 

Las películas, además de funcionar como forma de entretenimiento, también nos muestran realidades distintas, realidades que quizás nunca hubiésemos conocido si no fuese por historias como las de "Parasite". Personalmente, no estaba al tanto de la desigualdad que existe en Corea del Sur, por lo que la historia fue una revelación y una sorpresa, ya que es inevitable encontrar varios elementos parecidos a la desigualdad presente en este país también; el capitalismo ha hecho de las suyas alrededor del mundo. Es imposible no celebrar a "Parasite", entonces, desde su premisa, pero la cinta, además, es un increíble relato que combina géneros como el drama, la comedia, el suspenso y el misterio, detalle que mantiene nuestra atención de principio a fin.

Al igual que con "Snowpiercer", el director Bong Joo-ho nos muestra en "Parasite" una especie de viaje a través de las clases sociales, dentro de un relato divertido, inteligente y crítico. Sin duda, es la mejor película de este año y, sin miedo a arrepentimientos, debe ser la mejor película de esta última década.

"Marriage Story" es una historia escrita y dirigida por Noah Baumbach, quien se basó en su propia experiencia con el divorcio luego de separarse de la actriz Jennifer Jason Leigh; sin embargo, el director no es ajeno a tratar el tema de los quiebres familiares, ya que lo había hecho antes en "The Squid and the Whale". Retratar un tema tan personal es bastante arriesgado, pero cuando se hace bien, la historia, de inmediato, se siente mucho más cercana y real, lo cual es el caso con "Marriage Story". 

Las actuaciones principales, a cargo de Adam Driver y de Scarlett Johannson, están a la altura de sus personajes tan complejos e interesantes y, así como se necesita química para hacernos creer en que dos personas se aman, también se necesita de química para hacernos creer que ambos también se odian y que son capaces de gritarse aquellas ofensas tan controversiales que exclaman. La participación de Laura Dern como la abogada Nora Fanshaw también es muy destacable, participación que recalca el excelente momento por el que su carrera está pasando.

A pesar de que "Marriage Story" recuerda mucho a "Kramer vs. Kramer", la película puede resaltar por sí misma y también es una relato tan triste como esperanzador.

En "Joker", la trama gira en torno a Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), un hombre que sufre de serios trastornos mentales, quien vive con su madre enfermiza madre, Penny (Frances Conroy), y quien sueña con convertirse en un famoso y respetado comediante. Durante ciertos días, en los cuales el caos comienza a asentarse en Ciudad Gótica (una situación que, inevitablemente, puede recordar a la de este país), el caos también se hace presente en la vida de Arthur: es despedido de su trabajo, su tratamiento ya no será costeado por los servicios sociales y la verdadera identidad de su padre le es revelada. Cada situación sólo deteriora la salud mental de Arthur, quien consigue desencadenar una especie de revolución en la ciudad.

Desde el momento en que comencé a ver "Joker", sabía que no podría gustarme. Bajando las expectativas y abriendo la mente a un relato diferente puede ayudar, pero, al final del día, las historias en donde, supuestamente, debemos sentir pena o empatía por algún gran villano o villana popular, nunca me han convencido; creo que podemos hacer una historia en donde entendamos los comienzos de su maldad sin que nos muestren a una persona triste o abandonada. El recurrir a los trastornos mentales para excusar las actitud sociópatas o psicopáticas de un personaje es un tema más que delicado a estas alturas y un tema que no debería ser utilizado de esta manera; molesta, sobre todo, cuando los crímenes de Arthur, los cuales son, claramente, peligrosos y condenables, son mal utilizados como una excusa ante tanta injusticia social. 

La actuación de Joaquin Phoenix es correcta dentro de una película que intenta ser seria, profunda y trágica, cuando, en realidad, sólo es una prueba que Todd Phillips quiere llevar a cabo para demostrarnos que sí es capaz de navegar por otro género de películas, luego de que se haya sentido incapacitado para seguir haciendo aquella comedia misógina que tanta fama le trajo tras el despertar que se ha producido, últimamente, en la sociedad. Mirándolo mucho más de cerca, la actitud adoptada por el director, aquella de hombre incomprendido y solitario por el mundo, es bastante parecida a la de su cuestionable personaje principal.

Kat Ellis (Debra Messing) es una neoyorkina que debe regresar al hogar de sus padres en Londres, debido a la ceremonia de matrimonio de su hermana menor, Amy (Amy Adams); ella está comprometida con Ed (Jack Davenport), quien ha elegido a Jeffrey (Jeremy Sheffield), nada menos que el ex novio de Kat. La protagonista decide sacarle celos y, para llevar a cabo su plan, contrata a un escort llamado Nick Mercer (Dermot Mulroney), quien le hace creer a todos que él y Kat están completamente enamorados.

Admiro la valentía de la protagonista al atreverse a comprar la compañía de otra persona, pero “The Wedding Date” es tan insípida y cursi que no me arriesgaría a verla una segunda vez.

"Showdown in Little Tokyo" es de aquellas películas que son parte del género de acción en donde los policías son héroes, de aquellas que vivieron su máximo esplendor durante los '80 o los '90. Quizás su trama sea algo repetida, pero también es una película muy entretenida; además, hay una escena en donde Brandon Lee le dice a  Dolph Lundgren: "he has the biggest dick I’ve ever seen on a man", un ejemplo más de aquel homoerotismo que ahora estamos descubriendo en este género de acción.

Dani Ardor (Florence Pugh) es una joven estudiante de psicología, quien vive preocupada por la delicada situación del trastorno mental de su hermana menor, Terri (Klaudia Csányi). Cierto día, Dani recibe una terrible llamada telefónica, informándole que su hermana se ha suicidado y, además, se ha llevado a sus padres con ella, cuando decidió llenar la casa de monóxido de carbono. Dani queda en el peor de los estados, absolutamente sola y desamparada, lo que también afecta la relación con su novio, Christian (Jack Reynor), quien estaba a punto de terminar con ella.

Dani luego se entera de que Christian y sus amigos, Josh (William Jackson Harper), Mark (Will Poulter) y Pelle (Vilhelm Blomgren) han organizado un viaje a Suecia para conocer la celebración del midsommer, celebración en donde se festeja el solsticio de verano; Dani nota que la invitan por lástima y, desde el comienzo del viaje, se siente como una carga. Guiados por Pelle, el grupo llega hasta Hälsingland, comunidad en donde él creció y un lugar hermoso, soleado y colorido. Los residentes son muy amables con los estadounidenses, pero luego de una espantosa ceremonia que involucra a los ancianos de la comunidad, las cosas se van poniendo cada vez más espeluznantes. 

Gracias a "Midsommar", el director Ari Aster demuestra que no se necesita de un escenario oscuro o nocturno para asustar hasta a la persona más fuerte; las cosas misteriosas que suceden a plena luz del día, en un lugar donde existe un día en donde no anochece, dentro de una comunidad que parece más una secta que una familia, pueden ser todavía más terroríficas que un asesino serial o una presencia fantasmal. Otro detalle que es increíblemente aterrador es el hecho de la soledad que rodea al personaje de Dani y la falta de apoyo dentro de su grupo más cercano; que nadie te crea, que traten de minimizar tus miedos o que nadie te contenga es parte de aquella temida e irrespetuosa técnica llamada ghosting, técnica que ha estado normalizada por mucho tiempo y que se refleja a la perfección en "Midsommar".

Al igual que "Hereditary", esta película es una maravillosa obra de terror que se cala en los huesos y que será muy difícil de olvidar. Creo que vomité.

Al igual que con "Always Be My Maybe", lo interesante de "Crazy Rich Asians" es que su elenco está compuesto sólo de actores asiáticos, lo que es un logro tratándose de una comedia romántica y de una comedia romántica producida en Hollywood. Es una película refrescante y graciosa, en donde cada personaje se destaca por sí mismo y en donde una historia sobre una cultura que parece tan lejana se siente cercana, adorable y disfrutable.

A pesar de que algunas secuencias parecen ser innecesarias o de que la película parece estar atestada de información, "It: Chapter Two" consigue ser una película entretenida, de todos modos. Gracias a la química entre varios de los actores y la maravillosa actuación de Bill Hader, la historia se vuelve interesante, sobre todo cuando ya estamos involucrados con la trama de la película anterior. La primera parte pudo haber sido mucho más terrorífica, pero esta entrega funciona como un cierre decente para la obra de Stephen King.

Utilizando una seguidilla de cameos (algunos de menor importancia) tras cameo, Tarantino nos cuenta la historia de amistad entre Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y Cliff Booth (Brad Pitt); Rick es un actor que está pasando por una especie de decadencia en su carrera artística, mientras que Cliff es un doble de acción y el hombre que realiza los mandados de Rick; estos amigos viven en aquella época dorada del Hollywood de los años ‘60. Siendo tan nostálgico como es, podríamos pensar que Quentin Tarantino estaba en su área de dominio, creando un homenaje a la medida de su tan querido Hollywood, pero la verdad es que no. "Once Upon a Time... in Hollywood", además de sentirse algo desordenada, es una película llena de cameos que tratan de formar una historia en donde Rick Dalton no quiere dejar ir la fama tan fácilmente; existen muchas escenas innecesarias en donde Brad Pitt o Margot Robbie, interpretando a Sharon Tate, conducen por la ciudad sólo para justificar un buen soundtrack cuando antes hemos visto escenas como esta, por ejemplo.

La película también cuenta con una falta de respeto increíble hacia Bruce Lee, una escena en donde la audacia (o the caucasity) no tiene límites; todo lo que Quentin Tarantino tomó como inspiración para "Kill Bill", ahora parece haber sido olvidado. Si en 2003, su personaje principal acababa con David Carradine, consiguiendo una venganza por el whitewashing de la serie "Kung Fu", ahora Tarantino retrata a Bruce Lee como un simple engreído sin razón; lo que más molesta no es, solamente, que lo hayan mostrado como un tipo arrogante y soberbio (las personas blancas odian cuando las personas de color son seguras de sí mismas), es también el hecho de que nos hayan querido decir que un hombre blanco, sin mayor entrenamiento en artes marciales, podía ganarle en una pelea a BRUCE LEE.

¿Qué se puede decir sobre la inclusión en la historia de los asesinatos de la familia Manson? Tarantino quiso sorprender con un plot twist, con el cual cambia el futuro nuevamente, una técnica que ya utilizó en "Inglourious Basterds", pero cuando deberíamos sentir alegría o alivio de que esta vez Sharon Tate y sus amigos se salvaran de aquellos horribles crímenes de los que sufrieron, el morbo de las últimas escenas te carcome por dentro. "Once Upon a Time... in Hollywood" fue una muy incómoda experiencia.

Cuando se organiza un torneo para elegir al ganador que pedirá la mano de Mérida, ella sorprende a todo el mundo incluyéndose en el concurso para luchar por su propia mano. Mérida es, claramente, superior a cada joven presente, pero su increíble actitud de empoderamiento le trae grandes problemas con su madre, la reina Ellinor (Emma Thompson), quien insiste en que Mérida siga las reglas impuestas para las mujeres. Debido a su rabia, Mérida condena a su madre a un extraño hechizo, el cual sólo se romperá una vez que la joven "repare el vínculo que el orgullo rompió".

Además de contar con su primera protagonista femenina, Pixar también apostó por tomar el camino de los cuentos de hadas o leyendas populares, con lo cual también se nota la influencia de Disney en sus historias. “Brave” es otro adorable cuento infantil capaz de emocionar al adulto más grande; su historia de amor entre madre e hija recuerda a aquellas representadas en “Finding Nemo”, por ejemplo, y el hecho de que cuente con una princesa que no quiera seguir las normas establecidas es un gran respiro entre tanta historia parecida.

La tercera parte de “Toy Story”, aquella adorable historia en donde los juguetes cobra vida, fue tan emotiva que parecía el cierre perfecto para una saga que nos había acompañado desde la infancia hasta que, varios de nosotros, teníamos una edad cercana a la edad de Andy, el protagonista y dueño de los juguetes. Habíamos visto un tan buen cierre que el anuncio de una cuarta parte se sentía más forzado que necesario.

Para justificar esta nueva entrega, Pixar explicó que sería una especie de spin-off y que seguiría el estilo de una comedia romántica; debieron haberse expandido o quedado con esa explicación, porque “Toy Story 4” está lejos de ser recordada como una querida parte de esta saga. La historia sigue a Woody (Tom Hanks), principalmente, quien está tratando de aceptar que ahora es el juguete de un nuevo niño, y quien luego se reencuentra con Bo Peep (Annie Potts), su antiguo amor de las primeras partes de “Toy Story”.

Además de ser una entrega innecesaria, “Toy Story 4” decepciona también porque ya no es una aventura que involucre a todos los antiguos juguetes de Andy; todos quedan relegados a menos que coprotagonistas y debemos conformarnos con nuevos personajes que no son igual de carismáticos que los primeros. Es divertida la participación de Keanu Reeves, pero ni eso es suficiente para esta olvidable película.

La comedia romántica ya no es un género que evito, pero lo ideal es que las películas de este estilo tengan al menos un detalle interesante como para involucrarme en su trama. En el caso de “Always Be My Maybe”, la cinta tiene la particularidad de haber sido escrita por Ali Wong, comediante que ha tenido bastante éxito con sus especiales de stand-up en Netflix; de hecho, fue esta misma compañía quien auspició el ambicioso proyecto de Ali: una comedia romántica cuyo elenco fuese exclusivamente compuesto por actores asiáticos.

En “Always Be My Maybe”, Ali interpreta a Sasha Tran, una exitosa chef de celebridades que creció en San Francisco; su mejor amigo durante la infancia y la adolescencia había sido Marcus Kim (Randall Park), pero su amistad sufre un quiebre luego de haber intentado ser algo más que amigos. Años después, Sasha regresa a su ciudad natal, en donde encuentra a Marcus todavía viviendo con su padre y siendo líder de una banda de poco éxito. Ambos retoman su amistad, pero las cosas que no se dicen complican la relación más que las cosas que sí se dicen.

Netflix realmente hizo una excelente inversión en el talento de Ali Wong, ya que “Always Be My Maybe” es una comedia increíblemente divertida y adorable, una que recuerda a aquella época de “When Harry Met Sally” o “My Best Friend’s Wedding”. La combinación de actuaciones, de diálogos y de aquel maravilloso cameo de Keanu Reeves hacen que esta película sea una imperdible. 

"Us" es la nueva y maravillosa película de terror dirigida por Jordan Peele, quien vuelve a llenar de simbolismos una historia tan original como "Get Out", pero, al contrario de su ópera prima, esta segunda obra puede ser arruinada, como pasó en mi caso, por adelantarse a la trama o por generar expectativas. De todos modos, "Us" también es igual de impactante y de entretenida, y cuenta con actuaciones tan brillantes que es una película difícil de olvidar.

"Point Break" podría ser parte de aquel grupo de películas de acción que vieron su mejor época durante los ochenta o los noventa, pero esta cinta es mucho más que una simple historia sobre el policía héroe y el ladrón carismático. Quiero apostar a que el detalle que hace a "Point Break" es el hecho de que fue dirigida por Kathryn Bigelow, directora que no sólo se concentró en la agilidad de la acción, sino que también en darle algo más de profundidad a sus personajes principales.

Como directora, quizás pudo tomarse más libertades y darle hasta un toque algo homoerótico a la relación entre Johnny y Bodhi, un toque presente en otras películas de acción, pero que nunca es tan explorado debido a la fragilidad masculina. Los personajes principales se observan y de desafían como dos personas que están a punto de caer ante sus tentaciones y, además de la historia y de las persecuciones, es la relación entre Johnny y Bodhi lo que más se destaca dentro de "Point Break".

Siempre acompañada de su fiel asistente, Valentine (Kristen Stewart), Maria trata de superar la pérdida de Wilhelm y se prepara para su nuevo papel; un joven director está tratando de hacer un remake de la obra que la hizo famosa, sólo que esta vez, Maria interpretaría a un personaje distinto. Ahora, veinte años después de su debut, Maria intenta entender a aquel personaje con el que nunca conectó y también a Jo-Ann Ellis (Chloë Grace Moretz), la rebelde estrella hollywoodense del momento que interpretará al personaje que llevó a Maria al estrellato.

"Clouds of Sils Maria" es de aquellas pocas películas que retrata tan bien las relaciones entre mujeres de distintas generaciones y las conexiones que pueden establecerse a pesar de la diferencia de edad; tenemos tantos temas en común, como la soledad, el miedo o la inseguridad que las cosas superficiales están de más. Las actuaciones de las tres protagonistas son el fiel reflejo de estas conexiones y, por más insoportable que Chloë Grace Moretz sea, su personaje le sienta bastante bien.

You know nothing, Jon Snow.

Cualquier imagen sobre el desierto o sobre ciudades como Texas podrían ser sólo un aburrida inventario geográfico sobre ciertos lugares estadounidenses, pero bajo el lente de Wim Wenders hasta los aspectos más triviales de aquella región parecen ser imágenes sacadas de las mejores exposiciones fotográficas del mundo. Junto con esta idealización del panorama desértico, "Paris, Texas" también es una historia nostálgica y triste, cuyo final ofrece algo de esperanza tanto para sus espectadores como para sus personajes.

"Guava Island" es una película que ejemplifica tanto la naturaleza del verano dentro de una isla de ensueño como el contraste de la clase menos privilegiada y menos respetada dentro de un contexto déspota e injusto, situación que se da en muchos lugares de nuestro continente. La música no puede resolver el problema de raíz, pero siempre ayudará a apaciguar el dolor.

"Dancer in the Dark" debe ser el musical más triste que existe; es tan sombrío y desgarrador que podría ser considerado una especie de antimusical. La vida y las desaventuras de Selma sólo provocan nuestra angustia y empatía, las cuales, gracias a la maravillosa actuación de Björk, se sienten cercanas y reales. La dirección a cargo de Lars von Trier es extraña, pero envolvente y, a pesar de aquellos rumores sobre enemistad en el set, tanto protagonista como director lograron entregarnos un producto tan triste como adorable.

Una trama tan simple como la de "John Wick" hubiese sido furor en películas de acción ochenteras o noventeras y quizás habría sido otra más protagonizada por actores de la talla de Stallone, Van Damme o, peor, Steven Seagal. Lo más probable es que nunca la hubiese visto, pero lo bueno de crecer es que te das el gusto de ver cualquier cosa que den repetidamente en la televisión; si esas repeticiones incluyen a Keanu Reeves, entonces mucho mejor.

Keanu interpreta a John Wick, quien sale de su retiro para buscar a Iosef Tarasov (Alfie Allen), hijo de Viggo Tarasov (Michael Nyqvist), un antiguo socio. Todos sus conocidos saben que el regreso de John Wick es inevitable y que acabará con todo aquel que se atreva a cruzarse en su camino, lo que también significa que podremos presenciar maravillosas escenas de acción decoradas con luces de neón. La trama sencilla, entonces, se convierte en una película disfrutable y demasiado entretenida.

Judy Bernly (Janet Fonda), Violet Newstead (Lily Tomlin) y Doralee Rhodes (Dolly Parton) trabajan en la misma oficina: Judy es la nueva integrante de la empresa, Violet lleva años esperando un ascenso y Doralee es la secretaria personal del jefe, Frank Hart Jr. (Dabney Coleman). Lamentablemente, las tres protagonistas trabajan para un cerdo sexista, ególatra, mentiroso, hipócrita e intolerante; Frank grita a Judy como él quiere, menosprecia el talento de Violet y acosa a Doralee hasta el cansancio. 

Entre queja y queja, las oficinistas pronto se convierten en amigas y pasan la mayor parte del tiempo imaginando formas de venganza en contra de Frank; francamente, el tipo se lo merecía y quien no haya fantaseado con gritarle de vuelta a su jefe, que tire la primera piedra. Las fantasías pronto parecen convertirse en una realidad cuando, debido un descuido de Violet, la venganza toma forma real y las cosas comienzan a salirse de control. 

Una de los detalles más rescatables de "Nine to Five" es aquel sentimiento compartido de odio hacia ciertas políticas del lugar en donde trabajas y el temor de no poder hacer nada por miedo a perder tu trabajo; es una triste realidad con la que varios nos podemos identificar, pero, de cierto modo, es un alivio saber que es un sentimiento universal. Lo que también destaco es el empoderamiento de los personajes principales luego de su venganza; el trío también se tomó el tiempo de cambiar el ambiente laboral e implementaron soluciones como mejores horarios y facilidades para aquellas trabajadoras que también eran madres. 

Es un sueño poder hacer cambios significativos dentro de un contexto tan injusto.

Para aquellos que no estamos familiarizados con el cine de Nicolas Roeg, una sola mirada a "Performance" puede ser bastante intensa y extraña; la película tiene escenas alucinógenas y experimentales capaces de marear incluso al más fuerte. La cinta también puede ser considerada como un viaje, ya que termina con un estilo totalmente diferente al estilo con el que comienza; nos presentan una historia de crimen londinense para luego pasar a una historia empírica, digna de algún cuento de Jorge Luis Borges.

Las actuaciones también destacan, sobre todo la de James Fox, cuyo personaje de Chas está, literalmente, actuando durante el curso de la película. "Performance" es de aquellas películas de culto que puede tener miles de interpretaciones; por el momento, ya que todavía estoy procesando la historia, me quedaré con aquella interpretación que nos dice que todo en la vida es una mera actuación.

"The Handmaiden", película dirigida por Park Chan-wook, está contada en tres distintos capítulos, dos de los cuales nos llevan a través de un viaje de traiciones y secretos dignos de los mejores misterios del mundo; la historia juega con nuestras expectativas hasta el último momento y, además de ser un relato romántico inesperado, la película también se transforma en un thriller lleno de suspenso. Junto con mantener nuestra atención en todo momento gracias a la historia, Park Chan-wook también lo logra con aquella hermosa estética rodeada de colores y sensaciones tan hermosos como sus personajes principales.

Que "The Handmaiden" se centre en dos personajes femeninos durante una época completamente misógina es una interesante premisa, más que suficiente como para obsesionarse con esta película.

En "Glass", McAvoy vuelve a lucirse en lo que parece un relato mucho más tedioso de lo que podríamos esperar. Shyamalan parece alejarse nuevamente de los plot twists y concentrarse más en las actuaciones, pero "Glass" sólo parece una buena idea que fue mal ejecutada.

Agnès Varda, directora, y Michel Legrand, músico y actor, fallecieron este año y es increíble que sólo recién haya tenido tiempo de ver esta maravilla llamada "Cléo de 5 à 7", maravilla que viene con un cameo de Anna Karina y Jean-Luc Godard incluido.

Ron aspira a más y pide participar como agente encubierto de una misión a cargo de Flip Zimmerman (Adam Driver), quien investiga a Kwame Ture (Corey Hawkins), un líder de la lucha por los derechos civiles; de esta manera, Ron se acerca más a Patrice Dumas (Laura Harrier), una dirigente estudiantil que también está comprometida con la causa. Al mismo tiempo, Ron llama a una de las oficinas del Ku Klux Klan y, haciéndose pasar por un hombre blanco, comienza a conseguir la simpatía de los líderes racistas.

La historia de “BlacKkKlansman” está basada en una historia real, la cual fue impregnada en el libro “Black Klansman”, escrita por el mismísimo Ron Stallworth, policía que se enfrentó a las fuerzas del Ku Klux Klan, una hazaña digna de admiración. Spike Lee decidió llevar su historia a la pantalla grande, dentro de lo que es una película cruda y real, una película que funciona como retrato de la verdad y como contradicción a aquella creencia de que el racismo ya no es tan fuerte como antes. Mezclando imágenes actuales con recuerdos de aquella infame película llamada “The Birth of a Nation”, Spike Lee nos recuerda la tristeza de los linchamientos, la injusticia del sistema en contra de las vidas afroamericanas y la desesperanza frente a nuestro propio contexto.

Además de aquel poderoso mensaje, “BlacKkKlansman” resalta por ser una increíble película policial y social, por aprovechar una plataforma y dejar como payasos a los racistas, y por recordarnos que hay más en la historia afroamericana que un relato de supuesta amistad entre un músico y su chofer que luego será galardonada con un vacío premio Oscar.

Si pudiera, me encantaría darle las gracias personalmente a la guionista Deborah Davis por haberse obsesionado con la relación entre estas tres mujeres históricos y por haber escrito semejante maravillosa historia. Se necesita tanto de personajes como los que "The Favourite" retrató; la sociedad nos acostumbró a parecer siempre buenas, agradables y adorables, pero la verdad es que también podemos ser calculadoras, malcriadas y crueles. Las quejas frente a lo desagradables que los personajes principales pueden llegar a ser parecen ridículas, ya que nadie se quejaría de la personalidad de los protagonistas de una película de gánsteres, por ejemplo. El hecho de que la reina Ana, lady Sarah y Abigail sean todo lo contrario de lo que la sociedad espera de ellas es lo realmente interesante de "The Favourite".

La maravilla de la película también se debe, en gran parte, a las actuaciones. Olivia Colman sufre y se luce en cada escena de su grotesca y empática interpretación, mientras que la frialdad de Rachel Weisz es el mejor contraste para el personaje de la reina Ana; ambas se quieren tanto, pero tienen ideas tan distintas sobre el amor que es imposible que se lleven bien al cien por ciento. Por otro lado, la personificación de la mosca muerta del personaje de Emma Stone consigue que la historia continúe a un ritmo perfecto, intenso y hasta divertido. En cuanto a producción y dirección, Yorgos Lanthimos hace maravillas con aquellas escenas grabadas bajo un ojo de pez y lo absurdo de su característico humor sólo eleva la calidad de la historia.

"The Favourite" fue, definitivamente, mi película favorita durante la pasada temporada de premios.

Las personas viven dentro de una rutina bastante monótona, pero tranquila, dentro de la cual David (Colin Farrell) entabla dos amistades: John (Ben Whishaw), un joven cojo, y Robert (John C. Reilly), un hombre que sufre de sigmatismo. A modo de distracción, los encargados del hotel organizan una cacería, en donde cada soltero debe atrapar a aquellos rebeldes que viven en el bosque y que se reniegan a ceder ante la presión de encontrar una pareja.

Dueña de un humor negro tan adorable como extraño, “The Lobster” es una película brillante, rara, divertida y encantadora; quizás a algunas personas les parezca hasta ridícula, pero creo que allí recae su gracia. Frente a una especie de mundo apocalíptico, el director Yorgos Lanthimos decide mostrar una versión algo más relajada e hilarante de una realidad tan cruel y absurda; gracias a las actuaciones tan irreverentes, “The Lobster” consigue transformarse en una comedia obligatoria dentro de este tipo de humor.