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We'll always have Paris


Basada en el libro homónimo, escrito por Neil Gaiman, “Coraline” es una película animada que, utilizando la técnica del stop-motion, cuenta la historia de la pequeña Coraline Jones (Dakota Fanning), una niña muy inteligente y curiosa que termina enredándose en un gran problema.

Coraline se muda con sus padres, Charlie (John Hodgman) y Mel Jones (Teri Hatcher), a una vieja mansión que ha sido transformada en una especie de pensión. En aquel lugar, Coraline conoce a sus interesantes y excéntricos vecinos: April Spink y Miriam Forcible (Jennifer Saunders), un par de actrices de burlesque que ya jubilaron; Sergei Alexander Bobinsky (Ian McShane), un gimnasta dueño de un circo de ratas; Wybie Lobat (Robert Bailey Jr.), el nieto de la dueña de la mansión y Gato (Keith David), un misterioso gato negro.

Debido a que sus padres están inmersos en trabajo, Coraline pasa sus días quejándose y aburriéndose. Cierto día, descubre una pequeña puerta que la transporta hasta otra versión de su propio mundo; allí se encuentra con su Otra Madre y su Otro Padre, versiones más atentas y más cariñosas de sus propios padres, pero quienes tienen botones en lugar de ojos. Wybie y sus vecinos le advierten a Coraline que tenga cuidado en sus aventuras e, incluso, Gato, quien puede hablar en el Otro Mundo, le advierte que Otra Madre es muy peligrosa.

La estética y producción de “Coraline” es tan hermosa que es fácil olvidar que estamos viendo una historia de terror, razón por la cual tratamos de entender aquel misterio de que a los niños les encanta esta película y no los asusta de la misma manera en que asusta a los adultos.
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“Get Out” tiene bastantes méritos como para encender la curiosidad tras un solo vistazo al tráiler. Fue escrita y dirigida por Jordan Peele, conocido por su trabajo cómico en “Key & Peele”, y, además, su protagonista es un hombre joven de raza negra, la cual siempre ha sido traicionada y dejada morir primero en varias cintas de terror. Jordan decidió darle una vuelta al género y mezclarlo con algo de historia también.

Chris Washington (Daniel Kaluuya) es un fotógrafo que lleva tres meses saliendo con Rose Armitage (Allison Williams), una atractiva joven blanca; ella lo invita a pasar un fin de semana en la casa de sus padres para que ellos lo conozcan, pero Chris, no está muy seguro de querer ir. De todas formas, cede ante la petición de Rose y conoce al resto de los Armitage: el padre, Dean (Bradley Whitford; la madre, Missy, (Catherine Keener) y el hijo menor, Jeremy (Caleb Landry Jones).

Las cosas son algo incómodas para Chris, ya que estar rodeado sólo de gente blanca lo pone algo nervioso. Comprensible. Si a eso le sumamos que los Armitage tienen sólo dos empleados y ambos son negros, más la reunión de amigos blancos que organizan durante una tarde, es inevitable que la incomodidad de Chris siga creciendo. Las cosas empeoran cuando la familia Armitage muestra su verdadera faceta: coleccionan víctimas de raza afroamericana para trasplantar los cerebros de sus amigos de raza blanca en ellos, convirtiéndolos así en una nueva especie de esclavos.

Si una trama así suena familiar, es porque está muy conectada a la todavía triste realidad del racismo que existe en nuestra sociedad. Al final del día, las cosas más temibles no siempre son las cosas paranormales, sino que también lo puede ser, perfectamente, aquella actitud tan retrógrada e ignorante. Jordan Peele usa tan bien este concepto que, hasta algo tan triste en la historia de sus antepasados, como lo es la imagen del algodón, se transforma en algo muy significativo durante el final de la película.

Hace poco se anunció que “Get Out” competirá en la categoría de Mejor Musical o Comedia dentro de los Globos de Oro, hecho que nos recuerda que el privilegio blanco es ver esta película y pensar que es divertida. Por suerte, Jordan Peele les recordó que lo que acabamos de ver puede ser también un documental.
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Todo puede salir mal durante un fin de semana en una cabaña alejada del mundo y todos lo sabemos, excepto los protagonistas de la historia. Curt Vaughan (Chris Hemsworth) invita a su novia, Jules Louden (Anna Hutchison), y a sus amigos, Dana Polk (Kristen Connolly), Holden McCrea (Jesse Williams) y Marty Mikalski (Fran Kranz), a pasar unos días en la cabaña que le pidió prestada a su primo.

Desde el comienzo, gracias a una vibra muy parecida a “Evil Dead”, el grupo de amigos comienza a percibir extrañas cosas a su alrededor. Dana, por ejemplo, encuentra el diario de Patience Buckner (Jodelle Ferland), integrante de la familia que fue la primera dueña de la cabaña; al leerlo, Dana despierta a cada integrante, quien regresa a la vida convertido en zombie. Uno tras otro, los amigos comienzan a desaparecer, siguiendo las clásicas reglas del cine de terror.

Y la historia sigue estas reglas, debido a que todo estaba cuidadosamente siendo orquestado por una organización dedicada a desastres paranormales, como zombies, momias o monstruos. “The Cabin in the Woods” basa en esto su trama, la cual parece más una fanfiction de crossovers de personajes de películas de terror que una idea original.
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Continuando con la inspección a la filmografía de Taika Waititi, también vi “Hunt for the Wilderpeople”, una comedia adorable con aires a “Up” que es imposible no terminar amando. Utilizando a su natal Nueva Zelanda como escenario, Waititi decide contar la historia de un delincuente juvenil que encuentra un hogar.

Ricky Baker (Julian Dennison) ha vivido en varios centros infantiles, luego de ser abandonado por su madre, por lo que desarrolló una rebelde personalidad. Cierto día, Ricky es enviado a vivir a una lejana granja, en donde es recibido con mucho entusiasmo y mucho amor por Bella (Rima Te Wiata); su pareja, Hector (Sam Neill) es mucho más frío y distante con Ricky. De todos modos, el adolescente pasa algunos de sus mejores días con ellos, quienes incluso celebran sus cumpleaños y le regalan una mascota, Tupac.

Lamentablemente, Bella muere. Ricky finge su suicidio y escapa, ya que no quiere regresar con las autoridades. Hector lo encuentra en el bosque, pero la policía asume que él ha raptado a Ricky; los dos, entonces, deciden huir juntos y esconderse antes de ser arrestados. Al principio, ambos no se soportan, pero pasan por tantas cosas ridículas e intensas que no pueden evitar unirse mientras dura su aventura y aquellas ridículas situaciones sólo pueden ser soportables y adorables cuando son dirigidas por alguien como Taika Waititi, quien entiende bastante bien ese tipo de humor.
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Durante cierta noche, Ivan Locke (Tom Hardy) decide conducir su auto desde Birmingham hasta Londres, ya que una compañera de trabajo, llamada Bethan (Olivia Colman) está a punto de dar a luz en condiciones prematuras. Ivan y Bethan habían tenido un encuentro demasiado casual de una noche, el cual terminó en un embarazo. Ya que él mismo había sido abandonado por su padre, Ivan decide no hacerle lo mismo a otro pequeño niño.

Durante el viaje de una hora y media hasta Londres, Locke realiza y recibe un total de treinta y seis llamadas, en las cuales conversa con distintos compañeros de trabajo, así como también con su esposa, Katrina (Ruth Wilson), para contarle la verdadera razón sobre aquel repentino viaje a Londres. Locke tiene que lidiar no sólo con las consecuencias de lo que hizo, sino que también con las complicaciones que rodean el parto de Bethan.

Existe una especie de leyenda urbana, la cual dice que Tom Hardy, a rostro completamente cubierto, no tiene problemas para demostrar sus talentos actorales; en “Locke” también los demuestra estando sentado durante hora y media, haciendo llamadas como si el mundo se fuese a acabar. La película tiene un solo escenario y un solo personaje en cámara, pero logra transmitir los sentimientos de cada uno de ellos.
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Odin (Anthony Hopkins) está a punto de morir y una especie de apocalipsis, llamado Ragnarok, se dejará caer en Asgard. Antes de desaparecer, Odin le confiesa a Thor (Chris Hemsworth) y a Loki (Tom Hiddleston) que tienen una hermana mayor, Hela (Cate Blanchett), quien ha salido de su encarcelamiento para tomar el trono del reino. Hela es tan poderosa que expulsa a sus hermanos de Asgard y ambos terminan en Sakaar, lugar desde donde deberán luchar para poder detener a su hermana.

Definitivamente, "Thor: Ragnarok" es la mejor entrega de las películas que rodean al personaje de Thor y, aunque no he completado la saga de las películas Marvel, me arriesgo a decir que debe ser la más entretenida también. El director, Taika Waititi, debería encargarse de cada entrega de Marvel, desde ahora en adelante; su toque es demasiado notorio y divertido, tanto en aquel mínimo guiño hacia los vampiros, como en la escena de Thor cayendo por la escalera y, claramente, en su participación como Korg. 

Taika sabe dirigir tan bien que el personaje de Thor tiene un nuevo enfoque, gracias al cual Chris Hemsworth, por fin, se puede lucir. Los nuevos personajes secundarios también son muy interesantes, sobre todo el de Valkyrie (Tessa Thompson), quien ayuda a Thor y a Loki a derrotar a Hela, con quien también había tenido una especie de roce. Otra de las cosas más notorias es la inclusión de "Immigrant Song" en el soundtrack, la cual se une con perfección a las escenas de batalla.

Ya que me divertí mucho viendo "Thor: Ragnarok", no entiendo a quienes critican a la película por ser demasiado graciosa. ¿Tan mal acostumbrados están a “chistes” como estos? Robert Downey Jr. debería pensar en jubilarse del humor ahora que Taika Waititi se unió a Marvel.
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En un futuro no muy lejano, un desconocido y temible virus ha acabado con la mayoría de la población del planeta. Paul (Joel Edgerton) vive en casa extremadamente protegida, ubicada en la profundidad de un bosque; además de Paul, también viven allí su esposa, Sarah (Carmen Ejogo), y el hijo adolescente de ambos, Travis (Kelvin Harrison Jr.). Recientemente, los tres tuvieron que sacrificar a Bud (David Pendleton), el padre de Sarah, ya que contrajo la extraña enfermedad que tanto problema ha causado.

Cierto día, la tranquilidad de esta familia se vuelve a ver interrumpida cuando Will (Christopher Abbott) aparezca en el lugar. Will sólo busca un techo para él, para su esposa Kim (Riley Keough) y su pequeño hijo Andrew (Griffin Robert Faulkner). Paul decide hospedarlos, pero, más que por una razón moral, lo hace por una razón lógica, ya que ellos podrían aportar otras cosas. Desde el principio, la desconfianza de Will por sus nuevos invitados se hace presente, desconfianza que contagia también a su propia familia.

Más allá de ser una película de terror sobre una amenaza latente, “It Comes at Night” demuestra lo terrible que puede llegar a ser la naturaleza humana cuando se ve en peligro y cómo esta puede llegar a desaparecer durante los peores momentos. Ni siquiera vemos qué o quiénes podrían dañar a los personajes, pero sí sentimos el miedo que ellos sienten hacia el otro. “It Comes at Night” ha sido tildada de película “lenta”, de esas en donde no pasa nada, pero siempre hay que recordar que no necesitas de saltos cada quince minutos para considerar que una película de terror sea buena.

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Siguiendo la fórmula de una película de zombies, “Busanhaeng” cuenta la historia de una especie de virus que transforma a las personas en seres no vivientes, hambrientos de carne humana. La interesante variación es que la película ocurre dentro de un tren que viaja a toda velocidad hacia la ciudad de Busan y que la historia incluye variadas personalidades.

Seo Seok-woo (Gong Yoo) es un trabajólico hombre de negocios, quien apenas dedica tiempo o atención a su pequeña hija, Seo Su-an (Kim Su-an); para alegrarla, decide llevarla a pasar su cumpleaños con su madre, quien vive en Busan, tomando el tren desde una estación de Seúl. Entre los pasajeros, también se encuentran Yoon Sang-hwa (Ma Dong-seok) y su esposa embarazada, Seong-kyeong (Jung Yu-mi); Yon-suk (Kim Eui-sung), un egoísta empresario; los estudiantes Min Yong-guk (Choi Woo-shik) y Kim Jin-hee (Ahn So-hee); además de un hombre vagabundo (Choi Gwi-hwa).

Apenas el tren comienza su recorrido, el pánico se enciende vagón tras vagón. Nadie sabe cómo o por qué estos ataques comenzaron, pero, mientras avanza el viaje, pronto se darán cuenta de cómo atacar de vuelta. “Train to Busan”, como fue traducido su título, es una película terrorífica, intensa y muy entretenida. Da gusto que el género de los zombies se reivindique, ya que desde que arruinaron “The Walking Dead” que estas criaturas se volvieron muy aburridas.

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“The Disappearance of Eleanor Rigby” es una colección de tres películas sobre la misma historia, pero contadas desde distintas perspectivas. La historia se trata, básicamente, de las vidas de Conor Ludlow (James McAvoy) y de Eleanor Rigby (Jessica Chastain), las cuales cambian tras la inesperada muerte de su pequeño bebé. Conor y Eleanor están completamente enamorados, pero no saben cómo lidiar con su situación.

En “Her”, la película se centra en la manera en que Eleanor decide lidiar con las cosas. Tras un intento de suicidio, regresa a la casa de sus padres y se inscribe nuevamente en la universidad, con tal de terminar la disertación de antropología que abandonó cuando conoció a Conor. Mientras que en “Him”, nos cuentan las cosas que ocurren en la vida de Conor; tras la desaparición de Eleanor, él regresa a la casa de su padre y comienza a tener problemas de dinero en su pequeño restaurante.

Por último, “Them” es una versión que reúne las dos entregas anteriores y cuenta la historia completa de manera lineal. Aunque puede haber escenas repetidas, en ningún momento molestan, ya que la película está tan bien escrita y tan bien actuada que es un placer recordar ciertas líneas y ciertas secuencias. “The Disappearance of Eleanor Rigby” es una película hermosa, nostálgica y adorable, de esas que te llegan al corazón.
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Desde su estreno en el festival de Cannes el año pasado, “Grave” se ha ganado aquella reputación que al menos siempre una película presente en aquel festival se gana, la reputación que la describe como una película perturbadora, que provocó tanto asco como pánico y que varios de los asistentes tuvieron que retirarse del cine al no poder lidiar con la historia sobre una joven que se rinde ante el canibalismo.

Justine (Garance Marillier) comienza su primer año en la carrera de Veterinaria. Siempre ha sido vegetariana, porque lo que se opone a uno de los rituales de bienvenida, el cual dictaba que comiera riñón de conejo crudo. Su hermana mayor, Alexia (Ella Rumpf), quien también estudia en la misma facultad, obliga a Justin a comer el riñón de todas formas, por lo que la joven desarrolla una alergia y sufre de un terrible sarpullido.

Como si aquel terrible sarpullido no fuese poco, Justine comienza a sentir un insaciable antojo de carne, algo que la avergüenza fuertemente. Lo peor es que, tras un accidente con tijeras que le ocasiona a su hermana, Justine termina probando la carne humana, algo a lo que le toma el gusto y algo en lo que no puede dejar de pensar.

A pesar de lo terrible que el canibalismo pueda llegar a ser y, a pesar de aquellas escenas bastante gráficas, “Grave” tiene una manera muy bella de mostrar esta historia. No sólo es la historia de una terrible práctica, sino que también es la historia de una joven descubriéndose a sí misma y descubriendo el mismo. No quiero decir que ese detalle idealiza o ablanda la parte más cruda de “Grave”, sino que deja un equilibrio para que la cinta no se convierta en algo exclusivamente morboso.

Recomendaría, sí, verla con el estómago vacío, ya que parece estar diseñada para hacerte sentir todo tipo de asco.

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I don’t wanna be buried in a pet sematary…

Estoy pasando por una especie de adicción a Stephen King y, luego de leer "Carrie", saldé la deuda con "Pet Sematary". Agradezco mucho haberla visto ahora durante la adultez, ya que el personaje de Zelda se hubiese transformado en el mayor terror de la infancia.

Louis Creed (Dale Midkiff) se muda a Maine junto a su familia: su esposa Rachel (Denise Crosby), su hija Ellen (Blaze Berdahl) y el bebé, Gage (Miko Hughes). Pronto se hace amigo de su vecino, Jud Crandall (Fred Gwynne), quien le cuenta la historia del cementerio de mascotas que tiene cierto misterio rodeándolo. Louis, además, comienza a tener extrañas visiones de Victor Pascow (Brad Greenquist), un hombre que murió tras ser atropellado por un camión, quien le avisa sobre los peligros del cementerio.

Cierto día, el gato de Ellen también es atropellado y, luego de enterrarlo en aquel lugar, Louis descubre que, al día siguiente, la mascota aparece completamente viva. Louis recurre a la brujería del cementerio también cuando el pequeño Gage muere luego de ser atropellado por un camión, pero, esta vez, tendrá que enfrentar todos aquellos peligros de los que Victor le hablaba.

Terrorífica e intensa, “Pet Sematary” es como aquella pesadilla que nunca quise soñar.
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Ann Bishop Mullany (Andie MacDowell) es una mujer que está infelizmente casada con John (Peter Gallagher); no llevan una vida sexual como la de cualquier otra pareja, ya que ella no siente ningún tipo de satisfacción con el sexo. Además, John engaña a Ann con su propia hermana, Cynthia (Laura San Giacomo).

Cierto día, un amigo de John llega a quedarse en casa unos días. Graham Dalton (James Spader) de inmediato llama la atención de Ann, debido a su personalidad atormentada y misteriosa. Graham siempre lleva consigo una maleta llena de cintas y una cámara grabadora; Ann luego descubre que Graham retrata a distintas mujeres, quienes hablan directo a la cámara y cuentan sus fantasías o experiencias sexuales.

“Sex, Lies, and Videotapes” es un completo somnífero. Pudo haber sido una película mucho más dinámica utilizando el recurso de las cintas con entrevistas, las cuales pudieron haber tenido más protagonismo. Ninguno de los personajes era muy interesante y nadie tenía química con nadie. Una decepción.

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Esperaba con ansias el estreno de “It”, ya quería tener la experiencia de ver una película de terror en el cine y también quería reconciliarme con la historia, ya que la versión estrenada en 1990, no causó en mí el efecto que sí causó en el resto de mi generación. Todo comenzó bien: me preguntaron si tenía más de catorce años antes de entrar a la sala. 

La trama de esta nueva versión de “It” es bastante fiel a la trama del libro de Stephen King: un ser con forma de payaso aterroriza a un grupo de amigos que no tienen mucho más que a ellos mismos. La mayor diferencia es que esta versión, dirigida por Andrés Muschietti, está ambientada en la década de los ‘80, lo que significa una buena apuesta, ya que la segunda parte (que imagino que se estrenará en algún momento) estaría ambientada en la actualidad.

También al contrario de la entrega noventera, esta versión de "It" es mucho más entretenida, dinámica y rápida; no pierde nuestra atención en ningún momento y cumple con asustarnos tanto con un par de saltos como con un par de temáticas, las cuales pueden llegar a ser mucho más terribles que la figura de Pennywise. En cuanto a las actuaciones, Bill Skarsgård es excelente y estoy segura de que asustará a toda una nueva generación; el grupo de actores que interpreta a los niños de Derry es increíblemente talentoso y es imposible no sentir empatía y cariño por cada uno de ellos.

"It" es una excelente película, demostrando que no todos los remakes tienen que arruinar una franquicia.
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Hace millones de años, Bor, el padre de Odín (Anthony Hopkins) luchó contra los elfos oscuros, liderados por Malekith (Christopher Eccleston), quien quería liberar un arma llamada Éter en los Nueve Mundos. Bor consigue guardar esta arma y proteger al Universo de una destrucción masiva.

En la actualidad, Odín ha encerrado a Loki (Tom Hiddleston) debido a sus crímenes y Thor (Chris Hemsworth) trata de poner orden en los Nueve Mundos luego de la destrucción del puente Bifrost un año antes. Al mismo tiempo, en la Tierra, Jane (Natalie Portman) no olvida a Thor y sigue tratando de encontrar un portal que lleve a su reencuentro. Debido a eso, Jane y Darcy (Kat Dennings) encuentran ciertos portales en Londres; Jane entra a uno y absorbe el Éter que había estado guardado durante siglos y siglos.

Considerando lo entretenida que es “Thor”, entrega de 2011, asumí que su secuela seguiría el mismo ritmo, pero la película se enreda en sí misma y es bastante aburrida. Quizás si hubiesen dejado a Patty Jenkins en el proyecto, las cosas hubiesen sido distintas.
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“Tropa de Elite” es una película brasilera sobre BOPE, organización de policía militar reconocida por luchar contra el narcotráfico en las temidas favelas; es una especie de GOPE chileno.

Es sabido que las cosas son violentas y corruptas tanto en Brasil como en cualquier otro país y la película no se priva de mostrar esa realidad. La historia está contada a través de dos personajes, André Matias (André Ramiro) y Neto Gouveia (Caio Junqueira), dos amigos que sueñan con convertirse en policías de la organización GOPE, liderada por el capitán Nascimento (Wagner Moura).

André y Neto son testigos en primera persona de la corrupción que se da dentro de la organización, así como también de la violencia y de la injusticia que se plasma en los barrios más vulnerables de su país, una realidad no muy lejana a la nuestra, por lo que la impotencia es totalmente justificada.

“Tropa de Elite” es como si se mezclara a “Cidade de Deus” con “Full Metal Jacket”, para darnos un final igual de tenso e impactante.
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Amanda (Elena Anaya) y Javier (Benjamín Vicuña) son una joven pareja pasando por un proceso de divorcio, luego de la muerte de su pequeño hijo. Todos reaccionamos de manera distinta y “La Memoria del Agua” nos muestra cómo ambos personajes tratan de lidiar con su pérdida; uno lo hace desde el dolor y otro lo hace desde la evasión.

Además del hecho de que Amanda sea intérprete, “La Memoria del Agua” llamó mi atención, debido a que es el tipo de película melancólica, adornada de tristes diálogos y de una linda estética, que capta el que debe ser uno de los peores episodios en la vida de unos padres. ¿Cómo superas la muerte de un hijo?

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Isabel Allende es una de las escritoras chilenas más reconocidas en el mundo entero. A pesar de eso, todavía me parece increíble que algunas de sus obras hayan sido adaptadas al cine. No es que me parezca algo que no merezca méritos, eso sólo que todavía veo algo lejano el interés de algún estudio en un producto chileno.

“La Casa de los Espíritus” debe ser su novela más famosa y es bastante importante en nuestra historia debido a su estilo narrativo y a las referencias sobre distintos contextos políticos que hemos visto en el país. Siempre me pareció un libro bastante tétrico, pero no menos interesante. Lamentablemente, “The House of the Spirits” no consigue adaptar aquella estética y convierte a la historia en una película muy aburrida y vacía.

Partiendo por lo más detestable, “The House of the Spirits” es un producto completamente blanqueado; no hay ningún rastro de actores latinos presente en los personajes principales y hasta la pronunciación de los nombres suena ridícula. A pesar de contar con excelentes actores, la historia sufre de falta de emociones y de química entre ellos, algo que la transforma en una tortura eterna.

En este caso, el libro SÍ es mejor que la adaptación.

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Hace un tiempo, comencé a ver la serie “The Crown”, por lo que una reciente obsesión con la monarquía británica es totalmente justificable. La serie comienza mostrando la infancia de la reina Isabel II, mientras su padre, el rey George VI, asumía el cargo tras la abdicación de su hermano, Edward VIII. Sabiendo esta historia ya de memoria, lo mejor es indagar historias mucho más antiguas, como la historia de la reina Victoria, tatarabuela de Isabel II.

La princesa Victoria de Kent (Emily Blunt) era la posible heredera del trono durante el reinado de su tío, el rey William IV (Jim Broadbent). La joven creció en soledad y bajo la dura influencia de su madre, la Duquesa de Kent (Miranda Richardson), y de John Conroy (Mark Strong), interventor de la duquesa. Ambos quieren convencer a Victoria de que firme un documento permitiendo una regencia, lo que les permitiría a ellos reinar primero.

El rey William fallece luego del cumpleaños número dieciocho de Victoria, por lo que la regencia es imposible. Desde el momento en que se anuncia su nuevo título de reina, Victoria comienza a asumir su independencia: se cambia a una habitación propia, dejando la compañía de su madre, y le prohíbe la entrada a Conroy a su hogar. Además de asumir más responsabilidades, Victoria también debe buscar un compañero idóneo, por lo que sus ojos se fijan en su primo, el príncipe Albert de Sajonia-Coburgo-Gotha (Rupert Friend).

“The Young Victoria” es tan bella, estéticamente hablando, como interesante, históricamente hablando. Al final del día, las monarquías siempre nos darán temas para explorar y personas a quienes observar.
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“The Princess Bride” parece pertenecer a ese grupo de películas que marcaron demasiado la infancia de los estadounidenses, películas que son infinitamente mencionadas en otras cintas o en algunas series, películas que debemos ver para entender, justamente, aquellas referencias.

Dirigida por Rob Reiner, “The Princess Bride” nos muestra primero la trama de un abuelo contándole a su pequeño nieto la historia de Buttercup (Robin Wright) y de Westley (Cary Elwes). Ambos viven en el reino de Florin y se enamoran perdidamente, a pesar de las diferencias sociales. Westley decide salir a buscar fortuna para poder casarse con Buttercup, pero unos piratas atacan su barco y todos asumen que murió.

Cinco años después, Buttercup está comprometida con el príncipe Humperdinck (Chris Sarandon), pero antes de la boda, la joven es raptada por tres forajidos: Vizzini (Wallace Shawn), Fezzik (André the Giant) e Íñigo Montoya (Mandy Patinkin), un hombre que también busca al asesino de su padre, el conde Tyrone Rugen (Christopher Guest), para cobrar su deseada venganza. Buttercup es rescatada por un misterioso hombre vestido de negro, un hombre muy parecido a su amado Westley.

Luego de muchas aventuras y momentos muy divertidos, “The Princess Bride” logra conquistar nuestros corazones, tal y como lo hizo con aquel nieto que apenas quería escuchar la historia de su abuelo. Ojalá hubiese visto esta película durante la infancia.
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Siempre recordaré a “Dunkirk” como la primera película de la que tuve que dejar la sala del cine durante la función; la lección es, quizás, no ir resfriada. También la recordaré como la película que me reconcilió con Christopher Nolan. Por ahora.

Después de “Interstellar”, los juegos con el tiempo para conseguir un plot twist novedoso ya se sentían repetidos y agotadores, ya que no funcionaron tan bien como en otras películas. Cuando fue anunciado que Christopher Nolan dirigiría “Dunkirk”, la curiosidad ganó de todos modos, ya que asumí que, durante una película de guerra, basada en hechos reales, no podrían haber muchos enredos con el tiempo.

“Dunkirk” cuenta la historia de aquella hazaña realizada por los Aliados durante la Segunda Guerra Mundial, en donde debieron rescatar a todos los soldados que esperaban ser rescatados en la playa francesa de Dunquerque, playa que también aparece durante una maravillosa escena de “Atonement”. Más que concentrarse en historias externas sobre la vida de los soldados, “Dunkirk” se enfoca más en mostrar todos los intentos fallidos que sufrieron los militares; tuvieron que lidiar con ataques aéreos mientras se sentaban a esperar, así como también con ataques hacia los barcos que lograban salir de un muelle, barcos que llevaban soldados heridos y enfermeras. Durante días, hubo varios fallecidos debido a las balas, a las bombas y a los hundimientos en el mar.

La historia está relatada desde tres perspectivas: los sucesos en el muelle (una semana), los sucesos en el mar (un día) y los sucesos en el aire (una hora). En el muelle, se encuentran los soldados, dentro de los cuales sobresalen tres: Tommy (Fionn Whitehead), Gibson (Aneurin Barnard) y Alex (Harry Styles). En el mar, tenemos el bote del señor Dawson (Mark Rylance), quien viaja con su hijo Peter (Tom Glynn Carney) y el amigo de este, George (Barry Keoghan); ellos encuentran a un soldado (Cillian Murphy) que sobrevivió al ataque contra un submarino, sufriendo ya de estrés post-traumático. Por último, en el aire, se encuentran los pilotos de la Fuerza Aérea tratando de eliminar a los aviones que siguen atacando en la playa. Estas tres historias son contadas simultáneamente, pero, en realidad, se dieron con una distancia de horas y días; todo parece lineal hasta que vemos a Cillian Murphy durante el día y, en la siguiente escena, ya cayó la noche. No es un detalle que distraiga o que nos saque de la película, sino que nos hace buscar muchas más respuestas y no dejar de prestar atención. 

"Dunkirk" es una gran producción; se rescata desde la música, pasando por la tensión hasta llegar a las actuaciones. Queda en evidencia todo aquel pánico, estrés y desesperanza, gracias a aquella banda sonora que llega hasta los huesos.
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Faye (Rooney Mara) es una joven guitarrista que está tratando de conseguir éxito como músico. Conoce a Cook (Michael Fassbender), un productor musical, y se involucra románticamente con él con tal de lograr su objetivo. Al mismo tiempo, Faye también comienza a salir con BV (Ryan Gosling), otro músico que es un poco más conocido que ella; la joven esconde su relación con Cook y trata de seguir como si nada.

Por otro lado, Cook se casa con Rhonda (Natalie Portman), una ex profesora que ahora trabaja como mesera, pero ella no entiende aquella vida de lujo y excesos. Entre varios enredos amorosos y muchas presencias musicales tan geniales como las de Patti Smith, Anthony Kiedis, Florence Welch o Iggy Pop, Faye parece estar en un viaje de autoconocimiento y arrepentimientos.

“Song to Song” es la primera película dentro de la filmografía de Terrence Malick que veo y la vi con las advertencias de que su cine es bastante experimental, eterno y, a veces, pretencioso. “Song to Song” es, exactamente, así.

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Tras el éxito de los live action de “Maleficent” y de “Cinderella”, Disney no ha dudado en seguir repitiendo la fórmula y, para el estreno de este año, adaptaron “Beauty and the Beast” en forma de carne y hueso.

Manteniéndose bastante fiel a la versión animada que se estrenó en 1991, “Beauty and the Beast” también cuenta la historia de Belle (Emma Watson), una joven que ama los libros y que desea vivir más aventuras de las que su pequeño pueblo ofrece; siempre está siendo cortejada por Gaston (Luke Evans), pero su sexismo y virilidad no causan ningún efecto en ella. Belle luego es encerrada en una torre por la Bestia (Dan Stevens), un príncipe que fue embrujado y transformado en una violenta criatura. Al igual que él, también sus sirvientes fueron encantados y Belle pronto se acostumbra a vivir junto a todos ellos en el castillo.

Debido al contexto actual, la controversia por el síndrome de Estocolmo que sufre el personaje de Belle se ha convertido en un tema; no sólo eso, sino que también el hecho de que la joven es parte de una relación tóxica y abusiva. Disney debe tratar con delicadeza aquellos temas, sobre todo si no quieren que otra generación crezca con ideas equivocadas sobre el amor. Emma Watson, feminista declarada, ayuda bastante con la causa, pero no hay mucho que se pueda hacer con una historia como esta.

En cuanto a la parte musical de “Beauty and the Beast” la película sí cumple, al nivel de su predecesora. El resto del elenco es un excelente elenco de voces y podría escuchar tanto a Ewan McGregor como a Emma Thompson cantando todo el día. El casting de Luke Evans también es bastante idóneo, pero el gran momento salido del clóset que la película prometió acerca del personaje de Le Fou (Josh Gad), sólo se queda en un par de segundos de baile. De verdad que no es mucho lo que Disney puede hacer.

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Hace unos días, Netflix estrenó la película “To the Bone”, una historia sobre una joven que sufre de anorexia. Generalmente, cuando se trata de temas delicados como los desórdenes alimenticios, estos se idealizan o se muestran de manera excesivamente gráfica, pero “To the Bone” no cae en esos extremos.

Ellen (Lily Collins) es una joven de veinte años que sufre de anorexia. Debido a que su padre no sabe cómo lidiar con ella, su madrastra, Susan (Carrie Preston), asume la mayoría de la responsabilidad; ella consigue que Ellen entre a un nuevo tratamiento, liderado por el doctor William Beckham (Keanu Reeves). Ellen ya no tiene muchas esperanzas en alguna especie de progreso, pero entra de todas formas.

La joven entra a un centro, en donde convive con seis otras personas que también sufren de desórdenes alimenticios. Dentro de ellos, resaltan Megan (Leslie Bibb), una paciente embarazada y Luke (Alex Sharp), el único hombre, quien comienza a enamorarse de Ellen. Ella continúa teniendo problemas con su enfermedad, pero un par de eventos la ayudarán a mantenerse en el programa.

“To the Bone” no parece estar idealizando la anorexia ni tampoco parece ser una guía sobre cómo conllevar aquella enfermedad, por lo que es una historia y un viaje mucho más interesantes que otras cosas que tratan temas delicados y que no saben de qué manera hacerlo, como “13 Reasons Why”.
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No deja de sonar esto en mi cabeza.

La emoción por ver “Wonder Woman” subía junto con las buenas críticas que rodean a la película desde su estreno; las expectativas eran muy altas y, a pesar de que la película sí le hace honor a su reputación, también sentí un poco de decepción frente a la temática del interés romántico. Imaginé que sólo vería una historia sobre sororidad y feminismo, pero la cinta ofrece más que eso.

Primero, más allá de la serie protagonizada por Lynda Carter, no tenía mucha información sobre el personaje de Diana; si hubiese sabido que la historia contenía mitología griega, la hubiese leído hace mucho tiempo. Diana (Gal Gadot) es hija de Zeus; fue formada de arcilla y entregada a Hipólita (Connie Nielsen); Diana creció en Temiscira, el reino de las Amazonas, un grupo de mujeres maravillosas, cuya misión es resguardar la paz y evitar que Ares desarrolle otra de sus guerras.

Cierto día, un piloto consigue entrar a Temiscira y Diana lo salva; Steve Trevor (Chris Pine) no aparece solo, ya que es perseguido soldados alemanes. Las Amazonas demuestran todos sus dotes para la batalla y derrotan al enemigo en una genial escena que pudo haberse repetido durante el resto de la película. Steve les cuenta sobre la Gran Guerra y Diana, sabiendo que se trata de una obra de Ares, decide salir de Temiscira a ayudar a los humanos. Una vez en Londres, Diana se encuentra con un mundo lleno de helados, de nieve, de secretarias y de líderes que no se atreven a luchar con los suyos. A pesar de la decepción, Diana no se desanima y se decide a vencer a sus enemigos, el general Ludendorff (Danny Huston) y la doctora Veneno (Elena Anaya), además de liberarlos de la influencia de Ares.

Los ánimos de sororidad se acaba cuando comienzan las interacciones entre los personajes de Diana y de Steve y, aunque la escena de batalla en No Man’s Land es excelente, luego de ella la acción se va disipando. Sin querer mirarla en menos, se debe decir que “Wonder Woman” también es muy entretenida y rápida, el casting de Gal Gadot es perfecto y se agradece todo lo que esta película está consiguiendo por el futuro de las mujeres en el cine, tanto frente como detrás de cámara. Además, también se comprende la resolución de Diana: el amor romántico no fue lo que la llevó a completar su misión, sino que también lo fue el amor hacia la humanidad tras ver que somos capaces de actos decentes. 

“It’s not about what they deserve. It’s about what you believe. And I believe in love”.
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Existe algo encantador en aquellas historias sobre pueblos pequeños, peluquería del barrio y amistades eternas e incondicionales que “Steel Magnolias” retrata muy bien.

Annelle Dupuy (Daryl Hannah) es una tímida peluquera que llega a vivir a un pueblo de Louisiana. Truvy Jones (Dolly Parton) la contrata en su salón de belleza y juntas arreglan a M'Lynn Eatenton (Sally Field) y a la hija de esta, Shelby (Julia Roberts). Todas se preparan para el matrimonio de Shelby, incluso Clairee Belcher (Olympia Dukakis), la alegre esposa del ex alcalde, y la sarcástica Louisa Boudreaux (Shirley MacLaine). Todas forman un fiel grupo de amigas, al cual Annelle rápidamente se une.

Tiempo después del matrimonio, Shelby anuncia que está embarazada. Las amigas reciben la noticia con mucha felicidad, excepto M'Lynn. El problema es que Shelby sufre de diabetes y pasar por un embarazo empeorará su salud; ella está dispuesta a correr el riesgo con tal de poder ser madre y el grupo de amigas de su madre deberá demostrar que estarán allí para ella.

“Steel Magnolias” es tan adorable y está tan llena de fuertes presencias femeninas que corre el riesgo de ser tildada como “películas para mujeres”. Personalmente, deberíamos dejar atrás ya ese tipo de definiciones y dejarnos disfrutar distintos tipos de historia.
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Basada en la historia verdadera de Philippe Pozzo di Borgo y Abdel Sellou, “Intouchables” muestra la relación de amistad que se forma entre Phillippe (François Cluzet) y Driss (Omar Sy), luego de que Driss se transforme en el cuidador de Phillippe, un hombre cuadripléjico y millonario.

Driss tiene cero experiencia en cuidados médicos, pero Phillippe lo selecciona debido a su honestidad y debido a que no lo trata con lástima como el resto del mundo. Los dos comienzan a conocerse mejor y a divertirse mucho durante las jornadas de trabajo; Driss, que sólo necesitaba una firma para demostrar que había conseguido trabajo, deja de lado aquel recurso y los dos se dedican a disfrutar de la compañía del otro.

“Intouchables” tiene sus momentos encantadores y divertidos, pero roza esa delgada línea de las historias donde el hombre blanco ayuda al hombre negro que el cine estadounidense tanto ama.
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La filmografía de Denis Villeneuve es tan oscura y tan hermosa que los aspectos más tristes y más temibles de la naturaleza humana son muy interesantes de ver reflejados, ya que sus personajes tienen la suerte de estar bien escritos y estar bien interpretados. “Prisoners” no es la excepción.

Durante una tarde en Pennsylvania, la familia Dover sale a compartir el Día de Acción de Gracias junto a sus amigos, la familia Birch. Luego de la cena y de haber jugado afuera, cerca de una camioneta estacionada, las dos hijas pequeñas de la familia, Anna (Erin Gerasimovich) y Joy (Kyla-Drew Simmons), desaparecen sin dejar rastro. El detective Loki (Jake Gyllenhaal) se hace cargo del caso y, rápidamente, da con un sospechoso, Alex Jones (Paul Dano).

Al registrar la camioneta de Alex, la policía no puede encontrar evidencia ni ADN que corresponda a las pequeñas desaparecidas, por lo que dejen dejar ir a Alex. Los padres de Anna y Joy, Keller Dover (Hugh Jackman) y Franklin Birch (Terrence Howard) deciden tomar la justicia por sus propios medios y secuestran a Alex, con tal de torturarlo hasta que diga la verdad. Por otro lado, Loki no se rinde y continúa la investigación, la cual lo llevará por un camino distinto, pero muy familiar.

“Prisoners” es un thriller apasionante, de esos terribles, pero también de aquellos que no puedes dejar de ver. También es una historia llena de suspenso, ya que nos hace cambiar de sospechoso más de una vez y el misterio de la desaparición parece hacerse cada vez más lejano.
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Confieso que he visto “Trainspotting” sólo una vez en la vida. La vi en una época de curiosidad, cuando quise ver lo que todos dejaban como sus películas favoritas en sus datos personales del recién nacido Facebook; películas como "Amélie", "Juno", "Into the Wild", "Eternal Sunshine of the Spotless Mind", "Requiem for a Dream" y "Trainspotting". Fue una de las películas que más llamó mi atención y no he podido olvidar la escena de la muerte de la bebé. “Trainspotting” marcó tanto a la generación previa a la mía (quizás a la mía también), que la película, el soundtrack, los actores (sobre todo Ewan McGregor), estaban en todas partes en forma de gif, camiseta, comercial o video.

Suele suceder que las segundas partes resultan ser malas, siempre explotan algo de la primera entregan o le agregan algo que no aporta mucho; sentí que en un aspecto de “T2: Trainspotting” pasaba justamente lo segundo. ¿Quién nos explica lo innecesario del personaje de Veronika (Anjela Nedyalkova)? Siempre serán bienvenidos los personajes femeninos, pero el de ella es tan cero aporte que era muy aburrido verla en pantalla; era mucho mejor incluir más al personaje de Diane (Kelly Macdonald). En cuanto a retomar cosas de la primera parte, "T2: Trainspotting" sí cumple.

Renton (Ewan McGregor) regresa a Escocia en uno de los peores momentos de su vida: no tiene un hogar, está pasando por un divorcio, no tiene trabajo y su única opción es ayudar a Sick Boy (Jonny Lee Miller) con un negocio que Veronika, su novia, quiere llevar a cabo. Renton y Sick Boy vuelven a robar y a escapar como cuando eran jóvenes y los mejores amigos de la vida; muy divertida la escena del karaoke. Por otro lado, Spud (Ewen Bremner) no ha podido superar su adicción durante todos estos años, mientras que Franco (Robert Carlyle) se encuentra en la cárcel, ¿dónde más?, pero se escapa para volver a sus andanzas. 

Este grupo de cuarentones tienen tantos problemas como cualquier otra persona de mi generación y es totalmente creíble; no caben dudas que Renton no sepa qué hacer o que Franco esté tras las rejas. ¿Qué más podía pasarle a aquellos personajes que no tenían esperanza de un futuro mejor? El discurso del “choose life” todavía es relevante para ellos. No podían darnos una película en donde aquellos cuatro amigos estuviesen viviendo felices en los suburbios, dando charlas de autoayuda.
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“Sunshine” es una película difícil de olvidar y, mientras más lees trivia o comentarios sobre la cinta, más se repite el nombre de “Alien”. La reputación de esta película de ciencia ficción la precede, pero también fue un agrado descubrir que era mucho más que otra película de aquel género de cintas de acción que ven los papás.

La nave Nostromo va en su camino de regreso a la Tierra, cuando reciben una transmisión proveniente de una luna cercana. Los integrantes de la nave son siete: el capitán Dallas (Tom Skerritt), la oficial Ripley (Sigourney Weaver), la piloto Lambert (Veronica Cartwright), el técnico Brett (Harry Dean Stanton), el oficial Kane (John Hurt), el científico Ash (Ian Holm) y el ingeniero Parker (Yaphet Kotto). Dallas, Kane y Lambert salen de la nave a investigar.

Los tres descubren que la señal proviene de una nave alienígena y entran en ella, a pesar del peligro que podrían encontrar. Kane es quien tiene peor suerte, ya que una criatura se adhiere a su rostro, dejando al oficial inconsciente. Desobedeciendo las recomendaciones de protocolo de Ripley, los tres regresan a la nave e intentan quitarle la criatura a Kane, pero esta, finalmente, se desprende por sí sola y muere. Kane parece estar bien, pero otra criatura sale de su pecho y amenaza la seguridad del resto de la tripulación.

“Alien” es el perfecto ejemplo de lo mal que pueden salir las cosas cuando no se le hace caso a una mujer. Además de aquel detalle, la cinta es una mezcla de ciencia ficción y de terror, cuyo escenario ideal es el espacio exterior; nadie puede ayudarte ni nadie puede escucharte.
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Las películas sobre desastres naturales no son de mis géneros preferidos de ver, pero las cosas se ponen interesantes cuando un ejemplo de ellas fue grabado durante la década del ’70 y cuando cuenta con un elenco de renombre, el cual incluye a Paul Newman, Steve McQueen, William Holden o Fred Astaire. “The Towering Inferno” debió haber sido el “Titanic” de su época.

El edificio conocido como Glass Tower es el edificio más alto del mundo, al contar con 515 metros y 318 pisos. Debido a su grandeza, se realiza una elegante ceremonia de inauguración, en donde, desde el principio, ciertos desperfectos salen a la luz. Roger Simmons (Richard Chamberlain) estaba a cargo de las conexiones eléctricas, pero terminó recortando ciertos gastos; esto representa un problema de seguridad, ya que un incontrolable incendio comienza a propagarse por varios de los pisos de la torre.

El arquitecto Doug Roberts (Paul Newman) y el jefe de policía, Michael O'Halloran (Steve McQueen), son los encargados de sacar a cada huésped del edificio hasta un lugar seguro y obligan a James Duncan (William Holden), creador de Glass Tower, a anunciar una evacuación, pero el fuego comienza a hacer de las suyas, destruyendo ascensores y escaleras a su paso.

Tres horas de tensión, alturas y pánico que convierten a “The Towering Inferno” en mi primera película de Fred Astaire, en donde lo menos importante es el baile.
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El trauma de haber sobrevivido a una guerra marcó a toda una generación, pero hay muchas películas que se centran más en el aspecto bélico que en el aspecto humano; existe también una delgada línea entre transformar la historia en una que celebra ciertos logros militares y otra que no los celebre. "The Deer Hunter" es parte del grupo de películas que se enfoca en el daño psicológico y físico que deja la guerra, así como también en las consecuencias que deben enfrentar aquellos afectados y las personas a su alrededor.

Mike Vronsky (Robert De Niro), Nick Chevotarevich (Christopher Walken), Steven Pushkov (John Savage) y Stanley (John Cazale) son cuatro amigos que viven felizmente en Pennsylvania. Mientras se preparan para viajar a Vietnam, celebran la boda de Steven con Angela (Rutanya Alda), quien está embarazada de otro hombre, un desconocido. Nick le propone matrimonio a su novia, Linda (Meryl Streep), de quien Mike también está enamorado.

Mientras están en Vietnam, Mike, Nick y Steven son capturados por unos integrantes del Viet Cong y son obligados a jugar a intensas rondas de ruleta rusa. Una vez que consiguen escapar, Mike y Steven regresan a Estados Unidos, en donde tienen problemas para retomar la rutina de sus antiguas vidas, mientras que Nick, mucho más psicológicamente traumado que sus amigos, se queda en Vietnam y se une a juegos clandestinos de ruleta rusa.

Imagino que dirigir y participar de una película tan intensa como "The Deer Hunter" no debió haber sido fácil y el peso recae en cada una de aquellas maravillosas actuaciones; una historia sobre distintos traumas corre el riesgo de ser una historia vacía, como "American Sniper", si los actores no consiguen traspasar toda esa tristeza y complejidad ante nosotros. Cada dolor se siente en cada escena. “The Deer Hunter” es mucho más que una película de guerra; es una película sobre cómo las consecuencias de esta luego afectan cada aspecto de tu vida. 

Es un relato muy triste, sobre todo si consideramos que John Cazale estaba muriendo de cáncer durante las grabaciones y que no tuvo oportunidad de ver "The Deer Hunter" una vez que estuvo finalizada.
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“La Passion de Jeanne d'Arc” es otra de las películas que ha sido clave dentro de la historia del cine. Una mezcla de méritos en producción, dirección y actuación han convertido a esta cinta en un clásico, así como también en una experiencia casi religiosa al momento de verla.

La película gira en torno al juicio que debió enfrentar Juana de Arco una vez que fue capturada en Inglaterra tras haber liderado a los franceses en muchas batallas durante la Guerra de los Cien Años. Los jueces tratan de convencer a Juana de que ella no es una enviada de Dios y que tales blasfemias sólo la condenarán a la muerte; Juana no cede ante ningún argumento, ni siquiera cuando la llevan a observar una cámara de torturas ni cuando le cortan todo su cabello.

Cada interacción entre los personajes parece ser un macabro cuadro de arte, gracias al poder del close-up, de la iluminación y del hecho que ninguno de los actores está maquillado ni arreglado; todo se ve mucho más real y crudo. La actuación de Renée Jeanne Falconetti es una de las mejores actuaciones en la historia y es difícil creer que “La Passion de Jeanne d'Arc” haya sido su segunda y última película.

Si pudiéramos describir a esta cinta con una sola palabra, esta sería: intensidad.

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Continuando con otra de las películas que han inspirado a muchos directores, seguí con “City Lights”, película escrita y dirigida por Charlie Chaplin. Además de ser calificada como una de las mejores películas de la historia del cine, “City Lights” también fue una especie de apuesta por parte de Chaplin, ya que decidió realizar una película muda durante el apogeo de las cintas con sonido, un riesgo que valió la pena.

En esta nueva aventura del personaje conocido como “The Tramp” o “Charlot”, Chaplin se enamora de una hermosa joven ciega (Virginia Cherrill); la joven trabaja como florista, es muy pobre y vive con su abuela (Florence Lee). La joven asume que Charlot es millonario y, para suerte de él, este tiene varios encuentros con un verdadero millonario (Harry Myers), encuentros tan graciosos como frustrantes, ya que este hombre no recuerda a Charlot una vez que se encuentra sobrio.

Entre una que otra desventura, incluyendo un paso por una pelea de boxeo, Charlot está decidido a ayudar a la joven ciega, ya que necesita dinero tanto como para pagar una operación que la ayudará a recuperar la vista como para pagar la renta de su departamento antes de que la echen del lugar. Cada desventura de Charlot es tan divertida como la anterior, pero, al mismo tiempo, “City Lights” es una historia demasiado adorable, quizás la más adorable dentro de toda la filmografía de Charles Chaplin.

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¿Qué podría suceder cuando dos ladrones aficionados tratan de convencer a una estudiante de inglés para que los ayude a asaltar su propia casa? Escenas como esta, la cual ha inspirado a muchas otras venideras, como la del baile en "Pulp Fiction", o escenas como esta, que también influenciaron a películas como "The Dreamers". La película en sí, como varias de la nouvelle vague, es toda una fuente de inspiración.

Odile (Anna Karina) conoce a Franz (Sami Frey) durante una de sus clases de inglés; Odile le cuenta que vive en una gran villa, junto a su tía Victoria (Louisa Colpeyn), en donde ella mantiene escondida una gran cantidad de dinero. Franz le comenta esto a su amigo Arthur (Claude Brasseur) y los dos deciden ir a robarlo.

Narrada por su mismo director, Jean-Luc Godard, "Bande à part" luego nos muestra cada una de las aventuras del trío compuesto por Odile, Franz y Arthur, desde aquel memorable baile en un café parisino hasta su movido paso por los pasillos del museo de Louvre. La película es una divertida y didáctica manera de contar una historia sobre un cruel asalto y una prominente historia de amor.

Ya que la música fue compuesta por Michel Legrand, estoy segura de que escuché algo de "Les Parapluies de Cherbourg" durante una escena en la que Odile se retira al baño.
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Catalina. Basada en hechos reales.

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